http://hdl.handle.net/10366/147715 2026-04-29T21:55:40Z 2026-04-29T21:55:40Z Carricaburu Collantes, Amaya http://hdl.handle.net/10366/148718 2025-06-05T12:36:20Z 2021-12-27T00:00:00Z

The Punto cubano is a musical genre from Cuba, declared Intangible Heritage of Humanity by UNESCO in 2017. Over the past century, numerous investigations have focused on its musical characteristics itself, leaving aside its dimension as a cultural practice, which has led to various preservation and transmission processes. This article proposes precisely its assessment as a cultural practice, based on the importance and role that various artistic expressions have within this musical genre and the community character of their parties. It takes as a reference the previous work El punto cubano en Mayabeque. Tendencias de desarrollo (2013-2016) (Carricaburu, 2019), based on an analysis of studies on gender, addresses aspects of its relationship with the Cuban cultural identity and focuses its gaze on the proposal of validation of the cultural practice concept for this case, by analyzing the practices carried out in the western province of Mayabeque. In short, starting from an intense field research work and the comparative analysis of numerous peasant tunes recorded on the field, we propose to demonstrate the stable and continuous practice of the punto cubano in this province.; El punto cubano es un género musical oriundo de Cuba, declarado por la UNESCO Patrimonio Inmaterial de la Humanidad en 2017. En el transcurso del pasado siglo, numerosas investigaciones han puesto el foco en sus características musicales propiamente, dejando a un lado su dimensión de práctica cultural, la cual ha propiciado diversos procesos de preservación y transmisión. Este artículo propone precisamente su valoración como práctica cultural, a partir de la importancia y el papel que diversas expresiones artísticas tienen dentro de este género musical y el carácter comunitario de sus fiestas. Toma como referencia el trabajo previo El punto cubano en Mayabeque. Tendencias de desarrollo (2013-2016) (Carricaburu, 2019). Partiendo de un análisis de los estudios sobre el género, aborda aspectos de su relación con la identidad cultural del cubano y centra su mirada en la propuesta de validación del concepto práctica cultural para este caso, mediante el análisis de las prácticas realizadas en la occidental provincia de Mayabeque. En definitiva, nos planteamos, a partir de un intenso trabajo de investigación de campo y el análisis comparativo de numerosas tonadas campesinas grabadas in situ, evidenciar la práctica estable y continuada del punto cubano en esta provincia.

2021-12-27T00:00:00Z Martín Pérez, Yolanda http://hdl.handle.net/10366/148719 2025-06-05T12:36:20Z 2021-12-27T00:00:00Z

The Lyceum Women's Club is the first organized form of women association composed of women interested in culture in Spain. This was developed in Madrid between 1926 and 1939, with the purpose of defending the civil rights of women, promoting their cultural, educational and professional development. The Music Section, chaired by Ela Fernández Arbós and then by María Rodrigo, programmed multiple concerts, parties and conferences that contributed to the cultural development of the time. Since its foundation, the Lyceum of Madrid maintained a close relationship with other Spanish and foreign women cultural associations, maintaining a special link with the United States. In addition, a lot of exchange activities were planned with the aim of getting to know other cultures in Spain and to disseminate the work of the members of the Madrid Lyceum abroad./nDue to the early disappearance of the club in 1939 there are very few works concerning this institution. It is curious that, despite the few works done by Spanish researchers, the American hispanist Shirley Mangini, a professor at California State University, has conducted one of the most in-depth investigations, recovering the work of these women and contributing to their dissemination in the United States.; /nThe main objective of this work is, therefore, to analyze the work of dissemination of the Lyceum Women's Club of Madrid in the United States by the hispanist Shirley Mangini. The methodology is based on qualitative techniques of the historical method, mainly on the systematic collection of data; being the primary source all the research published by this author and the secondary source works concerning her and her investigations. It is a mainly documentary work based on a study of these previous investigations, whose purpose is to analyze and demonstrate the importance of Mangini's research and dissemination work on the Lyceum of Madrid and to relate it to the few musicological studies that have been carried out in Spain on this subject.; El Lyceum Club Femenino es la primera forma organizada de asociacionismo femenino integrada por mujeres interesadas en la cultura en España. Este se desarrolló en Madrid entre 1926 y 1939, con el objetivo de defender los derechos civiles de la mujer, promoviendo el desarrollo cultural, educativo y profesional de estas. Desde la Sección de Música, presidida por Ela Fernández Arbós y después por María Rodrigo, se programaron múltiples conciertos, fiestas y conferencias que contribuyeron al desarrollo cultural de la época. Desde su fundación, el Lyceum de Madrid mantuvo una estrecha relación con otras asociaciones culturales femeninas españolas y de otros países, manteniendo un especial vínculo con los Estados Unidos. Se programaron, además, múltiples actividades de intercambio con el objetivo conocer en España otras culturas y de difundir la labor de las socias del Lyceum madrileño en el exterior./nDebido a la temprana desaparición del club en 1939 son muy escasos los trabajos referentes a esta institución. Resulta curioso que, pese a los pocos trabajos realizados por investigadores españoles, la hispanista estadounidense Shirley Mangini, profesora en la California State University, haya realizado una de las investigaciones más profundas, recuperando el trabajo de estas mujeres y contribuyendo a su difusión en los Estados Unidos.; /nEl objetivo principal de este trabajo es, por lo tanto, analizar la labor de difusión del Lyceum Club Femenino de Madrid en los Estados Unidos por parte de la hispanista Shirley Mangini. La metodología se basa en técnicas cualitativas del método histórico, principalmente en la recopilación sistemática de datos, siendo la fuente primaria todas las investigaciones publicadas de esta autora y la fuente secundaria los trabajos referentes a ella y a sus investigaciones. Se trata de un trabajo fundamentalmente documental basado en un estudio de estas investigaciones previas, cuyo fin es analizar y demostrar la importancia del trabajo de investigación y divulgación de Mangini acerca del Lyceum de Madrid y relacionarlo con los escasos estudios musicológicos que se han realizado en España sobre este.

2021-12-27T00:00:00Z Kanellos Malamas, Xristos Kanellos http://hdl.handle.net/10366/148716 2025-06-05T12:36:20Z 2021-12-27T00:00:00Z

It does not seem to be very common to find a Turkish musical repertoire sung in Spanish, incorporated in the parties and meetings in the «Café Aman» of the Manhattan, Brooklyn and Bronx neighborhoods of NY during the first half of the 20th century. Songs that are part of the life of the taverns and narrate human stories thus accompanying the dances and meals. A repertoire that follows the musical forms of the Ottoman musical tradition and the Turkish modal system. The singing voices, immigrants from different places in Asia Minor, Greece, Armenia, Syria, bring with them a musical legacy, a repertoire that they have learned from birth, as part of their culture and they transfer it to the neighborhoods of NY creating with that way the same cultural environment that they lived in the taverns of Istanbul and Izmir for the same need for expression, communication and relief. One of the most brilliant voices that have been immortalized, thanks to the Metropolitan and Kaliphon recordings, is that of Victoria Hazan, of Sephardic origin, exiled from Smyrna, who has left a legacy of twenty-six songs, including ten in Ladino. In the present work we approach this repertoire to propose an analysis that allows us to understand these songs through the makam musical system, as well as classify it into modes, understand the forms that the singer uses in the recordings and finally be able to explore the possibility of reproduce it and use it as live cante in a concert repertoire using appropriate instruments.; o parece ser muy habitual encontrarse con un repertorio musical turco cantado en español, incorporado en las fiestas y reuniones en los «Café Aman» de los barrios de Manhattan, Brooklyn y Bronx de Nueva York (NY) la primera mitad de siglo XX. Canciones que forman parte de la vida de las tabernas y narran historias humanas acompañando así las danzas y las comidas. Un repertorio que sigue las formas musicales de la tradición musical otomana y el sistema modal turco. Las voces cantantes, inmigrantes de distintos lugares de Asia Menor, Grecia, Armenia, Siria, traen consigo un legado musical, un repertorio que han aprendido de nacimiento, como parte de su cultura y lo trasladan a los barrios de NY creando, de esa manera, el mismo ambiente cultural que vivían en las tabernas de Estambul y Esmirna por la misma necesidad de expresión, comunicación y desahogo./nUna de las voces más brillantes que han quedado inmortalizadas, gracias a las grabaciones de Metropolitan y Kaliphon, es la de Victoria Hazan, de origen sefardí, exiliada de Esmirna, que ha dejado un legado de veintiséis canciones, entre ellas diez en ladino. En el presente trabajo nos acercamos a este repertorio para proponer un análisis que nos permite entender esas canciones a través del sistema musical del makam, así como clasificarlo en modos, entender las formas que la cantante usa en las grabaciones y finalmente poder explorar la posibilidad de reproducirlo y usarlo como cante vivo en un repertorio de concierto usando instrumentos apropiados.

2021-12-27T00:00:00Z Porras Becerra, Jamshid Miguel http://hdl.handle.net/10366/148717 2025-06-05T12:36:20Z 2021-12-27T00:00:00Z

[EN]Since the 1970s, a movement of Venezuelan music instrumental ensembles has been generated in Venezuela, attached to tradition, but which go one step further in compositions, arrangements and techniques, being difficult to frame them in a specific form of music. From the ideas of popular music and traditional music, we approach to define a concept that helps us understand the aesthetic proposal of these groups.; [ES]Desde los años setenta en Venezuela se ha generado un movimiento de ensambles instrumentales de música venezolana, apegados a la tradición, pero que dan un paso más en composiciones, arreglos y técnicas, siendo difícil poder enmarcarlos en una forma de música específica. A partir de las ideas de música popular y música tradicional, nos acercamos a definir un concepto que nos ayude a entender la propuesta estética de dichas agrupaciones.

2021-12-27T00:00:00Z Pérez Borrajo, Sara Pérez Borrajo, Aarón http://hdl.handle.net/10366/148715 2025-06-05T12:36:20Z 2021-12-27T00:00:00Z

The main objective of this research is to study the impact of the COVID-19 pandemic on higher music education. In this way, it analyses the teaching-learning processes and, specifically, the online education modality adopted in this field during this period. It also explores the implementation of new pedagogical perspectives motivated by this socio-sanitary context, with a specific interest in the approach to joint instrumental practices. The emergency and crisis situation caused by the coronavirus requires educational and social action that, in this case, is capable of assuming and responding to the obligation to generate an educational process that has an impact on quality joint instrumental practice in higher education music centres. To this end, we develop and propose a new methodological model which, while respecting the limitations raised by this context, takes into account the needs, concerns and individual characteristics of students taking this type of subject.; Esta investigación tiene como objetivo principal estudiar el impacto de la pandemia ocasionada por el COVID-19 en la educación musical superior. De esta forma, se analizan los procesos de enseñanza-aprendizaje y, concretamente, la modalidad de educación online adoptada en este ámbito durante este período. Asimismo, se profundiza en la implantación de nuevas perspectivas pedagógicas motivadas por este contexto sociosanitario, con un interés específico a la hora de abordar las prácticas instrumentales conjuntas. La situación de emergencia y de crisis ocasionada por el coronavirus necesita de una acción educativa y social que, en este caso, sea capaz de asumir y de responder ante la obligación de generar un proceso educativo que incida en una práctica instrumental conjunta de calidad en los centros musicales de enseñanza superior. Para ello, desarrollamos y proponemos un nuevo modelo metodológico que, respetando las limitaciones suscitadas por este contexto, tiene presentes las necesidades, inquietudes y características individuales del alumnado que cursa este tipo de asignaturas.

2021-12-27T00:00:00Z Pmrt, Secretaría de Redacción http://hdl.handle.net/10366/148714 2025-06-05T12:36:20Z 2021-12-27T00:00:00Z 2021-12-27T00:00:00Z Pmrt, Secretaría de Redacción http://hdl.handle.net/10366/148713 2025-06-05T12:36:20Z 2021-12-27T00:00:00Z 2021-12-27T00:00:00Z Hernández Polo, Beatriz http://hdl.handle.net/10366/147785 2025-06-05T12:36:20Z 2021-12-10T00:00:00Z

In the late 1930s, in the context of the Great Depression,Disney Studios began work on its first block of animated feature films. One of the motivators that would lead to the change in format would be the limitations offered by short films for plot development. Consequently, based on the experience in the Silly Symphonies series, short films produced between 1928 and 1939 in which music was the backbone of the plot, the studio team would carry out the first five feature films in the history of animation. In them it becomes clear that the series of symphonies would function as an experimental laboratory, not only in the animation plane, but also in the musical field, in such a way that, to a greater or lesser extent, in all the tapes we can locate arisen elements and sketched in several of these short films both prior to and contemporaneous with the production process. Throughout the article we will focus on making these influences visible and analyzing in order to highlight this transfer of material that would take place, specifically, around the musical section between the Silly Symphonies and this first group of feature films of the Disney company.; A finales de los años treinta, en el contexto de la Gran Depresión, los Estudios Disney comenzarían a trabajar en su primer bloque de largometrajes de animación. Uno de los motivantes que propiciaría el cambio de formato sería superar las limitaciones que ofrecían los cortometrajes para el desarrollo argumental. En consecuencia, partiendo de la experiencia en la serie de Silly Symphonies, cortometrajes producidos entre 1928 y 1939 en los que la música constituía el eje vertebral del argumento, el equipo de los estudios llevaría a cabo las cinco primeras películas de larga duración de la historia de la animación. En ellas se hace patente que la serie de sinfonías funcionaría como laboratorio experimental, no solo en el plano de la animación, sino también en el campo musical, de tal forma que, en mayor o menor medida, en todas las cintas podemos localizar elementos surgidos y esbozados en varios de estos cortometrajes, tanto previos como coetáneos al proceso de producción. A lo largo del artículo nos centraremos en visibilizar y analizar estas influencias con el fin de poner de manifiesto esta transferencia de material que se llevaría a cabo, en concreto, en torno al apartado musical entre las Silly Symphonies y en este primer grupo de largometrajes de la compañía Disney.

2021-12-10T00:00:00Z Mateos Mateos, María Jesús Sánchez-Reseco Mateos-Aparicio, Raúl http://hdl.handle.net/10366/147784 2025-06-05T12:36:20Z 2021-12-10T00:00:00Z

In the New York Public Library for the Performing Arts, inside the Music Division, we can find the base named Guide to the Neighborhood Playhouse Scores, 1919-1931 and undated [signatura 04-4019]. In it, there are some manuscripts made by the German musician Kurt Schindler, which contain a transcription of the famous hymn to Santiago, named «Dum Pater Familias», belonging to the Codex Calixtinus. In the presence of these materials, this article pursues three clear objectives. First of all, presenting these unpublished sources which complement the studies about the relation of Schindler with Spain. Secondly, speculating about the purpose of these and their relation with the Neighborhood Playhouse of the Lewisohn sisters. Thirdly, comparing the hymn of Schindler with other available transcriptions of the time, in search of the possible model used by the German musician.; En la New York Public Library for the Performing Arts, dentro de la Music Division, encontramos el fondo denominado Guide to the Neighborhood Playhuse Scores, 1919-1931 and undated [signatura 04-4019]. En él, se conservan unos papeles manuscritos por el músico alemán Kurt Schindler que contienen una transcripción del famoso himno al apóstol Santiago «Dum Pater Familias», perteneciente al Codex Calixtinus. Ante estos materiales, este artículo persigue tres objetivos claros. Primero, presentar estas fuentes inéditas que complementan los estudios sobre la relación de Schindler con España. Segundo, especular sobre el propósito de las mismas y su relación con la Neighborhood Playhouse de las hermanas Lewisohn. Tercero, comparar el himno de Schindler con otras transcripciones disponibles en la época, en busca del posible modelo utilizado por el músico alemán.

2021-12-10T00:00:00Z Barros Fernández, Francisco http://hdl.handle.net/10366/147781 2025-06-05T12:36:20Z 2021-12-10T00:00:00Z

'Rock Bravú' constituted the tangible crystallization of a whole sociological phenomenon occurring in Galiza in the late 90s as a musical genre. Defined as "the result of a clash between modernity and tradition" by Xurxo Souto, one of its most important representatives; it was a result of the introduction of punk D.I.Y. culture as well as the electric guitar to villages. Given its nature, this genre quickly fulfilled a new social niche, elevating its modern sound with great emphasis in musical fusion while at the same time highlighting the symbolism and idiosyncrasy of Galician culture. This work will analyze how the origins of this social phenomenon, its criteria in terms of aesthetic and identity, and its influence over latter generations of Galicians; all of this while focusing on the figure of Os Diplomáticos de Monte Alto. We base our work on virtual field research by contacting and interviewing a number of the funding figures of this movement, such as the already mentioned Os Diplomáticos de Monte Alto's Xurxo Souto, Os Papaqueixos' Antón Díaz or regueifeiro Pinto d'Herbón. A study on the reception of this phenomenon has also been conducted on its contemporaries to it as well as on its successors.; El 'Rock Bravú' constituyó la cristalización tangible en un género musical de todo un fenómeno sociológico dado en Galiza a finales de los '90. Definido como "el resultado del choque de lo moderno con lo tradicional" por Xurxo Souto, uno de sus más importantes representantes, fue el resultado de la introducción de la cultura punk D.I.Y y la guitarra eléctrica en las aldeas. Debido a su naturaleza, este género rápidamente asumió un nicho social novedoso, exaltando un sonido moderno con gran énfasis en la fusión musical a la vez que haciendo hincapié en el simbolismo e idiosincrasia de la cultura gallega. En este trabajo se analiza cómo se generó este fenómeno social, cuáles eran sus criterios estéticos e identitarios y qué influencia ha dejado en las generaciones gallegas posteriores; todo ello centrándonos en la figura de Os Diplomáticos de Monte Alto. Para esto nos basamos en el trabajo de campo digital, contactando y entrevistando a numerosas figuras fundacionales de este movimiento, tales como el ya mencionado Xurxo Souto de Os Diplomáticos de Monte Alto, Antón Díaz de Os Papaqueixos, o el regueifeiro Pinto d'Herbón. También se ha llevado a cabo un estudio de la recepción de este fenómeno tanto en personas contemporáneas a este como actuales.

2021-12-10T00:00:00Z Payo León, Enrique http://hdl.handle.net/10366/147783 2025-06-05T12:36:20Z 2021-12-10T00:00:00Z

The "advantages of digital tools" and the "technological possibilities" that can be applied to modern ethnomusicology seem to have remained ethereal clichés that are rarely put into practice. But when it is done, many times it remains partial. The fact of digitizing sound records and making them available to the scientific community opens the door to major historical recovery projects, but it is eclipsing the critical capacity to question the viability of these materials. The bibliography on digitization, preservation, management and cataloging of sound records is extensive, starting with the manual of recommendations of the Music and Dance Documentation Center (2017)1, but scarce in the next step. And it is that for these recordings to serve ethnomusicology in its transcriptions and songbook elaboration, among other tasks, they need an acoustic repair process that improves their intelligibility. Only in this way will a true full knowledge transfer be achieved./nWe refer, on this occasion, to a problem in the recovery of sound records recorded on analogue media: noise. Not only does it make transcription difficult, but it causes auditory fatigue in the researcher, slowing down the entire process. This article details the most common types of this phenomenon and presents a professional audio repair software: iZotope RX. Specifically, it is applied in a practical way in the field recordings of the German musicologist Kurt Schindler in Spain from 1920. They are references for the studies of Spanish ethnomusicology, as they were the first documentary sources of field work before the civil war, as pointed out by Olarte (2010)2. As proof, the result is taken to the treatment of some pieces whose transcription is collected in Schindler's posthumous songbook, Popular Music and Poetry of Spain and Portugal (1941)3, and their usefulness is questioned through a SWOT matrix.; /n; /n1. Committee of experts on digitization of sound files (2017): Archivos sonoros. Recomendaciones para su digitalización. Madrid: Centro de Documentación de Música y Danza, INAEM. ISBN: 978-84-9041-272-5. https://www.musicadanza.es/ficheros/documentos/archivos-sonoros.pdf [01/04/2021]; /n2. Olarte Martínez, Matilde (2010): "Las anotaciones de campo de Kurt Schindler durante sus grabaciones en España", Etnofolk. Revista de Etnomusicología, No. 16-17, pp. 35-74. ISSN 1698-4064.; /n3. Schindler, Kurt (1941): Folk music and poetry of Spain and Portugal [obra póstuma]. Nueva York: Hispanic Institute in the United States.; Las "ventajas de las herramientas digitales" y las "posibilidades tecnológicas" que pueden aplicarse a la etnomusicología moderna parecen haberse quedado en clichés etéreos que en pocas ocasiones se llevan a la práctica. Pero cuando se hace, muchas veces queda en algo parcial. El hecho de digitalizar los registros sonoros y ponerlos a disposición de la comunidad científica abre boca a grandes proyectos de recuperación histórica, pero está eclipsando la capacidad crítica para cuestionar la viabilidad de estos materiales. Es amplia la bibliografía en materia de digitalización, preservación, gestión y catalogación de los registros sonoros, comenzando por el manual de recomendaciones del Centro de Documentación de Música y Danza (2017)1, pero exigua en el paso siguiente. Y es que para que estas grabaciones sirvan a la etnomusicología en sus transcripciones y elaboración de cancioneros, entre otras tareas, necesitan un proceso de reparación acústica que mejore su inteligibilidad. Solo así se logrará una verdadera transferencia de conocimiento plena./nNos referimos, en esta ocasión, a una problemática de la recuperación de registros sonoros grabados sobre soportes analógicos: el ruido. No solo dificulta la transcripción, sino que provoca fatiga auditiva en el investigador, ralentizando todo el proceso. Este artículo detalla las tipologías más comunes de este fenómeno y presenta un software profesional de reparación de audio: iZotope RX. En concreto, se aplica de forma práctica en las grabaciones de campo del musicólogo alemán Kurt Schindler en España a partir de 1920. Son referentes para los estudios de la etnomusicología española, por ser de las primeras fuentes documentales de los trabajos de campo antes de la guerra civil, como apunta Olarte (2010)2. Como prueba, se lleva el resultado al tratamiento de algunas piezas cuya transcripción se recoge en el cancionero póstumo de Schindler, Música y poesía popular de España y Portugal (1941)3, y se cuestiona su utilidad a través de una matriz DAFO.; /n; /n1. Comité de expertos en digitalización de archivos sonoros (2017): Archivos sonoros. Recomendaciones para su digitalización. Madrid: Centro de Documentación de Música y Danza, INAEM. ISBN: 978-84-9041-272-5. https://www.musicadanza.es/ficheros/documentos/archivos-sonoros.pdf [01/04/2021]; /n2. Olarte Martínez, Matilde (2010): "Las anotaciones de campo de Kurt Schindler durante sus grabaciones en España", Etnofolk. Revista de Etnomusicología, No. 16-17, pp. 35-74. ISSN 1698-4064.; /n3. Schindler, Kurt (1941): Folk music and poetry of Spain and Portugal [obra póstuma]. Nueva York: Hispanic Institute in the United States.

2021-12-10T00:00:00Z Martín Pérez, Yolanda http://hdl.handle.net/10366/147782 2025-06-05T12:36:20Z 2021-12-10T00:00:00Z

The film Akelarre, produced in 2020 and directed by Pablo Agüero, has won five awards at the Goya 2021, one of them the Goya for best original music, among other important awards. This drama, set during the Inquisition's witch-hunt in the Basque Country in the 17th century, features original music composed by Maite Arroitajauregui and Aránzazu Calleja. In this work a study of the interesting process of musical composition is carried out jointly by these two composers and an analysis of the Musical Soundtrack of the film, to focus, finally, on the influence of Basque culture and traditional music./nThe BSO of Akelarre includes music, mainly diegetic and performed by the protagonists, inspired by traditional Basque songs of the time, and includes the use of popular instruments of that context. Practically all the music in the film, both incidental and popular songs, are based on a main theme that is composed from a traditional song taken from a Basque songbook. In this research a musical and cultural analysis of all these elements is made, with a methodology based not only on a detailed study of the film and its BSO, but also in an interview with Maite Arroitajauregui, the composer who dedicated herself to creating the musical works of the film focused on Basque folklore.; La película Akelarre, producida en 2020 y dirigida por Pablo Agüero, ha ganado cinco premios en los Goya 2021, uno de ellos el Goya a la mejor música original, entre otros importantes premios. Este drama, ambientado en la caza de brujas por parte de la Inquisición en el País Vasco del siglo XVII, presenta una música original compuesta por Maite Arroitajauregui y Aránzazu Calleja. En este trabajo se realiza un estudio del interesante proceso de composición musical de forma conjunta por estas dos compositoras y un análisis de la banda sonora musical de la película, para centrarse, finalmente, en la influencia de la cultura y la música tradicional vascas, aspectos sobre los que no existe ningún trabajo publicado hasta el momento./nLa BSO de Akelarre comprende música, principalmente diegética e interpretada por las protagonistas, inspirada en canciones tradicionales vascas de la época, e incluye el uso de instrumentos populares de dicho contexto. Prácticamente toda la música de la película, tanto incidental como las canciones populares, está basada en un tema principal que está compuesto a partir de una canción tradicional extraída de un cancionero vasco. En esta investigación se realiza un análisis musical y cultural de todos estos elementos, con una metodología basada no solo en un estudio pormenorizado de la película y de su BSO, sino también en una entrevista con Maite Arroitajauregui, la compositora que se dedicó a crear las obras musicales de la película centradas en el folklore vasco.

2021-12-10T00:00:00Z Pmrt, Secretaría de Redacción http://hdl.handle.net/10366/147780 2025-06-05T12:36:20Z 2021-12-10T00:00:00Z 2021-12-10T00:00:00Z Pmrt, Secretaría de Redacción http://hdl.handle.net/10366/147779 2025-06-05T12:36:20Z 2021-12-10T00:00:00Z 2021-12-10T00:00:00Z