http://hdl.handle.net/10366/4455 Tue, 21 Apr 2026 17:09:26 GMT 2026-04-21T17:09:26Z http://hdl.handle.net/10366/170100 [ES]Capítulo «Resucitando el dulce nombre de María», incluido en la publicación Márgenes, ensayando comunidades (Comunidad de Madrid, ISBN 978-84-451-3881-6), resultado final de un grupo de investigación en práctica artística contemporánea desarrollado entre 2019 y 2020. El grupo tuvo como objeto central la exploración, el análisis, el debate y la experimentación en torno al arte contemporáneo, estableciendo una metodología teórico-práctica basada en conferencias, seminarios y encuentros con profesionales invitados, orientada a generar proyectos vinculados con los márgenes de lo artístico. El texto se presenta como una obra escrita de investigación-creación, en la que la dimensión creativa constituye el propio método de investigación. A través de un dispositivo narrativo y ensayístico, el capítulo reflexiona sobre la práctica artística contemporánea desde una posición situada, abordando cuestiones relativas a la memoria, la materialidad simbólica, la construcción de sentido y las formas de comunidad que emergen en los límites de lo normativo y lo institucional. Lejos de adoptar un formato descriptivo o historiográfico, la aportación articula una investigación basada en la práctica, en la que el texto funciona como espacio de pensamiento y experimentación, alineado con enfoques contemporáneos de investigación artística. Esta metodología permite generar conocimiento no solo a través del análisis conceptual, sino también mediante la producción misma de la obra, entendida como herramienta epistemológica. Wed, 01 Jan 2020 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/170100 2020-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/170098 [ES]Comisariado de la exposición HECHO EN CASA. Vídeoarte doméstico actual en España, presentado en el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque (Madrid) entre el 8 de septiembre y el 19 de noviembre de 2023. El proyecto curatorial fue concebido como una investigación expositiva destinada a analizar, visibilizar y situar críticamente las prácticas contemporáneas de vídeoarte doméstico en el contexto español, entendidas como formas de producción audiovisual que cuestionan los modelos normativos de autoría, legitimación y circulación del arte audiovisual. La exposición articula un marco conceptual centrado en la domesticidad como condición estética, tecnológica y política, proponiendo una lectura del vídeo doméstico no como un simple archivo ni como una práctica amateur, sino como un dispositivo activo de experimentación artística y de pensamiento crítico. A través de una selección de obras de artistas contemporáneos que trabajan con tecnologías domésticas, archivos personales y estrategias de baja mediación técnica, el comisariado construye una genealogía alternativa del audiovisual contemporáneo que dialoga con debates actuales en historia del arte, estudios visuales y teoría del cine. El proyecto curatorial se estructuró como un dispositivo de investigación-creación, en el que la selección de obras, la disposición espacial y los textos curatoriales establecieron una narrativa coherente orientada a explorar las tensiones entre lo privado y lo público, lo precario y lo institucional, y la materialidad doméstica de la imagen en movimiento. La exposición fue acompañada de materiales documentales oficiales —programa y dossier explicativo— accesibles en abierto a través de la web institucional de Conde Duque. Fri, 08 Sep 2023 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/170098 2023-09-08T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/170097 [ES]Comunicación titulada «De lo precario a lo profundo. La radical influencia del cine doméstico en la desnormalización del arte audiovisual», presentada en el congreso académico El cine doméstico en España: contextos, prácticas y archivo, celebrado en la Facultad de Comunicación de la Universidad de Navarra (junio de 2024). La investigación aborda el problema de la incorporación del cine doméstico y amateur como matriz estética, metodológica y política en el arte audiovisual contemporáneo, cuestionando los modelos normativos de producción, autoría y legitimación del audiovisual heredados del cine industrial y de las prácticas artísticas institucionalizadas. Frente a aproximaciones descriptivas o meramente historiográficas, la aportación propone un marco analítico que vincula precariedad material, domesticidad tecnológica y desnormalización estética, entendiendo el cine doméstico no solo como archivo o fuente, sino como dispositivo activo de producción de sentido en el arte audiovisual. La comunicación se inscribe en los debates actuales sobre investigación-creación, prácticas artísticas basadas en archivos no institucionales y genealogías alternativas del audiovisual, aportando una lectura transversal entre historia del cine, estudios visuales y práctica artística contemporánea. Desde un punto de vista metodológico, la aportación articula análisis teórico-crítico, estudio de casos artísticos y reflexión desde la práctica, proponiendo el cine doméstico como herramienta epistemológica para repensar la materialidad, la autorrepresentación y la economía de medios en el arte audiovisual. Wed, 19 Jun 2024 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/170097 2024-06-19T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/170096 [ES]Red Universitaria de Arte Audiovisual (RUA Audiovisual) es una iniciativa académica interuniversitaria impulsada por Carlos Trigueros Mori, de la Universidad de Salamanca. RUA Audiovisual conecta al profesorado y al estudiantado de dieciséis facultades públicas de Bellas Artes de España, configurándose como plataforma de intercambio y como repositorio de obras audiovisuales seleccionadas por docentes en el ámbito universitario. La red se concibe como un dispositivo académico de investigación-creación y transferencia cultural, orientado a facilitar la circulación, análisis y exhibición de prácticas audiovisuales contemporáneas producidas por las generaciones más jóvenes. Su metodología se basa en la selección docente de obras, el establecimiento de protocolos éticos y de cesión de derechos, y la organización de actividades públicas que permiten visibilizar el trabajo emergente más allá del aula. RUA Audiovisual fue presentada públicamente el 2 de noviembre de 2023 en el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque (Madrid), donde se proyectó una selección de obras y se celebró una mesa redonda sobre el audiovisual de creación en la generación Z, con participación de representantes institucionales y académicos. La iniciativa ha tenido continuidad mediante la organización de la Muestra Universitaria de Arte Audiovisual en el Teatro Juan del Enzina (Universidad de Salamanca) en 2025 y 2026, abierta al público, con una asistencia aproximada de 100 personas en cada edición. La red articula una estructura colaborativa entre universidades públicas españolas, fomentando el intercambio de metodologías docentes y prácticas artísticas contemporáneas, y generando un marco estable para futuras actividades expositivas, seminarios y encuentros académicos. Thu, 02 Nov 2023 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/170096 2023-11-02T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/169853 [ES]Proyecto de investigación y transferencia financiado por la FECYT (Ref: FCT-22-18225) de impacto nacional desarrollado durante los años 2024 y 2025 con exposición itinerante y publicación posterior bajo el sello editorial CSIC. http://libros.csic.es/product_info.php?products_id=1950 Este proyecto surge de una indagación conjunta desde la ciencia y la creación artística en torno a las características distintivas de nuestra especie y de nuestra relación con el resto de la naturaleza. Los dos interlocutores de ese diálogo son, por una parte, el conocimiento actual del genoma humano desde el punto de vista bioquímico y genético y, por otra, la traducción de esa perspectiva a un lenguaje que trasciende el rigor de la ciencia y la interpreta visualmente desde la creatividad artística. Esta conversación interdisciplinar ha pretendido huir de la especialización académica para presentarse en un formato claro, instructivo, atrayente y, sobre todo, accesible al público general, que es, a su vez, el objeto y destinatario último del proyecto. Los fundamentos biológicos de la naturaleza humana aún resultan desconocidos para la mayoría de los ciudadanos, a pesar del aluvión continuo de noticias que nos informan sobre nuestro lugar en la biosfera y nuestra responsabilidad en su preservación, el papel de los genes en la salud y la enfermedad, o las posibilidades y amenazas de la manipulación genética. Por esa razón, este proyecto nace desde la convicción de que el diálogo entre la ciencia y el arte no solo es posible, sino que su visión complementaria también contribuye a ampliar la percepción que tenemos de nosotros mismos y a aumentar la empatía hacia el resto de la naturaleza. Exposición comisariada por José Gómez-Isla, Luis Castelo y Francisco Antequera Márquez IP del proyecto. Tue, 25 Nov 2025 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/169853 2025-11-25T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/169833 [ES] Desde el año 2020 Vanessa Gallardo colabora con la Fundación Venancio Blanco como comisaria independiente y especialista en la obra y trayectoria del escultor salmantino, fruto de estos primeros años de trabajo nace la muestra “Bailar los trazos” enmarcada dentro del proyecto Tres Miradas, subvencionado por la Junta de Castilla y León. La exposición itinera en dos sedes de la comunidad de Castilla y León, el Auditorio de San Francisco, Ávila y el Centro Cultural Gaya Nuño, Soria durante el año 2021. Ante la gran acogida de la muestra y el interés que generó, ésta se expone en una versión ampliada (74 piezas) finalmente en la Sala de Exposiciones de Santo Domingo de la Cruz, en Salamanca, con la colaboración de La Fundación Venancio Blanco, Salamanca Ciudad de Cultura y Saberes, Excmo. Ayto. de Salamanca y Fundación Mapfre. La muestra fue visitada por 7220 personas durante los meses (de febrero a julio de 2024) que estuvo expuesta en esta última sede. El enfoque novedoso de esta exposición reside en la visión curatorial, que proponía un estudio que relacionaba el trazo serpenteante del dibujo de Venancio Blanco con el vacío en su escultura. El vacío compone en la obra de Venancio Blanco como un elemento indispensable, como lo es la materia o como lo es el trazo. Mon, 01 Jan 2024 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/169833 2024-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/169790 [ES] Descansa la luz, 2023 Vanessa Gallardo Premio Accésit “X Bienal Iberoamericana de obra gráfica Ciudad de Cáceres. Serigrafía Fluorescente sobre Papel Washi de 300gr en bastidor de madera 104x100x18 cm Esta pieza forma parte de una investigación abierta (“Cromografías luminiscentes de lo invisible”) en la que se presta especial atención a los procesos de visión, el color, la fluorescencia, fosforescencia y la luminiscencia desde una perspectiva técnica interdisciplinar. Este proyecto pretende incidir en cómo las células receptoras de nuestros ojos comprenden y asimilan los colores en la luz y cómo lo hacen en la oscuridad, por ello se está trabajando con materiales pictóricos que sean reactivos en ambas situaciones, pigmentos fluorescentes y fosforescentes que permiten combinar y activar zonas del cerebro y de la visión que normalmente no se activarían sin estos estímulos cromáticos y lumínicos. Mon, 01 Jan 2024 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/169790 2024-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/169764 [ES] El Grupo PAN (Alberto Chinchón y Miguel Palancares) es invitado a participar en el Encuentro de Artes de Acción y Performance Acción!MAD en Matadero Madrid. Para este evento se preparó una compleja pieza de acción que recreaba y caricaturizaba los juegos de poder en la sombra. Sun, 01 Jan 2012 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/169764 2012-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/169761 [ES] Vota libre para creerte libre, Bota libre para sentirte libre es el resultado en forma de pieza artística de una investigación que aúna los procesos estudiados durante años en torno al arte de acción (y que finalizarían en una tesis doctoral), con aspectos propios de la performatividad política analizadas como miembro dentro del grupo de investigación “Artes de acción y mecanismos y convocatorias electorales”, financiado por convocatoria competitiva interna de la Universidad Europea de Madrid. Tue, 01 Jan 2008 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/169761 2008-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/169738 [ES]“El múltiple que ocupa el espacio” es una publicación que parte de una investigación multidisciplinar en la que podemos observar cómo el término de lo expandido está ampliamente presente en la creación artística contemporánea. Esta concepción nos permite ampliar el sentido tradicional de las disciplinas hasta su disolución. Concretamente el tema que aquí se desarrolla pretende, precisamente, evidenciar esa transfiguración que ha sucedido en lo últimos años dentro del Arte múltiple y la Gráfica contemporánea, mostrando cómo el concepto de multiplicidad, esencia del arte gráfico, es precisamente lo que ha permitido su simbiosis para con disciplinas como la instalación, la escultura, la pintura o el ámbito de lo digital. Esta publicación muestra de un modo rotundo y profundamente comprometido las relaciones simbióticas del arte múltiple a través de la selección de textos de investigación y creaciones artísticas de profesionales de primer nivel nacionales e internacionales. Gallardo, V ., Soler, A., “El Múltiple que ocupa el espacio. Derivas y transiciones de la gráfica contemporánea hacia la complejidad” pp.22 a 36. Gallardo, V., “Simbiosis, entre la gráfica contemporánea y la instalación”. Pp.37 a 43. Ver referencias anteriores: Gallardo, V.,(2015) “La Estampa que habita el espacio. Arte múltiple e instalación. Recorriendo los límites de la gráfica contemporánea”. Universidad Politécnica de Valencia. DOI: 10.4995/Thesis/10251/52026 Wed, 01 Jan 2025 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/169738 2025-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/169600 [ES]La exposición se enmarca en el proyecto de investigación artística "Caracteres Esenciales: sobre la convergencia del arte y la ciencia en el estudio de actividad del cerebro en los procesos de visión y de la práctica del arte" PIC2-2022-10. "Caracteres Esenciales" es la publicación con la que culmina la exposición colectiva que lleva por título el mismo nombre y cuya propuesta nace de un doble tránsito desde la práctica científica a la práctica artística contemporánea, uno que parte de las contribuciones de dos reconocidos neurólogos sobre el arte abstracto y otro que tiende puentes con la representación científica de los procesos perceptivos. En el libro Inner Vision: An Exploration of Art and the Brain (1999), Semir Zeki observa que el proceso de abstracción artística se asemeja al modo en que determinadas áreas del cerebro se especializan en obtener conocimiento del mundo a partir de una información concreta que él denomina caracteres esenciales. Siguiendo esa visión neuroestética del arte como proceso activo, Eric R. Kandel establece en Reductionism in Art and Brain Science (2016) un paralelismo entre los métodos del arte y la ciencia en razón de su compartida tendencia a reducir los problemas a unidades mínimas desde las cuales comprender aspectos complejos de la realidad. La muestra presenta la búsqueda de la esencialidad por la vía de aproximarse con curiosidad y respeto a representaciones científicas de la actividad cerebral y la percepción visual compartidas y explicadas por Conchi Lillo, investigadora del Instituto de Neurociencias de Castilla y León. El quehacer artístico se caracteriza por la constante motivación de aprender a mirar, un aprendizaje que se adiestra apreciando cómo otros a su vez miran la realidad. Para ello, el GIR ITACA de la Usal conformado por los artistas - María Reina Salas Alonso, Vanessa Gallardo, Juan Sebastián González y Carmen González- ha analizado diversos procedimientos y técnicas científicas y sus formas de visualización de estructuras celulares y ha extraído y traducido desde ellas aspectos y elementos esenciales, incorporándolos a sus propios lenguajes creativos. Las acumulaciones de formas semejantes, los estampados de entramados intercelulares, las estratificaciones matéricas o los papeles enrollados a modo de depósitos de mielina son la elaboración en un lenguaje artístico de esa recepción porosa y admirada de imágenes científicas. Las obras se han realizado específicamente para instalarse en el Centro Cultural Hispano Japonés. En el proceso de creación se ha empleado como sustrato común de todas las piezas el papel Washi. La elección está determinada por sus características intrínsecas, su resistencia y su versatilidad, que permiten trabajarlo con diferentes técnicas, pero también por su poderoso valor simbólico, apropiado para desplegar cuatro lenguajes creativos en los que se busca expresar una idea de esencialidad. Las obras han tratado de destacar las cualidades de un material cuyo proceso de fabricación se ha mantenido constante en el tiempo y que, en su sencillez, es capaz de albergar la densidad de una cultura milenaria. Cada una de las obras de la exposición trata de homenajear el carácter esencial de un material que es un soporte de la transmisión cultural artística y científica. GIR ITACA USAL Investigación y Transferencia en Arte y Cultura Audiovisual www.itaca.usal.es Wed, 01 Jan 2025 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/169600 2025-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/169599 [ES]Con motivo del centenario del nacimiento del escultor Venancio Blanco, la Fundación Mapfre y la Fundación Venancio Blanco deciden realizar un libro compilatorio con algunas de las obras más representativas de la trayectoria del artista salmantino. Este trabajo es el boche que circunscribe una serie de actividades realizadas durante la celebración de dicho centenario en el que se enmarca la de la muestra itinerante "Siempre Venancio. El arte nunca se deja de aprender", comisariada por Vanessa Gallardo en dos sedes, la Sala de Exposiciones de Santo Domingo de la Cruz, en Salamanca y La Casa de Vacas en Madrid. En sendas muestras antológicas se contemplaron piezas insignes del escultor, entre ellas algunas cedidas por el Museo Reina Sofía. Con motivo de esta relación curatorial, que abarca muchos años de colaboración con dichas entidades, Vanessa Gallardo es invitada a participar como autora en el libro Venancio Blanco, 1923-2018 publicado y editado por la Fundación Mapfre. Su aportación se desarrolla en el capítulo que lleva por título: "Transversalidad en la trayectoria de Venancio Blanco. Cuando la ilusión es el motor para la creación", donde reflexiona sobre la interdisciplinariedad en la obra de Venancio Blanco, su amor por el dibujo, el bronce y las diferentes materias que trabajó de manera insaciable hasta el fin de sus días. Una visión personal y crítica de la trayectoria del artista salmantino desde la perspectiva investigadora subyacente de los trabajos curatoriales de la autora. Sat, 01 Jan 2022 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/169599 2022-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/169523 [ES] El relieve en alabastro del eccehomo conservado en la Catedral de Ávila fue creado por Vasco de la Zarza como puerta para el sagrario del retablo mayor del templo. Separado de dicho mueble litúrgico en el siglo XVIII, se conserva en el museo catedralicio como una preciada muestra de la introducción de los modelos del Renacimiento italiano en Castilla. Wed, 01 Jan 2025 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/169523 2025-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/169446 [ES]Hybrids. Merging and Metamorphosis. IMPACT 12. Galería F Block en Bower Ashton. Exposición colectiva previo concurso y selección La gráfica contemporánea constituye un espacio híbrido en el que convergen y se intersecan los alcances de las nuevas tecnologías y los diversos medios. Se trata de un territorio donde surgen y se desarrollan producciones conformadas por elementos aparentemente incompatibles, configurándose como un auténtico campo de experimentación que genera piezas de carácter híbrido. Esta exposición, comisariada por Aleksandra Janik, reúne obras de difícil clasificación que no pueden reducirse a los rasgos inmanentes del medio gráfico, como el pensamiento creativo en dos etapas, mediado por la matriz y la estampa, y/o la noción de multiplicidad. La muestra no se centra exclusivamente en la gráfica o el grabado como herramienta, sino que propone un marco conceptual amplio que permite acoger ideas innovadoras y audaces, cuya plena expresión sólo es posible a través de prácticas gráficas híbridas o ampliadas. “Vibrisas” es la pieza de Vanessa Gallardo, seleccionada previa convocatoria pública y selección curatorial internacional, para formar parte de esta muestra que se realizó dentro del congreso IMPACT 12 en la University of the West of England, Bristol, UK, del 21 al 25 de septiembre de 2022. Galería F Block en Bower Ashton. Thu, 21 Sep 2023 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/169446 2023-09-21T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/169359 [ES] La exposición reúne trabajos del «performancero», poeta y activista político y cultural Miguel Benlloch (Loja, 1954- Sevilla, 2018) que se despliegan en su relación con obras creadas por l+s artistas Equipo re (Aimar Arriola, Nancy Garín, Linda Valdés), Julio Jara, Guillermina Mongan, Álvaro Romero, María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca, a quienes se ha invitado a leer y estudiar el Archivo Miguel Benlloch para mostrar trabajos que en interlocución, correspondencia o réplica con los de Miguel, generen nuevos vínculos y enunciados que favorezcan el avance de propuestas artísticas, transgresoras y políticas. Las acciones, los textos, la actividad política y estética —que Benlloch realiza al calor de lo colectivo y de la vitalidad de los grupos sociopolíticos y artísticos con los que se relaciona— se van conformando como un espacio singular para leer y entender el desarrollo del arte y el activismo en el Estado español de cambio de siglo, que ha puesto en el centro de los discursos el debate y cuestionamiento de las categorías binarias y heterocentradas. Su hacer representa una temprana mirada crítica a la identidad, un pensamiento desde el cuerpo y una escritura que aparece en forma de acción, fotografía, libro, pregón, discurso o pancarta. A principios de los años ochenta, en la caseta del Movimiento Comunista de las fiestas del Corpus de Granada, Benlloch participa en la organización del Cutre Chou, un espectáculo de pequeñas actuaciones donde se hacía presente una parte de la diversidad de sentires en el movimiento auto-convocado contra la dictadura franquista. El título de esta exposición, Ensayos sobre lo cutre, rinde homenaje a un momento de condensación en el que la militancia política comienza a ensayar con el cuerpo y la voz, y a convertir «lo cutre» en una herramienta disidente de la norma y de desacato a la forma. Fri, 01 Jan 2021 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/169359 2021-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/169357 [ES] Se trata de una muestra que integra el resultado de 51 proyectos artísticos provenientes de 18 países de habla hispana. Estos proyectos nos aproximan a las incertidumbres de un tiempo presente atravesado por las crisis políticas, sociales y económicas que conlleva la excepcional situación global que vivimos en los últimos años. Abordan el complejo horizonte existencial post-COVID desde los territorios de la estética, la poesía y el discurso crítico. La exposición construye un relato colectivo, una suerte de memoria de la crisis social en un momento histórico excepcional que ha servido como detonante y catalizador para que la creación contemporánea narre las plurales maneras en que hemos gestionado, como sociedades e individuos, una situación sin precedentes a escala global. La curadora, Suset Sánchez Sálchez plantea las siguientes interrogantes: ¿Estábamos preparados para experimentar una pandemia global como la que nos lleva azotando estos últimos años? ¿Hemos aprendido algo en este tiempo de excepción? ¿La cuestión fundamental ahora es sobrevivir para volver a vivir como antes, o transformar los modos en que hemos gestionado nuestras vidas? Esta crisis que no solo afecta la salud, los modelos económicos y los sistemas sociales, encarna un punto crítico, de no retorno en nuestra existencia como especie y como planeta. El equipo curatorial, formado por la curadora Suset Sánchez y las gestoras culturales Nur Banzi y Macarena Pérez, realizó esta cuidada selección de propuestas artísticas que forman parte de la exposición itinerante. Es resultado de una convocatoria pública, parte del proyecto Archivos de una pandemia y cuenta con el apoyo del Programa Ventana de la AECID, que buscó generar conexiones y diálogos a través del arte y la cultura en el contexto de la actual crisis sanitaria. Integra proyectos de los 18 países en los que está presente la Red de centros culturales de la Cooperación Española. Sat, 01 Jan 2022 00:00:00 GMT http://hdl.handle.net/10366/169357 2022-01-01T00:00:00Z