http://hdl.handle.net/10366/4458 2026-05-03T19:12:01Z 2026-05-03T19:12:01Z González García, Víctor http://hdl.handle.net/10366/170422 2026-03-14T05:05:30Z 2025-01-01T00:00:00Z

[ES] En esta tesis doctoral se analiza y perfila la personalidad artística del arquitecto Manuel de Larra Churriguera (Madrid, 1691-Salamanca, 1755) a través de las obras que realizó fundamentalmente en el segundo cuarto del siglo XVIII (1723-1755). Esta investigación, que abarca una amplia cronología, ya que el protagonista de la misma tuvo una dilatada carrera profesional, parte de una doble constatación: por una parte, cubriendo el importante vacío que aún quedaba sobre su vida y obra a través de la realización de una rigurosa biografía del arquitecto, que hasta ahora no se había llevado a cabo -y las que sí se habían planteado estaban abordadas de forma fragmentaria-, y, por otra, abordando el estudio de su formación en el taller familiar de su tío Joaquín Benito de Churriguera en Salamanca, descartando, por lo tanto, las afirmaciones apuntadas hasta ahora en la historiografía del arte tradicional que le consideraban formado en el taller de otro de sus tíos, Alberto de Churriguera. Por otra parte, entre los principales objetivos de este trabajo de investigación ha estado el análisis de la obra de Manuel de Larra Churriguera a partir de tres criterios de actuación a lo largo de su actividad profesional y que consideramos fundamentales para poder entender su obra. El primero, el de la unidad de estilo, en definitiva, la concinnitas vitruviana, en aquellas obras que tuvo que intervenir y que ya estaban comenzadas, que procedían de épocas pasadas, demostrando y manifestando, asimismo, un absoluto y total respeto por lo ya construido. El segundo, su apuesta personal, en las obras de nueva planta que proyectó y levantó, hacia un lenguaje arquitectónico de gusto clasicista con 8 el que puso de manifiesto su perfecto conocimiento de la tradición edilicia postherreriana. El tercero, y aunque en sus actuaciones como arquitecto se caracterizó por una marcada sobriedad y austeridad, en realidad, una evidente funcionalidad, también es cierto que en el campo de la retablística supo adaptarse a la sensibilidad barroca del momento, característica que puso de manifiesto en los todos retablos que trazó, cuyo movimiento, juego de luces y sombras y exuberante decoración responden a la perfección al adjetivo churrigueresco. En conjunto, este trabajo de investigación aporta una nueva mirada acerca de la persona y la obra de Manuel de Larra Churriguera, situándola -algo que no ocurría hasta el momento- en la primera línea del panorama artístico castellano de la primera mitad del siglo XVIII, superando así aquellos juicios tan negativos que se han venido arrastrando en la historiografía del arte tradicional.

2025-01-01T00:00:00Z Cothros, Nilce Mariana http://hdl.handle.net/10366/169749 2026-02-14T05:05:21Z 2025-01-01T00:00:00Z

[ES] Esta tesis doctoral analiza la representación del monarca Carlos II a través del retrato de pequeño formato durante su reinado (1665-1700). El estudio abarca un amplio espectro de objetos —retraticos, miniaturas, monedas, medallas, y otros soportes— que comparten una característica común: la plasmación de la efigie regia a escala reducida, concebida para ser portátil, manipulable y de fácil circulación, tanto en espacios públicos como privados. La investigación examina también algunas imágenes en las que figuran la reina Mariana de Austria, madre del monarca, y sus dos esposas, María Luisa de Orleans y Mariana de Neoburgo. El trabajo parte de una doble constatación: por un lado, hasta fechas relativamente recientes, los especialistas han prestado escasa atención al reinado de Carlos II, en buena medida debido a su tradicional desvalorización histórica; por otro, los retratos de pequeño formato han sido poco estudiados y, además, abordados de forma fragmentaria. A su vez, se evidencia que la incorporación de la numismática en las investigaciones de la historia del arte sobre este periodo ha sido generalmente limitada. Por lo tanto, la tesis pretende cubrir este vacío mediante un análisis integral, crítico y sistemático de los pequeños retratos, que asimismo permita destacar su relevancia histórica y profundizar en las estrategias visuales de construcción, representación y difusión del poder de la monarquía española a finales del siglo XVII. Además, entre los objetivos secundarios, se presta especial atención a los usos, funciones y espacios de circulación y visibilidad que estos objetos tuvieron en su contexto. La investigación ha logrado reunir y examinar un corpus heterogéneo de imágenes —ejecutadas en distintas técnicas y soportes, y procedentes de orígenes geográficos diversos— que conforma un panorama amplio y representativo de este tipo de objetos. Para ello, se han incorporado piezas inéditas o escasamente estudiadas, junto con la actualización y el enriquecimiento de la bibliografía existente con publicaciones tanto españolas como internacionales. Asimismo, se ha adoptado una perspectiva metodológica que articula distintas disciplinas: la historia del arte, la iconografía, la historia política, la numismática y los estudios sobre moda y joyería. En conjunto, este trabajo aporta una nueva mirada sobre la representación regia en la época de Carlos II al proponer una lectura integral y contextualizada del retrato en formato reducido, superando los enfoques previos y contribuyendo a su revalorización en el marco historiográfico actual.; [EN] This doctoral thesis analyzes the representation of King Charles II of Spain through smallformat portraiture during his reign (1665-1700). The study examines a wide range of objects— retraticos, miniatures, coins, medals, and other media—that share a common characteristic: the depiction of the royal image at a reduced scale, conceived to be portable, manipulable, and easily distributed, both in public and private spaces. This research also considers representations of Queen Mariana of Austria, the king’s mother, and his two wives, Marie Louise d’Orléans and Maria Anna of Neuburg. This work is based on a twofold observation: first, that until relatively recently, scholars have not paid much attention to the reign of Charles II, largely due to its traditional historical undervaluation; and second, that small-format portraits have remained little studied and, what is more, have been approached in a fragmented way. It is also evident that the incorporation of numismatics into art historical research on this period has generally been limited. This thesis therefore aims to fill this gap through a comprehensive, critical, and systematic analysis of small-format portraits, not only to highlight their historical significance but also to explore the visual strategies used to construct, represent, and disseminate the power of the Spanish monarchy in the late 17th century. Furthermore, as a secondary objective, the study closely investigates the uses and functions of these objects, along with their visibility and circulation within their historical setting. This research has compiled and studied a heterogeneous corpus of images—executed using different techniques and media and originating from diverse geographical contexts—that provides a broad and representative overview of this type of object. To achieve this, it has included unexamined or rarely studied works and updated and enriched the existing bibliography with both Spanish and international publications. Additionally, it has adopted a methodological approach that integrates multiple disciplines: art history, iconography, political history, numismatics, and studies on fashion and jewelry. In sum, this work offers a new perspective on royal representation during the time of Charles II by proposing a comprehensive and contextualized reading of small-format portraiture, moving beyond previous approaches and contributing to its revaluation within the current historiographical landscape.

2025-01-01T00:00:00Z Vázquez Couto, David http://hdl.handle.net/10366/161212 2024-12-18T05:05:49Z 2024-01-01T00:00:00Z

[SPA]El objetivo principal de este trabajo será demostrar que la obra de Bergman supone una continua búsqueda de respuestas en torno al hombre y al cine, y que para hacer sus preguntas utiliza el primer plano como un recurso formal del cine especialmente apto para conocer al otro filmando su rostro. Queremos probar que para Bergman este conocimiento consiste en alcanzar la secreta intimidad del sujeto representado, algo que solo puede llevarse a cabo trascendiendo la imagen de su rostro mediante el primer plano. Esto implica que Bergman concibe el cine, en base a las propiedades específicas de sus imágenes, como una herramienta extraordinaria para llegar a la revelación. Para lograr alcanzar ese objetivo principal será necesario plantear objetivos específicos: profundizar en la naturaleza del cine para identificar las propiedades que lo diferencian de otras artes. Lo haremos por varias vías: indagando en el primer plano y en su relación con el montaje, abordando su carácter maquínico e indicial, comparándolo con la fotografía, y relacionando algunas de sus prácticas teatrales con algunas de sus prácticas cinematográficas. Analizar las estrategias cinematográficas que Bergman utiliza para llevar a cabo su propósito, atendiendo a dos grandes aspectos: los recursos estéticos dirigidos a lograr una representación poética de la realidad, y los recursos narrativos que le permiten contextualizar sus rostros en primer plano. Explicar los grandes temas recurrentes de la filmografía de Bergman (la vida, el amor, la muerte…)a la luz de sus estrategias estéticas y narrativas, señalando el papel desempeñado por el rostro en sus películas como lugar para esa «verdad» que adopta varias denominaciones (identidad, alma, o «chispa íntima de la vida», como el propio Bergman lo llama). Aplicar al rostro en primer plano las ideas sobre el umbral como elemento divisoriodel espacio. Analizar la filmografía de Bergman desde un enfoque antropológico vinculado a la tradición teórica de la fotogenia. A la luz de lo anterior, extraer la visión del hombre y del cine que Bergman presenta en sus películas para llegar a una explicación de su enigmática afirmación: «cine es rostro»

2024-01-01T00:00:00Z Herrería Bolado, Manuel http://hdl.handle.net/10366/160132 2025-06-05T12:40:28Z 2024-01-01T00:00:00Z

[ES] En el proceder de los trabajos que analizan diferentes medios de expresión en el con-texto de los estudios de la cultura española, es común enfrentarlos a través del análisis de medios indirectos, los cuales han motivado tendencias y mutaciones desde una segunda línea. Nos referimos a una metodología historiográfica que rastrea tales cambios a través del estudio de la prensa especializada y del cine como lugar de intercambio cultural y social, pudiendo ubicar esta tesis dentro de las líneas de investigación que van más allá del microcosmos cinematográfico. Un objeto de estudio tan específico como la revista Cinema Universitario (1955-1963), ha sido sometido a una contextualización política, social, cultural y cinematográfica a nivel internacional, nacional y local, por tanto, es necesario tener presente que el marco de esta investigación no se limita al estudio aislado de sus avatares durante un período determinado. Es decir, se atiende a las implicaciones de una revista cinematográfica, percibida como un objeto de mediación cultural, social y política, abordando su estudio ‒más allá de una perspectiva sincrónica‒ desde diferentes escenarios históricos. La teoría de los campos de Pierre Bourdieu coloca este objeto cul-tural en diálogo con otro tipo de realidades. El peso de la legitimación cultural del cine, habilitan a la publicación salmantina como parte implicada dentro de la configuración de una nueva crítica y de un nuevo cine en el Estado español. El papel jugado por las élites culturales y políticas durante la década de los años cin-cuenta impulsó el cineclubismo universitario español como uno de los catalizadores de las demandas realistas en torno al cine. En la fundación y actividades del Cineclub Uni-versitario del SEU de Salamanca, embrión de Cinema Universitario, se halla parte de la argamasa que sustentó las teorías e ideología de una revista que se erigió como uno de los más importantes focos disidentes dentro de la crítica y teoría cinematográficas. Su alcance, aunque escaso debido a una precaria economía y asfixiante vigilancia, traspasó las fronteras nacionales. El vaciado y análisis del archivo del Cineclub Universitario del SEU de Salamanca ha permitido desentrañar cuestiones fundacionales, relaciones institucionales y personales que situaron a Salamanca en la órbita del universo cinematográfico. Se presenta un estu-dio con una importante relevancia archivística, a la que hay que sumar la impagable co-laboración de Luciano González Egido, director de la revista con quien hemos podido conversar. [PT] No decurso dos trabalhos que analisam diferentes meios de expressão no contexto dos estudos culturais espanhóis, é comum confrontá-los através da análise de meios indirec-tos, que motivaram tendências e mutações a partir de uma segunda linha. Referimo-nos a uma metodologia historiográfica que rastreia essas mudanças através do estudo da im-prensa especializada e do cinema como lugar de intercâmbio cultural e social, situando assim esta tese nas linhas de investigação que vão para além do microcosmos cinemato-gráfico. Um objeto de estudo tão específico como a revista Cinema Universitario (1955-1963) foi sujeito a uma contextualização política, social, cultural e cinematográfica a ní-vel internacional, nacional e local, pelo que é necessário ter em conta que o enquadra-mento desta investigação não se limita ao estudo isolado das suas vicissitudes durante um determinado período. Ou seja, aborda as implicações de uma revista de cinema, entendida como um objeto de mediação cultural, social e política, abordando o seu estudo - para além de uma perspetiva sincrónica - a partir de diferentes cenários históricos. A teoria de campo de Pierre Bourdieu coloca este objeto cultural em diálogo com outros tipos de realidades. O peso da legitimação cultural do cinema permite que a publicação de Sala-manca seja parte implicada na configuração de uma nova crítica e de um novo cinema no Estado espanhol. O papel desempenhado pelas elites culturais e políticas durante os anos 50 impulsio-nou o cineclube universitário espanhol como um dos catalisadores das exigências realistas em torno do cinema. A fundação e as actividades do Cineclube Universitário do SEU de Salamanca, embrião de Cinema Universitario, fazem parte da argamassa que sustentou as teorias e a ideologia de uma revista que se tornou um dos mais importantes centros dissidentes de crítica e teoria cinematográficas. O seu alcance, embora limitado devido a uma economia precária e a uma vigilância asfixiante, ultrapassou as fronteiras nacionais. O esvaziamento e a análise do arquivo do Cineclube Universitário do SEU de Sala-manca permitiram desvendar as questões fundamentais, as relações institucionais e pes-soais que colocaram Salamanca na órbita do universo cinematográfico. Trata-se de um estudo com uma importante relevância arquivística, ao qual se deve acrescentar a inesti-mável contribuição de Luciano González Egido, diretor da revista, com quem pudemos conversar. [EN] In the course of the works that analyse different means of expression in the context of Spanish cultural studies, it is common to confront them through the analysis of indirect means, which have motivated trends and mutations from a second line. We refer to a historiographic methodology that traces such changes through the study of the specialised press and cinema as a place of cultural and social exchange, being able to place this thesis within the lines of research that go beyond the cinematographic microcosm. An object of study as specific as the magazine Cinema Universitario (1955-1963) has been subjected to a political, social, cultural and cinematographic contextualisation at an international, national and local level, therefore, it is necessary to bear in mind that the framework of this research is not limited to the isolated study of its vicissitudes during a specific period. That is to say, it addresses the implications of a film magazine, perceived as an object of cultural, social and political mediation, approaching its study - beyond a synchronic pers-pective - from different historical scenarios. Pierre Bourdieu's field theory places this cul-tural object in dialogue with other types of realities. The weight of the cultural legitimi-sation of cinema enables the Salamanca publication to be an implicated part of the confi-guration of a new criticism and a new cinema in Spain. The role played by the cultural and political elites during the 1950s gave impetus to the Spanish university film club as one of the catalysts of the realist demands surrounding cinema. In the foundation and activities of the University Film Club of the SEU of Sala-manca, the embryo of Cinema Universitario, is part of the mortar that sustained the theories and ideology of a magazine that became one of the most important dissident centres within film criticism and theory. Its reach, although limited due to a precarious economy and stifling surveillance, crossed national borders. The emptying and analysis of the archive of the University Film Club of the SEU of Salamanca has made it possible to unravel the foundational issues, institutional and per-sonal relationships that placed Salamanca in the orbit of the cinematographic universe. This is a study with an important archival relevance, to which we must add the invaluable collaboration of Luciano González Egido, director of the magazine, with whom we were able to talk.

2024-01-01T00:00:00Z Pina Lanero, Virginia Casandra http://hdl.handle.net/10366/159909 2025-05-28T08:39:26Z 2024-01-01T00:00:00Z

[ES] La presente investigación analiza la dirección de arte y las particularidades iconográficas de la figura del licántropo en la filmografía protagonizada por Jacinto Molina, conocido artísticamente como Paul Naschy. En este trabajo intentaremos demostrar que la triple condición de actor, guionista y ocasionalmente director de Paul Naschy, ha contribuido a singularizar la iconografía del hombre lobo de la mayoría de las películas que ha protagonizado. En este mismo orden de cosas, una de la hipótesis que se van a defender en este trabajo es su condición de «actor como creador». La tesis doctoral traza en su primera parte una genealogía del mito del hombre lobo desde sus orígenes en la mitología, la religión y el folclore popular, pasando por su adopción por la literatura romántica y la llamada «novela gótica», hasta su adopción y popularización a través del cine de terror; primero en la producción fílmica de los estudios Universal Pictures y Hammer Productions (entre 1935 y 1965) y luego en el cine fanta-terrorífico español, a partir de 1967. En la segunda parte del trabajo analizamos en detalle la dirección artística y la evolución iconográfica y narrativa de la figura del hombre lobo en las trece películas, en las que Paul Naschy participó como intérprete, guionista y/o director desde 1968 hasta 2005. En nuestro trabajo se exploran las características estéticas, iconográficas y narrativas de dichas películas y el modus operandi de sus variopintos equipos de producción y realización demostrando que, pese a la precariedad y limitaciones con que fueron filmadas; y a su inevitable relación y dependencia de modelos desarrollados en el cine anglosajón (Universal Pictures y Hammer Productions, sobre todo ), Paul Naschy logró construir a lo largo de su extensa carrera un nuevo arquetipo de licántropo en el que incorpora elementos estéticos e iconográficos provenientes del folclore rural peninsular y de la historia de la pintura española. Tal eclecticismo —que muchas veces fue visto por la crítica como una mixtificación dislocada— permite valorar sus películas como sorprendentes precursoras de las estéticas cinematográficas de la posmodernidad. Palabras clave: autoría; dirección de arte; Paul Naschy; licántropo; folclore; género cinematográfico de terror

2024-01-01T00:00:00Z Gutiérrez Hernández, Alexandra María http://hdl.handle.net/10366/157495 2025-05-28T08:51:22Z 2023-01-01T00:00:00Z

[ES] El presente estudio parte de la siguiente premisa: el Arte de la Montea y el Arte de la Cantería son dos entes indisociables de la arquitectura en piedra en sus dos vertientes, la teórica y la práctica. Así pues, esta investigación ha girado en torno a esos dos grandes ejes: teoría y praxis arquitectónicas. En esta línea, se ha realizado un análisis de la tratadística relacionada con el tema, concentrando los esfuerzos en aquellos tratados o cuadernos de cantería redactados en España durante el siglo XVI y en torno al año 1600, un total de siete obras. Primero estudiadas de manera independiente para después comparar los contenidos teóricos entre ellos tratando de observar sus similitudes, diferencias y si los autores abordaban los problemas canteriles de distintas formas. Además, se ha incluido un repertorio de monteas, trazas y grafitos localizados en algunos de los edificios pétreos más significativos de cuatro ciudades de gran relevancia en España: Salamanca, Jaén, Cuenca y La Vid (Burgos). Asimismo, en algunos casos ha sido posible localizar la correspondencia real construida con respecto al trazado localizado. Por otro lado, en ciertas ocasiones se ha podido comprobar la dimensión teórica de esos rasguños poniéndolos en comparación con la tratadística conservada. [EN] This study is based on the following premise: the art of the montea and the art of stonemasonry are two inseparable entities of stone architecture in its two aspects, the theoretical and the practical. Therefore, this research has revolved around these two main axes: architectural theory and praxis. In this respect, an analysis of the treatises related to the subject has been carried out, concentrating the efforts on those treatises or stonemasonry workbooks written in Spain during the 16th century and around 1600. That is, a total of seven writings. These works have been studied independently in order to compare the theoretical contents between them, trying to observe their similarities, differences and the different ways in which the authors approached the problems related to the stonemasonry trade. In addition, a catalogue of monteas , traces and graphites found in some of the most significant stone buildings in Salamanca, Jaén, Cuenca and La Vid (Burgos) has been included. In some cases, it has been possible to find the built object that corresponds to the tracing located. Also, on certain occasions, it has been possible to verify the theoretical dimension of these scratches by comparing them with the preserved treatises.

2023-01-01T00:00:00Z Ballesteros Massó, Rafael http://hdl.handle.net/10366/153785 2025-04-30T20:23:26Z 2023-01-01T00:00:00Z

[ES]Intentar dilucidar el porqué de la aparición del libro, de su iconografía anatómica, y su papel en la transmisión de los conocimientos mediante la imagen y el lenguaje romance castellano. Integrar los datos biográficos conocidos sobre Valverde y sobre su maestro, el anatomista Realdo Colombo. Analizar el origen del libro de higiene de Valverde y el patronazgo del Cardenal Girolamo Verallo. Repasar el papel del promotor del libro de anatomía de Valverde, el Cardenal Juan Álvarez de Toledo. Actualizar los datos existentes sobre los editores: Antonio de Salamanca y Antonio Lafreri, el impresor Antonio Blado y el grabador Nicolás Beatrizet. Entender los elementos iconográficos clave de la Historia de la composición del cuerpo humano y valorar los datos que señalan a Gaspar Becerra como ilustrador de la Historia. Analizar las ilustraciones más emblemáticas de Valverde: el hombre desollado, la Venus anatómica, los danzantes venosos y las corazas anatómicas. Estudiar las ediciones posteriores del libro de Valverde. Revisar la influencia que ejerció en los autores posteriores y realizar un estudio bibliométrico sobre la obra valverdiana

2023-01-01T00:00:00Z Bohórquez Barrera, Wilson Stiven http://hdl.handle.net/10366/152738 2025-04-30T20:23:26Z 2023-01-01T00:00:00Z

[ES] El presente trabajo de investigación contribuye a la construcción y recuperación de otra historia posible del arte sexualmente disidente en Colombia a través de obras, artistas y proyectos estéticos, militantes y activistas que son poco nombrados o reconocidos en un medio con figuras consagradas históricamente por la crítica; situando así el activismo LGBTIQ+ en un contexto geográfico especifico y estableciendo potenciales uniones o lazos rizomáticos entre la historia oficial y una historia emergente con nuevos personajes y perspectivas. Teniendo como hipótesis principal que la producción artística con temática de disidencia sexual ha constituido en la historia del arte en Colombia, de un lado, un espacio de resguardo para las libertades individuales y, del otro, un aporte para la construcción de sociedad y derrocamiento de paradigmas sexuales, este trabajo se valió de una metodología multidisciplinar que no solo se limita a la investigación documental, sino que también se vale de la crítica de arte, la semiótica o la sociología para poder analizar todo tipo de producción sensible y acercarse a conclusiones que van desde la imagen homosexual como constructora de regímenes de representación o la performance sexualmente disidente como una contracultura en oposición a los valores tradicionales. [EN] This research work contributes to the construction and recovery of another possible history of sexually dissident art in Colombia through works, artists and aesthetic projects, militants and activists who are little named or recognized in a medium with figures historically consecrated by critics; thus situating LGBTIQ+ activism in a specific geographical context and establishing potential unions or rhizomatic ties between the official story and an emerging story with new characters and perspectives. Having as main hypothesis that the artistic production with the theme of sexual dissidence has constituted in the history of art in Colombia, on the one hand, a space of protection for individual liberties and, on the other, a contribution to the construction of society and the overthrow of sexual paradigms, this work used a multidisciplinary methodology that is not only limited to documentary research, but also art criticism, semiotics or sociology to be able to analyze all types of sensitive production and reach conclusions ranging from from the homosexual image as a constructor of representation regimes or the sexually dissident performance as a counterculture in opposition to traditional values.

2023-01-01T00:00:00Z Santamaría Saiz, María Teresa http://hdl.handle.net/10366/152621 2025-04-30T20:23:26Z 2022-01-01T00:00:00Z

[ES] Esta tesis doctoral traza una genealogía de las prácticas artistas que se pueden aglutinar bajo la denominación de arte sonoro en la comunidad de Castilla y León desde la década de los 70 del siglo XX hasta la segunda década del siglo XXI. Este trabajo intenta en su primera parte establecer un marco de referencia teórico que dote de identidad propia a las prácticas de arte sonoro que se vienen produciendo en la comunidad de Castilla y León en un arco temporal que abarca más de cuatro décadas. En su segunda parte, el trabajo aporta una gran cantidad de datos ordenados cronológica y geográficamente, sobre programación, producción, exposiciones, eventos, coleccionismo, formatos artísticos y actividades formativas, en cada una de las nueve provincias de la comunidad de Castilla y León. Para ello se han rastreado las programaciones expositivas (y de eventos y actividades educativas), tanto de instituciones públicas como privadas, así como las colecciones de los principales museos, centros de arte y salas de exposiciones de arte contemporáneo de este territorio con el fin de detectar en ellas la presencia de artistas nacidos o residentes en Castilla y León que emplean el sonido “como medio” en su trabajo. Se intenta demostrar con ello, que las prácticas artísticas que se agrupan bajo la denominación: “arte sonoro”, -sin llegar en ningún caso a ser hegemónicas- han pasado en algo menos de cincuenta años, de la marginalidad a nivel académico y museográfico, a un progresivo proceso de reconocimiento, asimilación y legitimación institucional, que han normalizado la presencia del arte sonoro en las programaciones de centros de arte, galerías y festivales de música y artes escénicas; así como a su integración en las colecciones permanentes de arte contemporáneo de museos públicos y privados de la comunidad de Castilla y León.

2022-01-01T00:00:00Z Matei, Antonio http://hdl.handle.net/10366/152609 2025-04-30T20:23:27Z 2022-01-01T00:00:00Z

[ES] En las últimas décadas los esquemas tradicionales de producción, distribución y exhibición de cine se han visto trastocados drásticamente. La convergencia digital e Internet han jugado un papel fundamental en este sentido, ya que cada vez gozan de un mayor protagonismo en este sentido. El consumo que se genera en la actualidad está caracterizado por la ubicuidad y la instantaneidad, unos factores derivados de los efectos de la sociedad de la velocidad y la cultura de la inmediatez. Los usuarios demandan consumir productos culturales y ver cine dónde, cómo y cuándo quieren. Esto es especialmente apreciable en las generaciones jóvenes, cuyos integrantes pueden ser denominados nativos digitales, ya que es este segmento poblacional quien antes han asimilado los efectos de la evolución tecnológica. [EN] In the last decades, the traditional relationship between producers, distributors, and exhibitors have been experiencing major changes. In this context, the Internet and digital convergence have played a very important role, generating a new kind of audio visual consumption among young adults. This societal segment is characterised for being the one that has first assimilated the technological evolution changes. In today´society, movie consumption habits are defined by the triple A theory: Anything, Anytime, Anywhere, because, influenced by the speed society and the culture of immediacy, that is exactly how users want to have access to digital products.

2022-01-01T00:00:00Z Cruz Niño, Andrés Esteban http://hdl.handle.net/10366/152259 2025-04-30T20:23:27Z 2022-01-01T00:00:00Z

[ES] Al comenzar esta tesis doctoral tenía la hipótesis de que; “Las producciones de animación audiovisual realizadas en Colombia entre 1950 – 2000, utilizaron recursos limitados, y construyeron narrativas que proyectan las contradicciones económicas y la desigualdad social del país”. Ahora, después de años de investigación, entrevistas y revisiones bibliográficas puedo determinar que dicha hipótesis se cumple efectivamente, debido a los siguientes hallazgos. Existieron dos modelos de producción. La mayoría de los textos, trabajos investigativos y entrevistas nos llevan a determinar que existieron dos modelos principales de producción de animación en Colombia entre los años de 1950 y 2000, que se desarrollaron a partir de factores y circunstancias diferenciales, como la formación de los artistas y animadores, las políticas estatales y los requerimientos del mercado. Estos dos modelos son los que hemos denominado animación publicitaria y animación de autor en el presente trabajo. La animación publicitaria, tuvo un importante auge en los 70 y 80, que finalizó a finales de los años 90 debido a las políticas económicas y la llegada de tecnologías informáticas. Otra de las conclusiones a la que he llegado, es que se produjo un aumento exponencial en la producción y distribución de animación publicitaria durante los años 60, 70 y 80 del siglo XX. Debido a la masificación de la televisión, el crecimiento demográfico de la población urbana y la industrialización de algunos sectores de la economía productiva del país. Durante aquellos años, empresarios y comerciantes contrataron agencias de publicidad que subcontrataron talleres de animación que produjeron miles de cortos publicitarios que fueron exhibidos en los principales canales de televisión del país.

2022-01-01T00:00:00Z Mont Muñoz, Ismael http://hdl.handle.net/10366/151480 2023-06-13T04:16:00Z 2022-01-01T00:00:00Z

[ES]Al comienzo de esta tesis doctoral planteamos una serie de objetivos orientados a la revisión de la figura y la obra de Vasco de la Zarza. Dicha labor ha constituido un reto, teniendo en cuenta que hemos tomado como punto de partida la magnífica tesis de Ruiz-Ayúcar, dedicada a nuestro artista. Respecto a dicho trabajo, hemos abordado el estudio del maestro y su producción artística bajo nuevos enfoques y perspectivas con el fin de actualizar y ampliar el conocimiento de este tema.

2022-01-01T00:00:00Z Torrens Bermejo, Mercedes http://hdl.handle.net/10366/149486 2025-04-30T20:23:28Z 2021-01-01T00:00:00Z

[ES] Alentados por el estímulo de tratar de comprender la realidad y las formas organizadas que proliferan en ella emergiendo bellamente en la arquitectura, emprenderemos, con la elaboración de esta tesis, la búsqueda de una teoría de la forma que justifique su origen y progreso. Partiremos de la lógica ontológica de que “lo que existe, existe porque ha superado alguna clase de selección. Superar una selección equivale a superar una prueba de compatibilidad con el resto de la realidad”. “Sólo se puede permanecer si primero se emerge [...]. En otras palabras, de lo que accede a la realidad se (re)selecciona continuamente aquello que puede permanecer”. Con el fin de proyectar este esquema conceptual, comenzaremos eligiendo la definición de conceptos idóneos como el de función que, en el sentido amplio de ganancia, nos ayuden a justificar la emergencia y perseverancia de las formas ordenadas en la naturaleza, para así poder afirmar que, como seres cultos que formamos parte de la cadena evolutiva, emergemos en la realidad en tanto individuos complejos dotados de pensamiento abstracto. Nos autoorganizamos anticipando la incertidumbre del entorno del que formamos parte, seleccionando perceptivamente formas frecuentes, que adoptan configuraciones ordenadas geométricamente por su idoneidad funcional; y, aplicándolas en evocadoras construcciones arquitectónicas, disipamos eficazmente entropía. De tal forma que, siguiendo este patrón hologramático que ordena el mundo, logramos permanecer y perseverar.

2021-01-01T00:00:00Z Gil Segovia, Juan http://hdl.handle.net/10366/149355 2025-04-30T20:23:29Z 2021-01-01T00:00:00Z

[ES] La fotografía, en el ámbito de lo puramente formal, tal y como la entendíamos hace tan solo unos años, era inequívocamente la conjunción de elementos ópticos y mecánicos junto con procedimientos químicos. Sin embargo, al menos desde la década de 1970, se viene trabajando en medios digitales para la obtención de fotografías, una tecnología que ha alcanzado su madurez en los primeros años del siglo XXI. La aparente colisión entre el procedimiento técnico-químico y el técnico-informático se ha podido notar de manera contundente tanto en lo social como en lo artístico, pasando por lo documental. Para algunos/as el cambio excede lo meramente técnico y es tan radical que comienza a hablarse de “postfotografía”, entrando en una nueva era de la imagen. Sin embargo, en esta nueva época, unos medios no han terminado con otros, creándose relaciones simbióticas entre todos ellos. Un aspecto colateral a la llamada revolución digital es la nueva consideración de los procesos fotoquímicos; estos no han desaparecido por la aparición de la imagen digital, por mucho que esta circunstancia fuera vaticinada una y otra vez, pero sí han quedado relegados al uso de profesionales y especialistas de algunos ámbitos, entre ellos los del arte contemporáneo. En este caso se va a poner de relieve no solo el uso de fotografía química por parte de algunos artistas actuales, sino la importancia del proceso mismo en la construcción de la imagen. En el arte contemporáneo, al igual que en otros ámbitos, el impacto de las nuevas tecnologías ha sido notable. Sin embargo, la creación artística es un espacio en el que tienen cabida opciones minoritarias y experimentales. En este caso se aborda la presencia de procesos fotográfico-químicos en la obra de artistas españoles actuales, de manera exclusiva o combinados con procesos digitales. [EN] Only a few years ago the photography was understood as the 15spañ of optical and mechanical elements alongside chemical procedures. However, at least since the 1970s, work has been done on digital media for obtaining photographs, a technology that has reached its maturity in the early years of the 21st century. The apparent collision between the technical-chemical procedure and the technical- computing procedure can be strongly noticed in the social, in the artistic and in the documentary. For some people the change is not only technical and is so radical that people are beginning to talk about “postphotograpy”, entering into a new age of the image. However, in this new age new elements haven’t ended with the others, making symbiotic relations between them. A collateral aspect of the digital revolution is the new consideration of photochemical processes; they have not disappeared because of the digital image has arrived, although that was predicted again and again, but they are almost exclusively used by professionals and specialists in some areas, including contemporary art. In this case we are going to point out not only the use of chemical photography by some today’s artists, but the importance of the process itself for the image construction. In contemporary art, as in other areas, the impact of new technologies has been remarkable However, artistic creation is a space in which minority and experimental options have a place. In this case we deal with the presence of photo- chemical processes in today ́s Spanish artists, in an exclusive way or combined with digital processes.

2021-01-01T00:00:00Z Colón Hernández, Hilian Marí http://hdl.handle.net/10366/149298 2025-04-30T20:23:31Z 2021-01-01T00:00:00Z

[ES] A lo largo del siglo XIX en Occidente, dentro del ámbito de la indumentaria, las mujeres vistieron con una amplia gama de trajes y piezas de adorno que mostraron unos intereses por la moda, ‘el buen gusto’ y la belleza física. La indumentaria, más allá de cumplir con las funciones pragmáticas de protección y atavío, es el espejo de unas mentalidades, creencias, de las relaciones humanas, de una cultura y la economía de una nación en una época determinada. Unas de las piezas que forman una parte esencial del vestir son los accesorios de adorno. Las mujeres en el Puerto Rico decimonónico no fueron la excepción en usar estos objetos, pero ¿estas los frecuentaron y se influenciaron por las modas de la época? Igualmente surge la interrogante, ¿en Puerto Rico hubo artesanos locales que los confeccionaron? ¿Los diseños de estos se basaron en los europeos o surgieron estilos regionales? Esta investigación centra sus estudios en una selección de accesorios de adorno utilizados por mujeres de diferentes clases sociales y etnias (incluyendo a las esclavizadas) en el Puerto Rico de dicha centuria. Se realizaron estudios de los diseños, de su iconografía, de los materiales empleados y sus procesos de fabricación de los accesorios de colecciones de museos, y sus representaciones en retratos en pinturas en óleo, acuarelas, miniaturas, grabados y fotografías. Asimismo, en esta se hizo un estudio interdisciplinario ya que se añadió una amplia gama de recursos que evidencian su creación, venta y uso en el ámbito artesanal, comercial y cultural puertorriqueño. En Puerto Rico las mujeres frecuentaron una amplia gama de accesorios como prendidos, peinetas, flores, sombreros, pañuelos, turbantes, joyas, guantes, abanicos, sombrillas, entre otros. Estos fueron piezas que, escogidas o impuestas, hablaron de una manera visual del comercio, la sensibilidad humana, la sociedad y la cultura decimonónica puertorriqueña. Aunque en Puerto Rico la mano de obra artesanal fue escasa, comparada con la demás fuerza trabajadora de la región, fueron un ente bien activo estableciendo tiendas y creando gremios artesanales. Para mediados y finales de siglo, estos participaron en las Ferias de Exposición Pública donde expusieron sus labores al público en general. Algunos de sus trabajos fueron hechos con materiales del país, lo que demostró un fenómeno de adaptación ya que estos crearon accesorios con los materiales que tuvieron disponible. Del extranjero arribó a Puerto Rico un surtido de materiales y herramientas para los artesanos y mercancía de indumentaria (de procedencia mayormente europea y antillana) para la clientela local. Hubo una alta demanda de estos objetos lo que demarcó el interés social de adornarse y la adaptación de las tendencias por las mujeres. Igualmente, se refleja que el mercado ofreció más opciones con las calidades de sus productos, lo que permitió que las mujeres de diferentes clases sociales pudieran participar de la cultura del vestir. Esta mercancía, por otro lado, también dio a relucir las distinciones, imitaciones y diferenciaciones entre las clases ya que los materiales y la maestría de fabricación del accesorio mostraron sus condiciones sociales. Entre los accesorios concurridos en Puerto Rico, hubo algunos que además de adornar el cuerpo y proyectar belleza, tuvieron connotaciones simbólicas. Uno de estos fue el abanico, el cual fue una extensión del cuerpo femenino, medio de comunicación y proyector de sentimientos de la mujer en una sociedad que le requería que fuera sumisa. En esta tesis se ha demostrado por medio del atavío la diversidad multicultural que se estaba gestando en Puerto Rico. Con esta se ha dado a conocer otros tipos de arte, su singularidad e importancia dentro de la historia cultural por el hecho de que se llevaban consigo en el cuerpo y porque funcionaron como medios de expresión personal. Con este estudio además se ha hecho una aportación a la historia de la indumentaria femenina decimonónica puertorriqueña dentro de su contexto social y cultural.

2021-01-01T00:00:00Z Rojas Bustamante, Juan Pablo http://hdl.handle.net/10366/149008 2023-06-13T02:26:12Z 2021-01-01T00:00:00Z

[ES]La tesis doctoral en Historia del Arte titulada Imagen, discurso y memoria en el convento de San Esteban aborda el objeto de estudio mediante los planteamientos de los estudios visuales desde una perspectiva revisionista e integradora. A partir de la revisión exhaustiva de las fuentes escritas, visuales y arqueológicas se proporciona información inédita con sus correspondientes interpretaciones y conclusiones. Como consecuencia, se ha replanteado la cronología de la fábrica medieval entre mediados del siglo XIII y el primer tercio del siglo XIV, así como la articulación de las principales dependencias desde finales del siglo XV, incidiendo en las transformaciones e historia visual del conjunto a lo largo del siglo XVI. Especial atención ha merecido la fábrica de la iglesia como preocupación central de la Orden de Predicadores en la ciudad. Igualmente, se ha desarrollado la vinculación del cenobio con la Universidad de Salamanca y su relación bidireccional con diferentes casos del asentamiento de los frailes en América, caracterizado por la retroalimentación académica y visual.

2021-01-01T00:00:00Z