http://hdl.handle.net/10366/4254 2026-04-22T23:04:46Z http://hdl.handle.net/10366/163942 [ES]En esta tesis doctoral se aborda el papel de la Sección Femenina de Falange Española Tradicionalista y de las JONS como instrumento destinado al control y al encuadramiento de la mujer española durante el primer franquismo (1939-1945). Profundizando en el complejo y poliédrico entramado musical que esta organización articuló alrededor de las agrupaciones de Coros y Danzas, el objetivo de este trabajo consiste en analizar la configuración y transmisión de modelos de género a partir de su dimensión músicopopular. Metodológicamente asentada sobre fuentes documentales, bibliográficas, hemerográficas, legislativas y audiovisuales, en esta investigación se ha diseñado de manera específica un modelo analítico de carácter tridimensional, el cual ha sido aplicado sobre cuatro estudios de caso. La primera de sus categorías examina los procesos llevados a cabo para la estipulación y difusión de modelos identitarios a partir de la constitución de un repertorio específico. Estandarizado mediante iniciativas como la edición de cancioneros, se consolida a través de su utilización en las dinámicas de instrucción musical perfiladas por esta institución. Concretamente, la Falange femenina restringe las posibilidades musicales de la mujer española a campos como la música litúrgica, los himnos políticos y las canciones populares. Por su parte, la segunda categoría tiene que ver con el control ejercido sobre el ámbito performativo, transformando lo supuestamente tradicional en un espectáculo, fiscalizando la exhibición pública de su cuerpo en movimiento y circunscribiendo su agencia musical a un perfil eminentemente vocal y coreográfico. Por último, la tercera categoría se corresponde con la concreción de los ámbitos contextuales y programáticos en los que la performance de un corpus musical definido pudo tener lugar y ser institucionalmente tolerada: eventos litúrgicos, eventos políticos y festividades populares. Finalmente, este modelo tridimensional también ha sido utilizado para realizar un ejercicio comparativo entre las políticas músico-populares promovidas por el franquismo y por el Estado Novo durante un período tan convulso y particular como el ámbito temporal al que se circunscribe esta investigación. Constatando la existencia de paralelismos sistémicos y estructurales entre ambos regímenes, de objetivos musicales y extramusicales análogos, de plataformas y órganos con funciones y responsabilidades semejantes, la profundización en esta cuestión ha sido igualmente planteada desde una perspectiva de género.; [EN]This PhD dissertation addresses the role of the Sección Femenina de Falange Española Tradicionalista y de las JONS as an instrument designed for the control and organization of Spanish women during the primer franquismo (1939-1945). Delving into the complex and multifaceted musical structure that this organisation articulated around the groups of Choirs and Dances, the aim of this work is to analyse the configuration and transmission of gender models from its musical-popular dimension. Methodologically based on documentary, bibliographic, hemerographic, legislative and audiovisual sources, a threedimensional analytical model has been specifically developed in this research, which has been applied to four case studies. The first of its categories examines the processes carried out for the stipulation and dissemination of identity models based on the constitution of a specific repertoire. Standardised through initiatives such as the publication of songbooks, it is consolidated through its use in the dynamics of musical instruction outlined by this institution. Specifically, the Falange femenina restricts the musical possibilities of Spanish women to fields such as liturgical music, political hymns and popular songs. The second category is related to the control exercised over the performative sphere, transforming the supposedly traditional into a spectacle, controlling the public exhibition of her body in movement and circumscribing her musical agency to an eminently vocal and choreographic profile. Finally, the third category corresponds to the concretisation of the contextual and programmatic ambits in which the performance of a defined musical corpus could take place and be institutionally tolerated: liturgical events, political events and popular festivities. Finally, this three-dimensional model has also been used to carry out a comparative exercise between the musical-popular policies promoted by the Francoism and the Estado Novo during a period as convulsive and particular as the time frame to which this research is circumscribed. Noting the existence of systemic and structural parallels between the two regimes, of similar musical and extra-musical objectives, of platforms and bodies with similar functions and esponsibilities, the study of this question has also been approached from a gender perspective 2025-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/161213 [SPA]La presente tesis doctoral propone el estudio del repertorio de música española interpretado por la Schola Cantorum de Nueva York en el teatro Carnegie Hall entre 1918 y 1926 a partir de tres directrices fundamentales: las condicionantes que propiciaron su llegada a la costa este de los Estados Unidos, la identificación de las vías de acceso al mismo y su tipología. Desde esta perspectiva se ha indagado en las condicionantes que confluyeron desde finales del siglo XIX hasta los años treinta del XX catapultando el interés, en sectores de élite de ciudades como Nueva York, por la cultura y el arte hispano, fundamentalmente el español, fenómeno conocido como Spanish Craze. Su impacto fue significativo en la programación del teatro Carnegie Hall, uno de los epicentros culturales de la jet set de Manhattan. Si bien existía un contexto favorable, el análisis de acontecimientos puntuales que determinaron el rumbo de los primeros diecisiete años de historia de la Schola Cantorum de Nueva York, ha demostrado que la llegada de música española a los recitales de la sociedad coral en el mencionado teatro fue una consecuencia lógica del camino transitado previamente por la agrupación y que su director musical, Kurt Schindler, fue el principal artífice de dicho proceso. De esto se desprende que la principal vía de acceso al repertorio en cuestión fuesen los vínculos profesionales y personales que desarrolló el músico alemán con compositores españoles vinculados con el movimiento coral que desde la segunda mitad del siglo XIX comenzó a gestarse en zonas del norte y este de España, fundamentalmente del entorno del Orfeó Català y en menor medida de la Sociedad Coral de Bilbao y el Orfeón Donostiarra. Esto justifica que el sesenta y nueve por ciento de las obras españolas interpretadas por el coro de manera casi ininterrumpida a lo largo de ocho años fueran armonizaciones de canciones populares españolas, fundamentalmente catalanas y vascas; repertorio que en parte fue publicado en colecciones de la editorial Oliver Ditson Company. 2024-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/159584 [ES]Partiendo de los procesos de resignificación de la cultura popular y el folklore en España presento un estudio de la representación de modelos de género desde las reinterpretaciones de música tradicional desde los años 60 hasta la actualidad. Dado el contexto en el que se desarrolla esta resignificación, los modelos de mujer planteados responden al objetivo de construir y deconstruir modelos de género que en su origen suponen una forma de oposición a las políticas culturales franquistas y posteriormente toman el objetivo de contribuir a la agenda feminista. Este movimiento se podría considerar como revival folk ya que se fundamenta en el uso y puesta en valor de la música y la tradición con un objetivo social. Por tanto, el objetivo de esta investigación es analizar la construcción simbólica del revival folk y su contexto social, considerando tanto elementos musicales, sociales y los vínculos entre estas propuestas. Esta investigación tiene en cuenta la perspectiva de diferentes artistas enmarcadas dentro de este movimiento y cuya actividad artística se ha desarrollado en las diferentes etapas a examinar. Así, los proyectos artísticos desarrollan contenidos que buscan formular nuevos modelos de género y provocar una reflexión critica sobre los modelos vigentes de forma que esta actividad creativa tiene un impacto en la sociedad y al mismo tiempo refleja los cambios sociales de la época. En definitiva, esta tesis contribuye a la disciplina de la etnomusicología en tres aspectos: (1) el análisis desarrollo a lo largo de diferentes épocas de los conceptos cultura popular y folklore en España;(2) el estudio de las diferentes reproducciones de modelos de género en la música popular española;(3) la comprensión de los significados y universo conceptual tras las propuestas musicales del revival folk con perspectiva de género. 2023-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/158836 [ES] En la educación musical de los niños, la música culta occidental ha sido ampliamente analizada. Sin embargo, la mayor parte del repertorio de diferentes canciones tradicionales son casi desconocidas por esta audiencia a pesar del impacto que tienen en nuestra cultura. La globalización, la migración desde pueblos a las grandes ciudades y la pérdida del contexto en el que esta música ha sido concebida son factores que han dificultado aún más su transmisión. La presente investigación pretende dar solución a esta problemática pues se plantea con el fin de contribuir al paradigma actual en el campo de la Educación Obligatoria en España con relación a la implementación de la música tradicional como recurso didáctico para profundizar en los aspectos musicales y de la cultura vernácula y constatar cómo las nuevas tecnologías favorecen y allanan la labor docente en las aulas de música. En este sentido, pese a que la relación de la didáctica de la música y las tecnologías digitales ha sido muy fructífera y estrecha en las últimas décadas con la presencia de las TIC generalizada en cualquier contexto y entorno educativo, la aplicación de los desarrollos propios de las Humanidades Digitales ofrece un avance significativo y un horizonte de nuevas perspectivas en el ámbito de la Educación Musical con el objetivo claro e irrenunciable de hacer de esta una práctica más creativa que fomente la compresión profunda de esta expresión artística inmaterial e tan idiosincrática. Por lo tanto, a través de la conceptualización de una base de datos como recurso para profesores, esta investigación pretende examinar cómo la música popular de tradición oral contribuye a la consecución de las competencias y objetivos curriculares en las aulas de la enseñanza secundaria obligatoria y a garantizar la conservación del repertorio seleccionado como una práctica viva. [EN] In children's music education, Western classical music has been widely analyzed. However, most of the repertoire of different traditional songs are almost unknown to this audience despite the impact they have on our culture. Globalization, migration from villages to big cities and the loss of the context in which this music has been conceived are factors that have made its transmission even more difficult. This research aims to provide a solution to this problem, as it is proposed with the aim of contributing to the current paradigm in the field of compulsory education in Spain in relation to the implementation of traditional music as a didactic resource to deepen musical aspects and vernacular culture, and to confirm how new technologies favor and facilitate the teaching work in music classrooms. In this sense, although the relationship between music teaching and digital technologies has been very fruitful and close in recent decades with the widespread presence of ICT in any educational context and environment, the application of developments in the Digital Humanities offers a significant advance and a horizon of new perspectives in the field of Music Education with the clear and undeniable aim of making this a more creative practice that fosters the deep understanding of this immaterial and idiosyncratic artistic expression. Therefore, through the conceptualization of a database as a resource for teachers, this research aims to examine how popular music of oral tradition contributes to the achievement of curricular competences and objectives in compulsory secondary education classrooms and to ensure the preservation of the selected repertoire as a living practice. 2024-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/158290 [EN] This thesis explores the representation of gender models in traditional music reinterpretations from the 60’s up to the present, grounding in the shifting meanings of popular culture and folk. Women’s gender roles depicted in these musical practices respond to the aim of constructing and deconstructing gender roles due to the context where this re-signifying process takes place. In other words, my study case emerges as a cultural opposition to Francoist cultural policies, and subsequently, it contributes to the feminist agenda. Therefore, according to the existent literature, this movement could be labelled as revival folk, as it is based on the use and promotion of music and tradition as a social force. Specifically, the main purpose of this research is to analyse the symbolic constructions of the folk revival and its social context, taking into account musical and social aspects, and the ties between artistic practices. For this purpose, the research relies on the perspectives given by diverse artists belonging to this movement and whose artistic activities took place on the different periods examined. Thus, these artistic projects intend to raise alternative gender models and encourage critical reflections on current gender perspectives in such a way this creative activity transforms society while it reflects social changes of the time. Certainly, this doctoral thesis contributes to ethnomusicology in three main aspects: (1) analysing the development of the concepts of popular culture and folk in Spain through different historical periods; (2) examining different ways of constructing female gender roles in Spanish popular music; (3); advance towards the understanding of concealed meanings in the music projects framed in gendered revival folk. [ES] Partiendo de los procesos de resignificación de la cultura popular y el folklore en España presento un estudio de la representación de modelos de género desde las reinterpretaciones de música tradicional desde los años 60 hasta la actualidad. Dado el contexto en el que se desarrolla esta resignificación, los modelos de mujer planteados responden al objetivo de construir y deconstruir modelos de género que en su origen suponen una forma de oposición a las políticas culturales franquistas y posteriormente toman el objetivo de contribuir a la agenda feminista. Este movimiento se podría considerar como revival folk ya que se fundamenta en el uso y puesta en valor de la música y la tradición con un objetivo social. Por tanto, el objetivo de esta investigación es analizar la construcción simbólica del revival folk y su contexto social, considerando tanto elementos musicales, sociales y los vínculos entre estas propuestas. Esta investigación tiene en cuenta la perspectiva de diferentes artistas enmarcadas dentro de este movimiento y cuya actividad artística se ha desarrollado en las diferentes etapas a examinar. Así, los proyectos artísticos desarrollan contenidos que buscan formular nuevos modelos de género y provocar una reflexión critica sobre los modelos vigentes de forma que esta actividad creativa tiene un impacto en la sociedad y al mismo tiempo refleja los cambios sociales de la época. En definitiva, esta tesis contribuye a la disciplina de la etnomusicología en tres aspectos: (1) el análisis desarrollo a lo largo de diferentes épocas de los conceptos cultura popular y folklore en España;(2) el estudio de las diferentes reproducciones de modelos de género en la música popular española;(3) la comprensión de los significados y universo conceptual tras las propuestas musicales del revival folk con perspectiva de género. 2023-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/158246 [ES] El principal objetivo de esta tesis doctoral es conocer, cómo, cuándo y por qué la Sección Femenina de Falange Española Tradicionalista y las Juntas de Ofensiva Nacional Sindicalista se propuso, en plena guerra civil española (1936-1939), incluir dentro del plan educativo de la mujer los Coros y Danzas. Dadas las pocas fuentes directas disponibles, la metodología utilizada ha consistido principalmente en una búsqueda exhaustiva y sistemática de artículos digitalizados en hemerotecas de periódicos locales, en su día coordinados por la Delegación de Prensa y Propaganda de Falange. Ante la necesidad de educar a las organizaciones juveniles dentro del Nacional Sindicalismo, las camaradas de la Sección Femenina, Cándida Cadenas y Carmen Werner, descubrieron en un primer viaje de estudios a Alemania cómo el uso del folklore, las fiestas tradicionales, los cantos y bailes regionales eran unas herramientas pedagógicas excelentes para atraer y adoctrinar a la “masa” femenina. El interés de esta investigación radica en valorar una historia cuyo origen aún no ha sido examinado, poniendo en evidencia el protagonismo que tuvieron las mujeres de la Sección Femenina, y aportando nuevos datos a este universo poco estudiado de las mujeres españolas en la guerra civil y posguerra. 2023-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/157992 [ES] El teatro con música de la primera mitad del siglo XVIII otorgó a las actrices-cantantes un lugar privilegiado en el contexto artístico-social de la época. Las novedades estilísticas demandadas por los géneros teatrales dieciochescos exigirían en las intérpretes un mayor grado de especialización vocal e interpretativa, que situaría a la mujer actriz en una posición privilegiada dentro del sistema de organización de las compañías teatrales. A comienzos de la centuria, este versátil colectivo ya había adoptado alguna de las innovaciones vocales procedentes de centros como Venecia, Florencia o Roma, sin por ello tener que renunciar a los elementos característicos de la tradición vocal hispánica. En las décadas sucesivas, este conjunto de intérpretes fue el encargado de actuar tanto en los teatros públicos madrileños, como en buena parte de las fiestas cortesanas cantadas, luciendo en ambos contextos sus habilidades para el canto, la declamación, así como, en algunos casos, para el baile. No resulta de extrañar, por lo tanto, que ya a finales de la década de 1730, una destacada generación de actrices-cantantes formara, para representar en el Teatro de la Cruz, la primera compañía de ópera española de la historia. Este hecho sin precedentes que supuso que un grupo exclusivamente de mujeres se reuniese para ejecutar una temporada de ópera, nos sirve para ilustrar la importancia que este colectivo poseyó en el contexto cultural de la época. El presente trabajo de investigación se adentra en el fascinante oficio de las actrices-cantantes de la primera mitad del siglo XVIII en España, abordando tanto su contribución al teatro y a la música, así como su papel en la construcción de la identidad de la mujer como sujeto histórico activo. La motivación de esta tesis doctoral es la de entender, a través de un análisis detenido de sus trayectorias artístico-profesionales, el contexto en el que se desenvolvieron, el repertorio que interpretaron, así como las múltiples facetas que integraban este complejo oficio. Para ello, este trabajo se articula en dos partes principales. La primera de ellas, relativa al contexto profesional de estas cómicas, estudia aspectos como el papel de la mujer dentro de las compañías profesionales y dentro de los géneros de teatro con música. Más concretamente, se ahonda en los puestos que ocupó dentro de las agrupaciones, las tipologías de personajes que interpretó, para finalmente tratar de comprender cómo se producía el aprendizaje del oficio teatral y su formación musical. Es decir, yendo de lo general a lo específico, abordamos cómo era el contexto profesional que envolvía a las protagonistas de este trabajo y su activa participación dentro de él. La segunda parte se centra tanto en el análisis del repertorio musical conservado, como en el estudio de siete perfiles concretos: Teresa de Robles, Paula de Olmedo, Juana de Orozco, Rosa Rodríguez, las dos «hermanas» Castro, y Catalina Pacheco. Todos ellos, muy diferentes entre sí, nos permiten profundizar en aspectos muy concretos de esta profesión, trazando una línea de la evolución que experimentó este colectivo a lo largo de las décadas. A través del estudio de estas siete vidas y trayectorias profesionales comprenderemos qué significaba ser una actriz-cantante en el cambio de siglo y de dinastía, qué suponía ser una autora de comedias, una graciosa, una cantante especializada, una segunda dama, una sobresaliente, o una actriz que asumía papeles de mujer vestida de hombre. El análisis de la labor y profesión de este conjunto de actrices-cantantes de la primera mitad del siglo XVIII no solo arroja luz sobre la evolución del teatro y de la música del momento, sino que también destaca la importancia del papel de la mujer como sujeto histórico activo. A través de los capítulos en los que se distribuye esta investigación, exploraremos la trayectoria de unas intérpretes que no solo desafiaron las normas establecidas culturalmente para su género, sino que también dejaron una huella perdurable en la historia teatral y musical de su tiempo. [IT] Il teatro con musica della prima metà del XVIII secolo ha conferito alle attrici-cantanti un posto privilegiato nel contesto artistico e sociale dell'epoca. Le novità stilistiche richieste dai generi teatrali settecenteschi esigeranno alle interpreti un maggior grado di specializzazione vocale ed interpretativa, che porrà la donna attrice in una posizione privilegiata all'interno del sistema organizzativo delle compagnie teatrali. All'inizio del secolo, questo versatile gruppo aveva già adottato alcune delle innovazioni vocali provenienti da centri come Venezia, Firenze e Roma, senza dover rinunciare agli elementi caratteristici della tradizione vocale spagnola. Nei decenni successivi, questo gruppo di interpreti fu incaricato di esibirsi sia nei teatri pubblici di Madrid, che in molte delle feste di corte canoramente celebrate, mostrando in entrambi i contesti le proprie abilità nel canto, nella recitazione e, in alcuni casi, nella danza. Non sorprende, quindi, che già alla fine degli anni '30 del Settecento, una straordinaria generazione di attrici-cantanti di spicco si unisse per formare, al fine di rappresentare al Teatro de la Cruz, la prima compagnia d'opera spagnola della storia. Questo evento senza precedenti, che ha visto un gruppo esclusivamente composto da donne riunirsi per eseguire una stagione d'opera, serve a illustrare l'importanza che questo gruppo rivestiva nel contesto culturale dell'epoca. Questo lavoro di ricerca si addentra nella affascinante professione delle attrici-cantanti della prima metà del XVIII secolo in Spagna, affrontando sia il loro contributo al teatro e alla musica, sia il loro ruolo nella costruzione dell'identità della donna come soggetto storico attivo. La motivazione di questa tesi di dottorato è quella di comprendere, attraverso un'analisi dettagliata delle loro carriere artistiche e professionali, il contesto in cui si svilupparono, il repertorio che eseguirono e le molteplici sfaccettature che costituirono questa complessa professione. A tal fine, il presente lavoro è suddiviso in due parti principali. La prima, relativa al contesto professionale di queste attrici, studia aspetti come il ruolo della donna all'interno delle compagnie professionali e all'interno dei generi teatrali musicali. In modo più specifico, si approfondiscono nelle posizioni occupate all'interno delle compagnie, i tipi di personaggi interpretati, per infine cercare di comprendere come avveniva l'apprendimento del mestiere teatrale e la loro formazione musicale. In altre parole, passando dal generale allo specifico, si affronta il contesto professionale che circondava i protagonisti di questo lavoro e la loro partecipazione al suo interno. La seconda parte si concentra sia sull'analisi del repertorio musicale conservato, sia sullo studio di sette profili specifici: Teresa de Robles, Paula de Olmedo, Juana de Orozco, Rosa Rodríguez, le due "sorelle" Castro, e Catalina Pacheco. Tutte molto diverse tra loro, ci permettono di approfondire aspetti molto specifici di questa professione, tracciando una linea dell'evoluzione vissuta da questo gruppo nel corso dei decenni. Attraverso lo studio di queste sette vite e carriere professionali, comprenderemo cosa significasse essere un'attrice-cantante tra due secoli, cosa comportasse essere una autora de comedias, una graciosa, una cantante specializzata, una segunda dama, una sobresaliente, oppure un'attrice che assumeva ruoli di donna vestita da uomo. L'analisi del lavoro e della professione di questo gruppo di attrici-cantanti della prima metà del XVIII secolo non solo getta luce sull'evoluzione del teatro e della musica dell'epoca, ma evidenzia anche l'importanza del ruolo della donna come soggetto storico attivo. Attraverso i capitoli in cui è suddivisa questa ricerca, esploreremo il percorso di interpreti che non solo sfidarono le norme culturalmente stabilite per il loro genere, ma lasciarono anche un'impronta duratura nella storia del teatro e della musica del loro tempo. 2023-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/157696 [ES] El punto cubano es un género donde música y lírica se unen para improvisar cantando textos de temática diversa con la forma estrófica de la décima. Su práctica entre los campesinos cubanos se ha referenciado en el siglo XIX, si bien es posible que desde el siglo anterior esta música estuviera presente en las canturías y espacios íntimos de familias y comunidades. Durante el siglo XX el punto cubano ha visto transformado algunos aspectos de su práctica debido, fundamentalmente, al surgimiento y desarrollo de los medios de comunicación masiva, el auge de las grabaciones discográficas y los cambios sociales, económicos y culturales de la sociedad cubana. El estudio de las características del punto cubano en el período 1900-2015 se ha realizado a partir del análisis de un corpus de registros sonoros de producción comercial y otros resultantes de la práctica viva en el marco de las investigaciones de campo, todo lo cual brinda una valiosa información sobre cultores, estilos, formatos instrumentales y espacios de socialización. La labor de investigación realizada también hizo posible identificar también el impacto de los medios de comunicación y en especial de la radio, en los procesos de cambio, la instauración de modelos de interpretación y el rol femenino en la práctica del punto cubano. [EN] The punto cubano is a genre where music and lyrics come together to improvise by singing texts on diverse themes with the strophic form of the tenth. This practice among Cuban peasants has been referenced since the 19th Century, although it is possible that years before this music was present in the canturías and intimate spaces of families and communities. During the 20th century, the punto cubano has seen some aspects of its practice transformed due, fundamentally, to the emergence and development of mass media, the rise of record recordings and the social, economic, and cultural changes of Cuban society. The study of the characteristics of the punto cubano in the period 1900-2015 has been carried out based on the analysis of a corpus of commercially produced sound records and others resulting from living practice within the framework of field research, all of which provides valuable information about cultists, styles, instrumental formats, and socialization spaces. The research work carried out also made it possible to identify the impact of the media, and especially the radio, on the processes of change, the establishment of interpretation models and the female role in the practice of punto cubano. 2023-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/156169 [ES]En este estudio se investigan las principales características de la pedagogía de la llamada “Escuela Tárrega”. Pese a que algunos historiadores niegan su existencia, existen suficientes indicios que demuestran una coherencia metodológica. El trabajo analiza más de mil páginas autógrafas de Francisco Tárrega, así como correspondencia personal entre amigos y discípulos. También examina y compara registros sonoros históricos en sus diferentes soportes (fonógrafo, gramófono y cinta magnetofónica). Las evidencias se han tornado hechos y no sólo se demuestra que sí que existió y existe dicha “escuela” o metodología, sino que también nos revela la estética interpretativa de la misma. Los recursos expresivos utilizados por Francisco Tárrega se revelan a partir de este material. Estética heredada por guitarristas tan ilustres como Miguel Llobet, Emilio Pujol, Daniel Fortea o Josefina Robledo. [EN]This study investigates the main characteristics of the so-called "Tárrega School". Although some historians deny its existence, there are enough indications that demonstrate a methodological coherence. The work analyzes more than a thousand autograph pages of Francisco Tárrega, as well as personal correspondence between friends and disciples. Also examines and compares historical recordings in its different media (phonograph, gramophone and tape). The evidence has become facts and not only shows that it did exist and there is such a "school" or methodology, but also reveals the interpretative aesthetics of it. The expressive resources used by Francisco Tárrega are revealed from this material. Aesthetics inherited by guitarists as illustrious as Miguel Llobet, Emilio Pujol, Daniel Fortea or Josefina Robledo. 2023-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/149934 [ES]En esta tesis doctoral se estudian las diferentes teorías que han aparecido a lo largo de la historia para describir, explicar y dominar el fenómeno de consonancia musical. El fenómeno de la consonancia musical siempre ha intrigado a teóricos de todas las épocas. Detrás de la palabra consonancia (symphonía en griego, consonantia en latín) está presente la idea intuitiva de “sonar conjuntamente”, “sonar bien” o “mezclarse agradablemente” dos sonidos que son percibidos simultáneamente. Describir y explicar este fenómeno, desde un punto de vista más o menos físico, matemático o metafísico, es algo que siempre ha estado presente en la historia del pensamiento humano. Por otro lado, este fenómeno ha condicionado enormemente los diferentes sistemas musicales que han sido utilizados a lo largo de la historia de occidente. El punto de partida de esta tesis son los primeros escritos que se conservan sobre el tema, más o menos atribuibles a la escuela pitagórica, y el de llegada son los escritos de la primera mitad del siglo XVII en los que se desarrolla la primera teoría científica en torno al fenómeno de consonancia. Para poder valorar todas estas teorías, este trabajo parte de la concepción actual del fenómeno de consonancia y en concreto de las teorías sobre consonancia sensorial y consonancia musical de Terhardt (quien a su vez se basa en Helmholtz) y Kameoka/Kuriyagawa. A grandes rasgos podemos decir que las teorías en torno a la consonancia que han ido apareciendo durante la época en que hemos centrado el trabajo corresponden a dos tipos fundamentales: 1. Unas son teorías musicales, que desarrollan, por ejemplo, clasificaciones de intervalos por su grado de consonancia y disonancia para después poder determinar leyes prácticas para la composición musical. 2. Las otras son teorías explicativas, que intentan describir, dar una razón o explicar el fenómeno de consonancia, más o menos al margen de sus implicaciones o su uso musicales. Dentro de las teorías explicativas nos encontramos con algunas que podemos denominar teorías físicas o científicas, ya que proponen modelos físicos sobre el comportamiento del sonido y la consonancia. Pero también hay otras que intentan dar una razón última al fenómeno de la consonancia, convirtiéndose así en teorías metafísicas. Por otro lado hemos encontrado teorías que, aunque en principio parecen ser explicativas, al mismo tiempo son usadas de manera práctica en la construcción de sistemas musicales concretos, por lo que se encuentran a medio camino entre los dos tipos que hemos propuesto anteriormente, las musicales y las explicativas. Éstas últimas son teorías aritméticas. Teorías aritméticas son algunas de las más antiguas que podemos encontrar, como los requisitos matemáticos establecidos por Arquitas o Euclides para las proporciones consonantes y los sistemas harmónicos desarrollados a partir de ellos como los de Filolao, Platón, Nicómaco o Ptolomeo. Estos requisitos se resumen en: • Utilización de proporciones múltiples y epimóricas. • Uso de los números del 1 al 4 para estas proporciones. • Utilización de las medias matemáticas aritmética, geométrica y harmónica para conseguir estas proporciones. Estas teorías aritméticas darán lugar, con ligeras modificaciones, a las que acompañarán en el siglo XVI al desarrollo de la justa entonación en los escritos de Zarlino y Salinas. Entre las teorías más antiguas también encontramos las de tipo metafísico, como la idea pitagórica de la tetraktys de la década o la idea de la harmonía de las esferas desarrollada por Platón y por los helenísticos Ptolomeo y Nicómaco entre otros. Tanto las ideas metafísicas como las aritméticas de la Antigüedad serán recopiladas y transmitidas al mundo medieval por Boecio, y en el siglo XVI serán renovadas y reutilizadas para dar explicación al nuevo sistema de la justa entonación en el que las terceras son ya consonantes. Así, de la tetraktys de la década se pasará a la formulación del numero senario de Zarlino. Las teorías físicas de la consonancia tienen su origen también en la Antigüedad. Las primeras formulaciones las encontramos en textos de Arquitas y Platón. Pero su desarrollo fundamental se da en escritos procedentes de la escuela peripatética, en los que se empieza a estudiar el sonido como un fenómeno físico susceptible de ser descrito. El fenómeno de la consonancia se concibe como dependiente del comportamiento del sonido, y por tanto, también susceptible de ser descrito. Así aparece la teoría de coincidencia de pulsos. Las teorías físicas de la consonancia fueron en parte recopiladas por Boecio, pero pasarán inadvertidas durante toda la Edad Media y el Renacimiento. A finales del siglo XVI y principios del XVII la teoría física de la coincidencia de pulsos será recuperada y reformulada por Benedetti, Galielo y Mersenne entre otros, propiciando el inicio de la ciencia moderna y experimental del sonido. Las teorías musicales las podemos encontrar fundamentalmente durante la Edad Media. En la Antigüedad ya habían existido algunas clasificaciones de intervalos por su grado de consonancia (que son recogidas por Boecio), pero su importancia era totalmente secundaria. Sin embargo, en la Edad Media las teorías musicales adquieren una importancia fundamental. A través de ellas y sus modificaciones podemos observar la evolución del sistema harmónico utilizado en la música polifónica occidental, sobre todo el paso de un sistema basado en los intervalos de quinta y cuarta (el diatónico de Boecio o también llamado sistema pitagórico) a otro basado en el intervalo de tercera (el de la justa entonación). Las clasificaciones medievales de la consonancia comienzan adoptando el sistema de Boecio, pero poco a poco van incluyendo a las terceras y sextas entre las consonancias imperfectas (algo que parece iniciarse en escritos anónimos del siglo XII y culmina en el XIV con tratados como el de Philippe de Vitry) al mismo tiempo que relegan a la cuarta a la categoría de disonancia (lo que es ya plenamente patente en la mayoría de escritos del siglo XIV). También podemos observar algunos sistemas peculiares que se salen de esta línea general, como el de Grocheo (que pretende revivir a Boecio en una época tan avanzada como el siglo XIV), o el curioso sistema de clasificación de la consonancia del anónimo del siglo XIV Quatuor Principalia. Estos sistemas no convencionales nos proporcionan una valiosa información sobre los problemas de adecuación entre la teoría de afinación dominante hasta el siglo XV (el diatónico de Boecio o sistema pitagórico) y la realidad musical del momento (un sistema en el que las terceras eran de hecho consonantes, y por lo tanto, próximas a su afinación en el sistema de la justa entonación). Las teorías musicales de clasificación de la consonancia continuarían existiendo, aunque relegadas de nuevo a un segundo plano, durante el siglo XVI y el desarrollo de la justa entonación. En esta época encontramos la interesante clasificación de Salinas, quien, basándose en la práctica musical y no en teorías preestablecidas, determina el siguiente orden de mayor a menor grado de consonancia: octava (unísono), quinta, tercera mayor, tercera menor, sexta mayor, sexta menor, cuarta. En el siglo XVII Mersenne retomaría esta clasificación, contraponiendo así la práctica musical a los resultados obtenidos por la teoría física de la coincidencia de pulsos. 2004-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/149615 [ES]La presente tesis doctoral trata de estudiar los factores de eficacia del aprendizaje cooperativo en Educación Física. Es una investigación centrada en la figura del docente y, más concretamente, en las dificultades que se encuentra al implementar el modelo pedagógico y las estrategias que se pueden aplicar para mejorar su eficacia. Se trata de un estudio que tiene un alcance descriptivo-correlacional, a través de un enfoque mixto, pues se han triangulado técnicas cuantitativas y cualitativas en dos fases diferentes. En la primera fase, la fase cuantitativa, se diseñó, validó y aplicó el cuestionario CIACEF, sobre las dificultades que se encuentran los docentes al aplicar el aprendizaje cooperativo en sus clases de Educación Física, qué estrategias utilizan para aplicarlo de manera eficaz y cómo llevan a cabo los procesos de evaluación. Para su diseño se llevó a cabo una revisión de la literatura especializada y se entrevistó a cuatro referentes teóricos del aprendizaje cooperativo en Educación Física. Tras su aplicación, se obtuvo una muestra de 204 docentes que aplican la cooperación en sus clases de Educación Física. En la segunda fase de la investigación, la fase cualitativa, se entrevistó a 10 docentes que previamente habían contestado al cuestionario y se realizó un análisis de contenido longitudinal por códigos. Los resultados del estudio muestran que la competitividad es la principal dificultad sobre la que se ha de intervenir al aplicar el modelo pedagógico en la asignatura de Educación Física. Previamente, es necesario crear unas condiciones favorecedoras a la cooperación, a través de intervenciones dirigidas a crear un ambiente social de aula más cooperativo y al desarrollo de las habilidades interpersonales y comunicativas del alumnado. Los procesos de evaluación formativa y compartida se configuran como estrategias didácticas para ello, cuando se aplican de forma continua e intencionada para este fin. Sin embargo, los resultados también reflejan que aún no se ha dado el salto definitivo a los modelos alternativos de evaluación centrados en el aprendizaje, por lo que aún hay un largo camino que recorrer en este sentido. En relación a la eficacia de la cooperación, entre los múltiples factores que la condicionan, la frecuencia con la que se aplica va a ser determinante para el buen funcionamiento de los procesos cooperativos. 2022-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/149449 [ES] Se trata de un análisis historiográfico contemporáneo e institucional sobre los Centros Rurales de Innovación Educativa (CRIE) en España, centrado en el periodo comprendido entre los años 1983 y 2020; con especial atención a la evolución, trayectoria, metodologías y proyectos del CRIE de Zamora desde su creación oficial en 2006, y puesta en funcionamiento práctico en el año 2007. El objeto de estudio, por tanto, es el siguiente: “Analizar históricamente los Centros Rurales de Innovación Educativa en España, y estudiar pormenorizadamente el CRIE de Zamora como ejemplo significativo de los mismos”. Para ello, esta tesis se estructura y presenta en cinco capítulos: .- Introducción y justificación del objeto de estudio. .- 1ª Parte: ANÁLISIS HISTORIOGRÁFICO Y CONCEPTUAL SOBRE LOS CRIE EN ESPAÑA (1983-2020): Centrado en el recorrido de estos centros educativos en España durante un periodo de treinta y siete años (de 1983 a 2020). .- 2ª Parte: ESTUDIO PORMENORIZADO DEL CRIE DE ZAMORA (2006-2020): Basado en el caso específico de dicho CRIE. .- Conclusiones. .- Referencias bibliográficas y fuentes documentales. Los Centros Rurales de Innovación Educativa constituyen en España un modelo de educación que, desde los años ochenta del siglo XX, ha puesto en práctica estrategias y programas innovadores para compensar las carencias detectadas en los procesos de enseñanza-aprendizaje desarrollados especialmente en la escuela rural. A lo largo de todas las páginas de esta investigación están muy presentes tres perspectivas, que son determinantes, tanto en el estado de la cuestión como en el desarrollo de todo el trabajo: La Escuela Rural, la Innovación Educativa y la Convivencia. Desde dicho enfoque, el planteamiento se centra en conocer y dar respuesta a los siguientes aspectos: . - Características de los Centros Rurales de Innovación Educativa. . - Cómo se integran estos centros en la historia de la educación española en el período de treinta y siete años, que abarca desde el año 1983 hasta el 2020. . - Peculiaridades específicas del CRIE de Zamora desde el año 1996 hasta el 2020. A partir de ahí, la pregunta fundamental en el planteamiento del problema de este trabajo radica en la siguiente: ¿Constituyen los Centros Rurales de Innovación Educativa un referente en cuanto a la innovación, la compensación educativa, la socialización y la convivencia?. Desde dicha perspectiva, los objetivos específicos de la misma pretenden las siguientes finalidades: - Definir las características organizativas, estructurales y metodológicas de los Centros Rurales de Innovación Educativa. - Analizar el impacto generado por los CRIE en la educación española desde 1983 hasta el año 2020. - Determinar la importancia de los CRIE para las escuelas del medio rural. - Identificar y contrastar los diferentes tipos de CRIE que hay en las distintas comunidades autónomas del estado español. - Describir la organización y la evolución metodológica del CRIE de Zamora. - Pormenorizar los proyectos de intervención del CRIE de Zamora y su impacto en la educación de los alumnos participantes. - Identificar el CRIE de Zamora como referente en la innovación, el uso de metodologías activas, la convivencia y la socialización. 2021-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/149369 [ES] Esta tesis doctoral ha sido abordada desde dos ramas de conocimiento complementarias. Por un lado, la musicológica desde una perspectiva histórica y, por otro, la pedagógica desde la propia práctica profesional. Pablo Santander fue maestro de capilla de la parroquia de Santa María La Mayor de Ledesma de Salamanca a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX. Esta investigación aporta datos sobre la organización y miembros de la capilla de música con la que trabajó el compositor, así como el análisis de cinco obras inéditas del mismo, del que se extraen posteriormente unos aspectos que nos acercan a su estilo. La tesis aporta la edición crítica de dichas obras en formato partitura. Partiendo de dos ámbitos de intervención como son las prácticas musicales en una capilla rural y la música del siglo XVIII, una vez finalizado el proceso de análisis, catalogación y transcripción del material inédito, el trabajo de investigación musicológica continua con una aplicación didáctica, basada en metodologías activas, para promover en el alumnado un mayor conocimiento y afección hacia el repertorio musical hispánico. 2021-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/149311 [ES] Francisco Ignacio Solano (1721-1800) fue un músico, teórico musical y profesor particular que trabajó en Lisboa en el siglo XVIII. Fueron sus publicaciones sobre teoría musical las que lo hicieron pasar a la historia. En este trabajo intentamos entender qué planteaba Solano en sus textos teóricos, comparándolo con otros autores portugueses de la época y, finalmente, cómo se integraba en el pensamiento musical ilustrado. Este trabajo se divide en dos partes. En la primera parte trazamos una nueva biografía de Solano; en la segunda, tratamos de conocer su pensamiento musical y cómo ese pensamiento encajaba o no en el pensamiento ilustrado europeo de la época. Nuestra biografía de Francisco Ignacio Solano se basa en documentación primaria elaborada en el siglo XVIII, lo que nos ha obligado a descartar muchas de las ideas que sobre él teníamos a partir de biografías anteriores y ha reconfigurado por completo al personaje. En la segunda parte de este trabajo visitamos el pensamiento teórico de Solano. En el primer capítulo de esta segunda parte analizamos tres temas que fueron muy discutidos durante el siglo XVIII: el uso de la bimodalidad o de la octomodalidad, el método de solfeo y el temperamento musical de los instrumentos de teclado. En el capítulo siguiente vemos cómo Solano, para facilitar el aprendizaje de los músicos aficionados, describe en sus textos preceptos musicales que se habían transmitido oralmente hasta entonces. Analizamos en concreto sus ideas sobre ornamentación musical, reglas de octava para instrumentos de teclado y el contrapunto imitativo (fugas y cánones). Otro capítulo de nuestro trabajo muestra temas presentes en Solano pero que en general no fueron desarrollados por otros autores teóricos portugueses: temas como el desplazamiento de la música del campo epistemológico de la ciencia a las bellas artes, o las ideas sobre consonancia y disonancia, por ejemplo. El último capítulo en torno al pensamiento musical de Solano trata sobre las querellas en las que nuestro autor se vio inmerso y el papel que jugó en esas discusiones. Nuestra tesis muestra a un teórico que, por una parte, estaba al tanto del pensamiento ilustrado más avanzado y en algunos temas fue un difusor de estas teorías y, por otra parte, en algunos temas utilizó teorías más tradicionales que provenían del mundo musical eclesiástico. 2021-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/148906 [ES]Este trabajo discute la trayectoria, el pensamiento y la obra (Música–Teatro) del compositor brasileño Estercio Marquez Cunha (1941- ). La importancia de la discusión propuesta está en la singularidad de las obras del compositor y el contrapunto existente entre su producción y la de sus contemporáneos en Brasil en el final de la década de 1970. El objetivo principal es analizar las relaciones existentes entre la trayectoria de Cunha, sus ideas, concepciones, pensamientos musicales y sus obras del género Música-Teatro compuestas en 1977 y 1978 para demostrar cómo el compositor concibe conexiones entre cuerpo, sonido y silencio y el proceso de elaboración de la performance de estas obras. Para tanto, se adoptó el método deductivo como un camino metodológico y los métodos histórico y analítico como métodos de procedimiento durante esta investigación. En el comienzo se describen algunas circunstancias de la trayectoria del compositor para poder establecer una conexión entre ellas y su obra. Algunos acontecimientos de la vida de Cunha son narrados a través de textos y fotografías. Se realiza una reflexión sobre la práctica de componer y escribir entre los compositores del siglo XX. Se comenta la relación de Cunha con la escritura de poemas para, enseguida, abordar el pensamiento musical del compositor por medio de sus textos y artículos publicados. Estos textos son analizados, separados por categorías y comentados, para establecer relaciones con su obra. La obra de Cunha es abordada de forma general por medio de los géneros musicales encontrados en su catálogo. Se comentan las características estético-musicales presentes en su obra. Se estudian las nueve obras del género Música-Teatro compuestas por Estercio Marquez Cunha. Después de relacionadas y comentadas, dos de estas obras: O Guarda-Noite (1977) y Tempo (1978) se analizan detalladamente. Se presentan registros inéditos de montajes de estas dos obras: un audio de la primera y un DVD de la segunda. Se relata el proceso de montaje y grabación de estos registros. Se discute la coherencia de las relaciones entre la trayectoria, el pensamiento y la obra (Música-Teatro) de Estercio Marquez Cunha, así como el cuerpo, el sonido y el silencio en la construcción de la performance musical de estas obras. La principal conclusión es que cuerpo, sonido y silencio son elementos fundamentales en las obras del compositor, particularmente en las obras compuestas en los años de 1977 y 1978. Estos son también elementos fundamentales para la construcción de la performance del músico-actor que interpretará estas obras. Pues es justamente a través de la experiencia de vivir tales elementos que el músico-actor puede construir su interpretación. 2021-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/148551 [ES]Durante las tres últimas décadas del siglo XVIII, el teatro público madrileño experimenta una notable evolución asociada al proceso generalizado de la reforma del país, impulsada por los ilustrados. El objetivo principal de esta tesis es el estudio de las características fundamentales del teatro público musical madrileño entre 1770 y 1800, y su situación en el panorama del teatro europeo de la Ilustración. Entre los objetivos específicos se encuentra el estudio detallado de la zarzuela cómico-costumbrista, con un enfoque en los rasgos esenciales del subgénero. Pese a la contribución importante de los trabajos recientes, hasta el momento la investigación no se ha centrado específicamente en la producción del teatro público musical madrileño del periodo señalado; tampoco existe un estudio específico que se haya centrado en las características básicas de la zarzuela cómico-costumbrista. Los enfoques pluridimensionales han sido aplicados para explorar tanto el repertorio representativo como las obras concretas, en el contexto histórico y cultural. Para un estudio detallado del subgénero zarzuelístico, hemos aplicado estrategias de amplio uso en la investigación actual que optan por un análisis del género teatral y su vinculación al contexto en que emerge. Entre principales aportaciones están las siguientes: valoración del impacto del teatro europeo italiano y francés, apreciable en distintos niveles del conjunto del repertorio, también en la zarzuela; análisis detallada de las fuentes inéditas del repertorio traducido y original; localización de nuevos datos en lo que se refiere a la autoría de textos y músicas, año del estreno, además de los casos de reutilización de material musical original de Anfossi, Piccinni, Monsigny, di Majo, Sarti, Bianchi hasta ahora no identificados. 2021-01-01T00:00:00Z