http://hdl.handle.net/10366/75401 2026-05-09T14:17:03Z http://hdl.handle.net/10366/164922 [ES]Jane Eyre y The Mill on the Floss son consideradas dos de las obras más célebres de la literatura victoriana británica. Con dos protagonistas curiosas y rebeldes con una verdadera pasión por la lectura, estas obras constituyen ejemplos de la novela de formación, o Bildungsroman. A través de sus páginas, ambos libros describen el proceso de evolución que experimentan Jane Eyre y Maggie Tulliver desde su más temprana infancia hasta su correcta o fallida integración en sociedad; pero su actual atractivo académico reside en la paralela adopción y alteración de las características de este género literario. Además de esto, la ilusión por la lectura de Jane y Maggie permite realizar un sólido análisis de las referencias literarias incluidas en sus historias, y de cómo estas alusiones se utilizan para moldear el presente y futuro de los personajes. Este trabajo de fin de máster pretende estudiar paralelamente las vidas relatadas en Jane Eyre y The Mill on the Floss con el fin de demostrar en qué medida se ajustan o alejan del patrón tradicional de la novela de aprendizaje, así como mostrar el destacado papel que juegan las fuentes intertextuales a la hora de conformar el desarrollo y desenlace de Jane y Maggie.; [EN]Charlotte Brontë’s Jane Eyre and George Eliot’s The Mill on the Floss are internationally recognised as two of the greatest British fictions of the Victorian period. With two inquisitive and rebellious protagonists who are passionate about fantasy literature, these works constitute examples of the novel of formation, or Bildungsroman. Within their pages, they describe the process of development experienced by Jane Eyre and Maggie Tulliver from their early childhood to their successful or failed integration into society. The present academic attraction of these works lies in their simultaneous incorporation and subversion of some of the features expected from the Bildungsroman genre. In addition, Jane’s and Maggie’s enthusiastic reading allows for a thorough examination of the literary references embedded in their stories, and the use of these allusions to shape the present and future of the characters. This essay will study in parallel the lives narrated in Jane Eyre and The Mill on the Floss to demonstrate the extent to which they conform to or deviate from the typical standards of the coming-of-age novel, as well as to expose the great relevance of their intertextual sources in determining the development and outcome of Jane and Maggie. 2023-07-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/155054 Este proyecto de fin de máster pretende corroborar la afirmación de Octavia E. Butler de que "Bloodchild" es una historia de amor sobre la simbiosis. Se analizará el relato corto de Butler en una progresión gradual hacia la simbiosis con cuatro fases: la abyección, el parásito, los nuevos roles de género y la hospitalidad. En primer lugar, la reacción de Gan al ver la intervención quirúrgica de emergencia de Lomas y cómo T'Gatoi le extrae las larvas provoca en Gan tal repulsión que asocia a Lomas, el embarazo y las larvas con lo abyecto. Es más, se ve a sí mismo como un abyecto en potencia si también se quedara embarazado. La abyección se impone con un doble matricidio: literal y metafórico. En segundo lugar, se propondrá al parásito como el estado lógico o la progresión natural hacia la abyección. Hay tres características que definen a este parásito: el desconocimiento de los riesgos relacionados con el embarazo; la ocupación del cuerpo y la apropiación de sus recursos combinada con el heteropatriarcado; y, por último, la condición de la larva como el Otro, que empuja a Gan a la categoría de lo posthumano. En tercer lugar, para superar el parásito y la abyección, es imprescindible una nueva reformulación de los roles de género. Hay un intercambio metafórico de géneros entre Gan y T'Gatoi, y, aun así, ninguno de los dos puede identificarse fácilmente en términos de género. Al cambiar el paradigma cultural impuesto a sus cuerpos, rechazando la heterosexualización del deseo, así como las narrativas de reprosexualidad, Gan gana autonomía corporal. Por último, la deconstrucción de los roles de género permite la transformación del parásito en un parásito amado, un espacio para la hospitalidad y, finalmente, la simbiosis, cumpliendo así la afirmación de Octavia E. Butler de que "Bloodchild" es una historia de amor sobre la simbiosis.; This end-of-Master’s project aims to substantiate Octavia E. Butler’s claim that “Bloodchild” is essentially a love story about symbiosis. Hence, I will analyse Butler’s short story by proposing a gradual progression towards symbiosis with four distinct phases: abjection, the parasite, new gender roles, and hospitality. Firstly, I will argue that Gan’s reaction to watching Lomas’ emergency intervention and having the larvae taken out of him by T’Gatoi provokes in Gan such revulsion that he associates Lomas, pregnancy, and the larvae with the abject. Worst of all, he sees himself as a potential abject if he were to get pregnant as well. Abjection is enforced with a twofold matricide: literal and metaphorical. Secondly, I will propose the parasite as the logical state or natural progression towards abjection. There are three characteristics that define this parasite: lack of knowledge of pregnancy-related risks; occupation of the body and appropriation of its resources combined with heteropatriarchy; and finally, the larvae’s condition as the Other, which pushes Gan into the category of the posthuman. Thirdly, in order to overcome the parasite and abjection, a new reformulation of gender roles is absolutely imperative. There is a metaphoric gender swap between Gan and T’Gatoi, and even then, neither can be easily identifiable in terms of gender. By changing the cultural paradigm imposed onto their bodies, rejecting the heterosexualisation of desire as well as narratives of reprosexuality, Gan gains bodily autonomy. Finally, the deconstruction of gender roles allows the transformation of the parasite into a beloved parasite, a space for hospitality, and eventually, symbiosis, thus fulfilling Octavia E. Butler’s claim that “Bloodchild” is a love story about symbiosis. 2022-09-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/153880 La presente tesis se enfoca en el análisis de la búsqueda transcendental de la unidad suprema en la obra de Emily Dickinson y Edgar Allan Poe a la luz del Neoplatonismo, que predica la fusión espiritual del alma humana con una esencia divina. Desde este prisma filosófico, pretendo mostrar que las composiciones de estos poetas están impregnadas por un trasfondo ontológico y metafísico que revela la existencia y la búsqueda de una forma superior de vida y conocimiento. Me centro en las formas a través de las cuales ambos poetas exploraron el anhelo de reconciliación espiritual y de armonía con un más allá cosmológico: el conocimiento absoluto, alcanzado por medio de un concepto metafórico de la muerte arraigado en la filosofía Platónica; el sufrimiento, que nutre la experiencia y expande el conocimiento humano; y el arte, es decir, la poesía, que hace posible expresar lo inefable. Dada la escasa investigación que ha adoptado una postura metafísica sobre la obra de Poe, contemplo la posibilidad de analizar parte de su producción literaria desde una perspectiva Neoplatónica para revelar que Poe se aferró a una hermenéutica espiritual que aplicó a temas existenciales. Si bien numerosos estudios han examinado los poemas de Dickinson desde enfoques religiosos y filosóficos, esta tesis toma el Neoplatonismo como la base que pone de relieve su fe cristiana, a la vez que establece analogías con Poe. Sostengo que Dickinson y Poe concibieron la muerte, el dolor y la poesía como fases para lograr un conocimiento sobre una realidad última. Así pues, esta tesis propone dar un paso más allá y abordar los temas de la muerte, el sufrimiento y el arte desde un ángulo Neoplatónico, así como demostrar que algunas de las ideas de Poe resuenan en las de Dickinson, y viceversa.; The present thesis focuses on the analysis of the transcendental quest for supernal unity in Emily Dickinson’s and Edgar Allan Poe’s oeuvre in the light of Neoplatonism, which predicates the spiritual fusion of the human soul with a divine essence. From this philosophical lens, I intend to show that these poets’ work is permeated by an ontological and metaphysical undertone that reveals the existence of and the search for a superior form of life and knowledge. I concentrate on the ways through which both poets ardently explored the yearning for spiritual reconciliation and ultimate harmony: absolute knowledge, which is achieved through a metaphorical concept of death steeped in Platonic philosophy; suffering, which enhances experience and wides human cognition; and art, that is, poetry, which makes possible the expression of the inexpressible. Given the scarce research that has adopted a metaphysical perspective on Poe’s oeuvre, I contemplate the possibility to analyse some of his literary output from a Neoplatonic stand to disclose that Poe embraced a spiritual hermeneutics that he applied to existential matters. While numerous studies have perused Dickinson’s poems from various philosophical and religious approaches, this thesis takes Neoplatonism as the point of departure which underlines her Christian faith, while establishing certain analogies with Poe. I argue that Dickinson and Poe conceived death, pain and poetry as stages to achieve knowledge of an ultimate reality. Hence, what this thesis proposes is to go a step further and address the themes of death, suffering and art from a Neoplatonic angle, as well as to demonstrate that some of Poe’s ideas reverberate in Dickinson’s, and vice versa. 2023-07-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/147540 [ES]El presente estudio examina el concepto de diáspora lingüística en Australia y cómo se presenta en la obra de Charles Adam Corbyn Sydney Revels (The Eighteen-Fifties) of Bacchus, Cupid and Momus; Being Choice and Humorous Selections from Scenes at the Sydney Police Office and Other Public Places, during the Last Three Years (1854). Para ello, en primer lugar se ha explicado el concepto de diáspora según Jenkins y, más concretamente, la Primera Diáspora en Australia (2009), para posteriormente describir el panorama lingüístico en Australia en el siglo XIX, que condujo a la formación de la variedad estándar del inglés australiano. El estudio se ha fundamentado en investigaciones anteriores sobre la diáspora lingüística en Australia basadas en la obra de Corbyn, como el artículo de Burridge (2010). Sin embargo, lo que todos los estudios previos no han tenido en cuenta es el origen geográfico de Corbyn, ya que podría haber influido en la representación del habla dialectal. De esta manera, se ha hecho una profunda investigación sobre el pasado de Corbyn, que llevó a descubrir que era originario del suroeste de Inglaterra. Después, se ha realizado un análisis de corpus sobre los rasgos fonológicos, gramaticales y léxicos que aparecían en los informes, con el objetivo de comprobar si Corbyn reproducía fielmente el habla dialectal o si estaba siendo influenciado por su lugar de origen. Para ello, se buscaron los informes en los que el habla dialectal estaba representado y se agruparon en seis subcorpus basados en la variedad de inglés de las personas descritas en cada informe: inglés escocés, inglés vernacular afroamericano e inglés neoyorquino, inglés pidgin chino, inglés londinense, inglés irlandés y hablantes de origen desconocido.; [EN]The present study examines the concept of linguistic diaspora in Australia and how it is presented in Charles Adam Corbyn’s Sydney Revels (The Eighteen-Fifties) of Bacchus, Cupid and Momus; Being Choice and Humorous Selections from Scenes at the Sydney Police Office and Other Public Places, during the Last Three Years (1854). To do so, I firstly explained Jenkins’ concept of diaspora and, more precisely, the First Diaspora in Australia (2009), so as to subsequently describe the Australian linguistic landscape in the 19th century, which led to the formation of Australian English. This study has relied on previous research on the linguistic diaspora to Australia based on Corbyn’s work, like Burridge’s article (2010). However, what all the previous studies have failed to consider is Corbyn’s geographical background, which could have influenced the portrayal of dialectal speech. In this way, I did a thorough investigation on Corbyn’s past, which led me to discover that he originated from the Southwest of England. After that, I did a corpus-based analysis on the phonological, grammatical and lexical features that appeared in the reports, with the aim of testing whether Corbyn reproduced faithfully dialectal speech or if he was being influenced by the dialect of his place of origin. To do this, I sought for those reports in which dialectal speech was represented and I grouped them into six subcorpora based on the variety of English of the people described in each report: Scottish English, African-American Vernacular English and New York English, Chinese Pidgin English, London English, Irish English and unknown background speakers. 2021-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/143139 [EN]In recent times, technology has been developing rapidly producing new forms of literature. Consequently, a considerable debate concerning the nomenclature of these new phenomena has been initiated by some scholars. The flow of stories across media, such as television, computer or videogames is one of the consequences of this convergence between literature and technology which has been named transmediality. Building on the transmedia universe of J.R.R. Tolkien’s The Lord of the Rings, the different changes undergone by the reader across this transmedia universe can be revealed in addition to the difference between the concepts of adaptation and Henry Jenkin’s Transmedia Storytelling. In particular, this essay discloses the conversion of the passive reader into the active participant who contributes to the transmedia universe.; [ES]A medida que la tecnología se ha ido desarrollando, nuevas formas de producir literatura están emergiendo. Consecuentemente, hay una gran controversia acerca de los nuevos conceptos de estos fenómenos. El paso de las historias a través de nuevas plataformas como la televisión, el ordenador o el videojuego es una de las consecuencias de esta convergencia entre la literatura y la tecnología que se ha llamado transmedialidad. Basándonos en el mundo transmedia de El Señor de los Anillos de J.R.R. Tolkien se podrán demostrar las transformaciones realizadas por lector a través de este universo transmedia, además de la diferencia entre el concepto de adaptación y el de narrativa transmedia de Henry Jenkins. Así pues, se confirma que el lector pasa de tener un papel pasivo en la obra a tener un papel activo a través del cual este puede contribuir al universo transmedia. 2018-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/138298 [EN]The present study examines the concept of the redemptive power of art and how it is expressed in Sarah Kane’s last two plays, Crave (1998) and 4:48 Psychosis (1999). From violence and shock being the dominant elements of Kane’s earlier plays such as Blasted (1995), Phaedra’s Love (1996) and Cleansed (1997), her last two plays are characterized by a shift of the theatrical form. Time, place and characters are gradually fading away, baring a society on the verge of collapse, consisting of fragmented personalities who are a step away, if not already, breaking down. In an effort to decipher her last two plays which are extremely fragmented and elusive, this paper is an attempt to approach them through the prism of theatre of cruelty, bare stage and metatheatre, each method corresponding to Kane’s main sources of influence; Antonin Artaud, Samuel Beckett and Bertolt Brecht respectively. The outcome is startling. In a world seemingly deprived of any sense of hope, art seems to be springing through the chaos just like a tuft of grass through the concrete. The gloominess of alienation and depression that the use of bare stage creates both in Crave and 4:48 Psychosis respectively, is partially dissolved by perceiving, through the use of metatheatre, the protagonists as people who, even though they find themselves standing on the edge, still try to create art and seek solace in it, highlighting that the redemptive power of art triumphs over, and often through, cruelty.; [ES]El siguiente estudio analiza el concepto del poder redentor del arte y la manera en la que está presente en las obras Crave (1998) y 4:48 Psychosis (1999) de Sarah Kane. Se observa que las temáticas predominantes en las primeras obras de Kane, Blasted (1995), Phaedra’s Love (1996) y Cleansed (1997), son la violencia y el shock; sin embargo, en las dos últimas se advierte un claro cambio en la temática teatral. El tiempo, el espacio y los personajes se van desvaneciendo gradualmente, mostrando una sociedad a punto del colapso; compuesta de personalidades fragmentadas que están al borde de, si no ya, desmoronándose. En un intento de descifrar sus dos últimas obras, caracterizadas por su fragmentación y ambigüedad, este trabajo pretende enfocarlas desde el teatro de la crueldad, el espacio vacío y el metateatro. Cada una de estas perspectivas pertenece, respectivamente, a Antonin Artaud, Samuel Beckett and Bertolt Brecht, las principales influencias de Kane. El resultado es sobrecogedor: en un mundo constantemente privado de esperanza, el arte parece ser un haz de luz que penetra el caos, una flor entre la maleza. La melancolía de la soledad y la depresión creadas por el espacio escénico vacío, tanto en Crave como en 4:48 Psychosis, se ven prácticamente disueltas cuando, mediante el uso del metateatro, se entiende a los personajes principales como personas que, aunque al límite, tratan de crear arte y buscan consuelo en él, resaltando la importancia del poder redentor del arte a triunfar sobre y frecuentemente a través de la crueldad. 2018-07-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/133358 [ES] El presente estudio examina la evolución del concepto de identidad afroamericana en cuatro de las obras más significativas de las magníficas dramaturgas Adrienne Kennedy y Suzan-Lori Parks, no Funnyhouse of a Negro, Sleep Deprivation Chamber, The America Play y Topdog/Underdog. Para ello, analizo la aplicación del sistema tripartita elaborado por Arnold van Gennep al tratar de establecer las diversas fases de un rito de paso. En consecuencia, se explora la transición disponible desde la concepción de identidad negra como una categoría degradada, hasta la reconstitución de la misma como performativa y postliminal. Así, en estas obras la noción de identidad se percibe como una entidad dúctil que persigue la subversión de los códigos socioculturales normativos (establecidos por una hegemonía colonial y blanca) para alcanzar un espacio abierto e híbrido donde acordar nuevas pautas socioculturales no restrictivas. Este lugar, también conocido como tercer espacio, ha sido estudiado por el teórico postcolonial Homi K. Bhabha en su libro The Location of Culture. En él, Bhabha pretende ejecutar una reconstrucción no normativa de la identidad y la cultura en pos de la multiculturalidad. En línea con esta concepción algunas dramaturgas afroamericanas han optado por explorar la ausencia de una auténtica historia negra, rechazando los discursos paternalistas del pasado para reconstituir su identidad libremente. Por ello sugiero que, en las espectaculares obras de estas autoras, se persigue una reconfiguración honesta de lo afroamericano. En consecuencia, mientras que las obras de Adrienne Kennedy expresan la angustia de una identidad dual, el teatro de Suzan-Lori Parks se mueve hacia una reconstrucción del ser más cercana a las ideas de Bhabha, liberando a la comunidad afroamericana del yugo de una historia colonial mediante el uso de la memoria colectiva.; [EN]The present study examines the transition that African American identity undergoes in four landmark works of the magnificent playwrights Adrienne Kennedy and Suzan-Lori Parks, namely Funnyhouse of a Negro, Sleep Deprivation Chamber, The America Play and Topdog/Underdog. To do so, I will explore the application of Arnold van Gennep’s tripartite thesis on defining his rites of passage to show the evolution from a (pre)liminal, abject conception of blackness into a postliminal, performative definition of the self. Thus, these plays will analyze the notion of identity as a malleable flux bound to changing over time that is in search of subverting the sociocultural normative codes established by the (white and colonial) hegemony in control. In doing so, these playwrights aim to subvert and deflate normative configurations of the self so as to reach an open, hybrid space where a plural dialogue can take place. This notion is explored in depth by the postcolonial theorist Homi K. Bhabha who, in his book The Location of Culture, encourages the operation of the third space as a place to pact the non-constrictive standards upon which the reconfiguration of postliminal identity and culture is going to be based. Following his line of thought, African American playwrights will traverse the black lapse in history, rejecting condescending indoctrination so as to reconstitute who they actually are without encumbrance. Thence, whereas Adrienne Kennedy’s drama exhorts the personal suffering of a hyphenated individual, the theatre of Suzan-Lori Parks moves towards a reconceptualization of identity closer to Bhabha’s theories that sets the African American community free from oppressive history through the employment of collective memory. 2017-07-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/126576 [ES]En este estudio examino cómo la fragmentación que impera en el mundo fictivo creado por Raymond Carver en su cuentario What We Talk About When We Talk About Love complementa la imagen que el autor ofrece en él del mundo real, un mundo difícilmente comprensible cuando lo analizamos a través de la lente unidimensional de la coherencia. Tradicionalmente el discurso crítico sobre Carver ha ignorado prácticamente por completo la importancia que la fragmentación tiene en este singular género narrativo. De hecho, la mayoría de los análisis de la obra de Carver en general y de ésta en particular están motivados por esa tendencia universal que nos lleva a buscar la unidad tanto en la literatura como en la vida, en la ficción y en la realidad. Aunque es posible identificar ciertos elementos de cohesión en este cuentario, la coherencia no es la característica que mejor lo define en su conjunto. Lo cierto es que no importa cuánto lo intentemos: siempre habrá más cabos sueltos que puntos en común entre los distintos relatos que componen la obra. Por lo tanto, la fragmentación, que es tan esencial como la unidad a la hora de caracterizar esta forma narrativa, es mucho más significativa en este caso. Con ella Carver no sólo consigue recordarnos la tensión que existe entre la simultánea indeterminación y coherencia inherente a este género narrativo, sino que también logra reflejar de una manera efectiva la naturaleza fragmentada del mundo al que nosotros mismos pertenecemos como lectores.; [EN]In this study I examine how the aesthetics of fragmentation dominating the fictional world of Raymond Carver’s short story composite What We Talk About When We Talk About Love mirrors the real world as a chaotic place hardly understandable when analyzed through the totalizing lens of coherence. Traditionally, criticism on Carver has virtually overlooked the key role fragmentation plays in as unique a genre as the short story composite. In fact, most analyses of Carver’s oeuvre in general and this composite in particular are indebted to the universal tendency to unify that prevails in both literature and life, fiction and reality. While it is possible to identify some connective phenomena in this composite, unity is certainly not a significant feature when it comes to characterizing it as a whole. No matter how hard we try, there will always be more loose ends than points in common between the discrete stories that conform the composite. Thus, fragmentation, which is of equal importance to this genre, certainly stands out all the more in this case. Not only is it a reminder of the tension between the simultaneous openness and cohesion that is inherent to this narrative form, but it is also an effective strategy on the author’s part in order to reflect the fragmented nature of the world to which we as readers belong. 2015-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/123921 [ES] En el presente estudio examino cómo Toni Morrison subvierte la versión normativa del hogar de la infancia que Gastón Bachelard recrea en The Poetics of Space, donde se representa como una esfera protectora y cargada de ensoñaciones. Centrándome en la primera novela de Morrison, The Bluest Eye, la internalización de tendencias racistas e imágenes pre-fabricadas por parte de los personajes da lugar a estallidos de violencia, tanto física como psicológica, dentro de sus hogares, lo que debilita su proceso de humanización –sobre todo el de los niños– tras las secuelas de la esclavitud. En un contexto literario en el que el hogar se entiende como un lugar de liberación, resistencia y restauración de la dignidad del pueblo afroamericano, Morrison explora, sin embargo, la porosidad de sus límites frente a la dominación –tanto cultural como económica– de la clase media blanca. Por lo tanto, la noción de hegemonía tal y como es concebida por Antonio Gramsci y Henri Lefebvre se combina en el análisis de cómo el control de la clase en el poder afecta la construcción de la identidad afroamericana y modifica los valores base de su comunidad. La autora critica la falta de resistencia de la comunidad negra a la dominación blanca, lo que conlleva el aislamiento e invisibilidad de sus miembros más desprotegidos, las niñas negras. Dicha tendencia social se trasplanta al hogar, donde la permeabilidad de sus límites les hace carecer de las cualidades protectoras del hogar de la infancia (blanco y de clase media) descrito por Bachelard. Como resultado, las jóvenes protagonistas de la novela buscan cobijo en otros lugares y espacios lejos del estancamiento y odio auto-infligido dentro sus hogares. De esta manera Morrison re-articula la esfera doméstica al retratarla invadida por imágenes occidentales y racismo, resistiéndose de este modo a una descripción parcial del concepto de hogar que marginaliza y coloniza otras versiones silenciadas de éste.; [EN]The present study examines Toni Morrison’s subversion of Gaston Bachelard’s normative representation of the childhood home in The Poetics of Space as a protective sphere loaded with dream values. Focusing on Morrison’s first novel, The Bluest Eye, the characters’ internalization of racism and mass produced images give way to outbursts of both psychological and physical violence within their homes that undermine their process of humanization –and more precisely that of children– in the aftermath of slavery. In a literary context where the homeplace is understood as a site of liberation, resistance and restoration of the African American dignity, Morrison explores, however, the porous limits of the home in the face of white, middle-class cultural and economic domination. Thus, Antonio Gramsci’s and Henri Lefebvre’s notions of hegemony are combined to analyze how the ruling class’ control affects the construction of African American identity and modifies the core values of the community. The author criticizes the black community’s lack of resistance to white domination, resulting on the isolation and invisibility of the society’s most disadvantaged members, that is, black girls. This social tendency is transplanted within the limits of the home, whose permeable boundaries lack the protective qualities of Bachlelard’s (white middle class) childhood home. As a result, the young protagonists of the novel seek shelter in other places and spaces that are not tinted by self-inflicted hatred and stagnation as their homes are. This way Morrison rearticulates the domestic sphere by depicting it as invaded by Western images and racism, resisting therefore to a partial description of the concept of home that marginalizes and colonizes other silenced versions of the familiar dwelling. 2014-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/116138 [ES] La dramaturga ghanesa Ama Ata Aidoo es una dramaturga y activista que representa la voz de todas aquellas mujeres que luchan por la libertad, el respeto y la justicia. Su obra teatral Anowa, puede ser considerada por tanto más que una obra; es una forma de producir cambios y transformar la sociedad y el concepto de mujer. Este estudio esboza y analiza las razones por las que el personaje de Anowa representa el feminismo africano y a la mujer revolucionaria del África subsahariana. El estudio gira en torno a dos temas: el primero es el contexto histórico del teatro del África subsahariana y Anowa como una obra de teatro postcolonial; y, el segundo es el papel de las mujeres y el feminismo en la sociedad postcolonial, y Anowa como la personificación del feminismo africano. La autora considera que Anowa debe ser considerada una mujer revolucionaria africana cuestiona la esclavitud, el género e instituciones sociales como el matrimonio y la maternidad. Por otro lado, el teatro escrito por dramaturgas africanas está íntimamente unido a las culturas africanas (el uso de proverbios, danza, música, rituales, etc.), su compromiso para con la sociedad y la lucha por los derechos de la mujer.; [ENG] The Ghanaian writer Ama Ata Aidoo is a female playwright and activist who represents the voice of those women who fight for freedom, respect and justice. Her play Anowa, therefore, can be considered more than a play; it is also a way to make changes and transform society and the concept of women. This study outlines and analyzes the reasons why the character of Anowa represents African feminism and the revolutionary women of Sub-Saharan Africa. It revolves around two main themes: first, the historical context of theatre in Sub-Saharan Africa and Anowa as a Post-colonial African play; and second, the role of African women and feminism in postcolonial society, and Anowa as the epitome of African feminism. The author argues that the character Anowa must be considered an African revolutionary woman who questions slavery, gender and also social institutions such as marriage motherhood. On the other hand, African theatre by women playwrights is inextricably linked to African cultures—use of proverbs, dance and music, rituals and so on, their commitment to society and the fight for women’s rights. 2011-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/75710 [EN]This brief monologue is the last of Roy Batty, the leader of the replicants just before he died in the prophetic science fiction film "Blade Runner." The monologue, along with all the film will offer a wide range of issues or topics that will be used to develop activities for students.; [ES]Este breve monólogo es el último de Roy Batty, el líder de los replicantes justo antes de que falleciera en la profética película de ciencia ficción “Blade Runner”. El monólogo, junto con toda la película ofrecerá una amplia gama de asuntos o temas que se utilizarán para desarrollar actividades para los estudiantes. 2009-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/75708 [EN]The aim of this paper is to illustrate how teachers can improve their teaching skills by examining real language use, illustrating how the educational contributions of discourse analysis and semantics can be applied in an EFL classroom in order to sensitize students with language and linguistic competence.; [ES]El objetivo del presente trabajo es ilustrar cómo los profesores pueden mejorar sus habilidades de enseñanza, examinando el uso del lenguaje real, ejemplificando cómo las contribuciones pedagógicas del análisis del discurso y la semántica puede ser aplicado en una clase de Idioma Extranjero con el fin de sensibilizar a los estudiantes con los idiomas y la competencia lingüística. 2009-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/75707 [EN]In the Spanish civil war as in any other conflict of similar nature, writers positioned themselves ideologically. Most of them, both Spanish and international organizations joined the cause of the Republic, although many fewer authors who supported the nationalist side, they were equally passionate and committed than the other side. The literature written in those days of battles was extreme, distorted and sensationalized in favor of an ideology. Many foreign intellectuals came to Spain and denounced the act of non-intervention, but in reality was a mere formality and hypocrisy. Sylvia Townsend Warner, and many other authors, denounced the situation of helplessness and powerlessness to which the Republic made denying responsibility exempting aid and neighboring countries.; [ES]En la guerra civil española como en cualquier otro conflicto de índole similar, los escritores se posicionaron ideológicamente. La mayoría de ellos, tanto españoles como internacionales se unieron a las causas de la República, aunque hubo muchos menos autores que apoyaron al bando nacionalista, éstos fueron igualmente apasionados y comprometidos que los del otro lado. La literatura escrita en aquellos tiempos de batallas era extremista, distorsionada y sensacionalista a favor de una ideología. Muchos intelectuales extranjeros se vinieron a España y denunciaron al acto de la no intervención, pues en realidad fue un mero formalismo y una gran hipocresía. Sylvia Townsend Warner, entre otros muchos autores, denunció la situación de desamparo e indefensión a la que dejó la República negándole ayuda y eximiendo las responsabilidad los países vecinos. 2009-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/75705 [EN]This study provides the view from Emily Dickinson on the use of this language and how language allows us to know his poetic world. The same language never reveal the mysteries behind the unknown or unexplained, but this difference is overcome by the use of mysticism. According to Dickinson the world needs a combination of mystical language and the linguistic analysis for the study of a poetic universe.; [ES]En este trabajo se aportan la visión de Emily Dickinson sobre el uso del lenguaje y cómo este lenguaje nos permite conocer su mundo poético. El mismo lenguaje nunca revelará los misterios ocultos detrás de lo desconocido o inexplicable, pero esta diferencia se supera gracias a la utilización de la mística. Según Dickinson el mundo necesita una combinación entre el lenguaje y lo místico analizando las características lingüísticas para el estudio de su universo poético. 2009-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/75701 [EN]The selected text is taken from a website and it is a short titled "The Princess and the Pea", written by the famous author Hans Christian Andersen. It has been decided to choose this particular story because it was considered that it might be an interesting story and fun for young people and in this sense, he could get his attention, but at the same time, because it sought to maximize this text in terms certain linguistic branches, with this information source may be a possible way forward. Major areas of linguistic knowledge that you want to concentrate on are: discourse analysis, discourse semantics, discourse and grammar and methodological resources for research and curriculum design. These branches language will be developed through the realization of different types of activities to be proposed to all students. The main goal of this work will promote a type of methodology based on the notion of "autonomous learning" so that students realize that they are acquiring the knowledge for themselves through their own efforts.; [ES]El texto que se ha seleccionado se ha tomado de una página web y se trata de un corto titulado "la princesa y el guisante", escrito por el famoso autor Hans Christian Andersen. Se ha decidido elegir esta historia en particular porque se consideró que podía resultar una historia interesante y divertida para los jóvenes y en este sentido, que podía llamar su atención, pero al mismo tiempo, porque se pretendía aprovechar al máximo este texto en lo que respecta a determinadas ramas lingüísticas, siendo esta fuente de información puede ser una posible vía para ello. Las principales áreas de conocimiento lingüístico que se desean concentrar en el son los siguientes: análisis del discurso, la semántica del discurso, el discurso y la gramática y los recursos metodológicos de investigación y diseño curricular. Estas ramas lingüísticas van a ser desarrollados a través de la realización de diferentes tipos de actividades que se propondrán a todos los estudiantes. El objetivo principal de este trabajo será promover un tipo de metodología basada en la noción de "aprendizaje autónomo" de tal manera que los estudiantes se den cuenta de que están adquiriendo los conocimientos por sí mismos gracias a sus propios esfuerzos. 2009-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/75698 [EN]This final document aims to present a brief summary of the language, and issues that guide and transmit the education systems in Brazil, making a brief comparison with Spain. Take into account issues related to discourse analysis, semantics, Brazilian history, the history of the Portuguese language, courtesy, intercultural communication, the description of society and cultural differences.; [ES]Este documento final tiene como objetivo presentar un breve resumen sobre las lengua, y los aspectos que guían y transmiten los sistemas de educación en Brasil, estableciendo una breve comparación con España. Se tendrá en consideración los aspectos en relación con el análisis del discurso, la semántica, la historia brasileña, la historia de la lengua portuguesa, la cortesía, la comunicación intercultural, la descripción de la sociedad y las diferencias culturales. 2009-01-01T00:00:00Z