http://hdl.handle.net/10366/143103 2026-05-07T03:09:34Z http://hdl.handle.net/10366/170422 [ES] En esta tesis doctoral se analiza y perfila la personalidad artística del arquitecto Manuel de Larra Churriguera (Madrid, 1691-Salamanca, 1755) a través de las obras que realizó fundamentalmente en el segundo cuarto del siglo XVIII (1723-1755). Esta investigación, que abarca una amplia cronología, ya que el protagonista de la misma tuvo una dilatada carrera profesional, parte de una doble constatación: por una parte, cubriendo el importante vacío que aún quedaba sobre su vida y obra a través de la realización de una rigurosa biografía del arquitecto, que hasta ahora no se había llevado a cabo -y las que sí se habían planteado estaban abordadas de forma fragmentaria-, y, por otra, abordando el estudio de su formación en el taller familiar de su tío Joaquín Benito de Churriguera en Salamanca, descartando, por lo tanto, las afirmaciones apuntadas hasta ahora en la historiografía del arte tradicional que le consideraban formado en el taller de otro de sus tíos, Alberto de Churriguera. Por otra parte, entre los principales objetivos de este trabajo de investigación ha estado el análisis de la obra de Manuel de Larra Churriguera a partir de tres criterios de actuación a lo largo de su actividad profesional y que consideramos fundamentales para poder entender su obra. El primero, el de la unidad de estilo, en definitiva, la concinnitas vitruviana, en aquellas obras que tuvo que intervenir y que ya estaban comenzadas, que procedían de épocas pasadas, demostrando y manifestando, asimismo, un absoluto y total respeto por lo ya construido. El segundo, su apuesta personal, en las obras de nueva planta que proyectó y levantó, hacia un lenguaje arquitectónico de gusto clasicista con 8 el que puso de manifiesto su perfecto conocimiento de la tradición edilicia postherreriana. El tercero, y aunque en sus actuaciones como arquitecto se caracterizó por una marcada sobriedad y austeridad, en realidad, una evidente funcionalidad, también es cierto que en el campo de la retablística supo adaptarse a la sensibilidad barroca del momento, característica que puso de manifiesto en los todos retablos que trazó, cuyo movimiento, juego de luces y sombras y exuberante decoración responden a la perfección al adjetivo churrigueresco. En conjunto, este trabajo de investigación aporta una nueva mirada acerca de la persona y la obra de Manuel de Larra Churriguera, situándola -algo que no ocurría hasta el momento- en la primera línea del panorama artístico castellano de la primera mitad del siglo XVIII, superando así aquellos juicios tan negativos que se han venido arrastrando en la historiografía del arte tradicional. 2025-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/170410 [ES] Esta tesis examina las transformaciones del grabado contemporáneo desde un enfoque expandido, concebido no solo como una técnica de reproducción, sino como un lenguaje visual abierto, experimental y situado, capaz de dialogar con el entorno —urbano, natural y digital—. El estudio se articula en cinco capítulos donde se analizan distintas estrategias de creación, intervención y difusión que llevan el grabado fuera del taller, integrándolo en acciones efímeras, recorridos, registros contextuales y procesos colaborativos. En la investigación, se abordan tres hipótesis fundamentales: que las prácticas gráficas vinculadas al entorno amplían los límites del grabado tradicional y redefinen la noción misma de lo gráfico; que estas prácticas contribuyen a la construcción de imaginarios colectivos que inciden en la percepción del paisaje; y que las intervenciones gráficas en el espacio público tienen la capacidad de transformar la experiencia urbana y generar nuevas dinámicas simbólicas y sociales. Entre las estrategias creativas se identifican aquellas en las que el entorno actúa como matriz, soporte y espacio para la impresión. En su función de matriz, se registran huellas o inscripciones de superficies urbanas o naturales. Como soporte, el entorno acoge impresiones, proyecciones u otras intervenciones gráficas efímeras. Y en su condición de espacio de impresión, los agentes externos —como el tránsito urbano, la acción corporal, el agua, la luz o el clima— generan huellas o imágenes desde procesos colaborativos y contingentes. Asimismo, el trabajo contempla diversas estrategias de intervención gráfica: desde el uso del cartel como forma de comunicación crítica, hasta los gestos que alteran elementos urbanos, o las prácticas participativas que involucran a comunidades locales. Estas acciones ponen de relieve la capacidad de la gráfica para activar lo simbólico, lo afectivo y lo político en el espacio común. El tercer capítulo se centra en el impacto de la tecnología digital en la gráfica contemporánea, analizando cómo transforma la representación del entorno a través de imágenes mediadas por pantallas, datos y algoritmos. Se consideran dos líneas principales: una que amplifica lo visible mediante efectos como el pixelado, el alto contraste o el glitch, y otra que genera nuevas visiones del paisaje mediante la apropiación, el montaje o el archivo. Finalmente, se subraya el papel del libro —especialmente el libro de artista— como soporte artístico y dispositivo de difusión. Estas publicaciones no solo documentan procesos y acciones gráficas, sino que producen nuevas narrativas visuales a partir de fragmentos, recorridos, cartografías, archivos o gestos cotidianos.; [EN] This thesis examines the transformations of contemporary printmaking from an expanded perspective, conceived not merely as a reproductive technique but as an open, experimental, and situated visual language capable of engaging in dialogue with the urban, natural, and digital environment. The study is structured into five chapters that analyze diverse strategies of creation, intervention, and dissemination that take printmaking beyond the studio, integrating it into ephemeral actions, itineraries, contextual records, and collaborative processes. The research addresses three central hypotheses: first, that graphic practices connected to the environment expand the boundaries of traditional printmaking and redefine the very notion of the graphic; second, that these practices contribute to the construction of collective imaginaries that shape the perception of the landscape; and third, that graphic interventions in public space have the capacity to transform urban experience and generate new symbolic and social dynamics. Among the creative strategies identified are those in which the environment acts as matrix, support, and printing space. As a matrix, it registers traces or imprints of urban or natural surfaces. As support, it hosts impressions, projections, or other ephemeral graphic interventions. And as a printing space, external agents—such as urban transit, bodily action, water, light, or climate—produce traces or images through contingent and collaborative processes. The work also considers a variety of strategies of graphic intervention: from the use of the poster as a form of critical communication, to gestures that alter urban elements, or participatory practices involving local communities. These actions highlight the ability of printmaking to activate the symbolic, the affective, and the political within the shared space. The third chapter focuses on the impact of digital technology on contemporary printmaking, analyzing how it transforms the representation of the environment through images mediated by screens, data, and algorithms. Two main lines are considered: one that amplifies the visible through effects such as pixelation, high contrast, or glitch; and another that generates new visions of the landscape through appropriation, montage, or archival practices. Finally, the thesis underscores the role of the book—particularly the artist’s book— as both artistic medium and a vehicle for circulation and dissemination. These publications not only document graphic processes and actions but also produce new visual narratives built from fragments, itineraries, cartographies, archives, or everyday gestures 2025-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/169749 [ES] Esta tesis doctoral analiza la representación del monarca Carlos II a través del retrato de pequeño formato durante su reinado (1665-1700). El estudio abarca un amplio espectro de objetos —retraticos, miniaturas, monedas, medallas, y otros soportes— que comparten una característica común: la plasmación de la efigie regia a escala reducida, concebida para ser portátil, manipulable y de fácil circulación, tanto en espacios públicos como privados. La investigación examina también algunas imágenes en las que figuran la reina Mariana de Austria, madre del monarca, y sus dos esposas, María Luisa de Orleans y Mariana de Neoburgo. El trabajo parte de una doble constatación: por un lado, hasta fechas relativamente recientes, los especialistas han prestado escasa atención al reinado de Carlos II, en buena medida debido a su tradicional desvalorización histórica; por otro, los retratos de pequeño formato han sido poco estudiados y, además, abordados de forma fragmentaria. A su vez, se evidencia que la incorporación de la numismática en las investigaciones de la historia del arte sobre este periodo ha sido generalmente limitada. Por lo tanto, la tesis pretende cubrir este vacío mediante un análisis integral, crítico y sistemático de los pequeños retratos, que asimismo permita destacar su relevancia histórica y profundizar en las estrategias visuales de construcción, representación y difusión del poder de la monarquía española a finales del siglo XVII. Además, entre los objetivos secundarios, se presta especial atención a los usos, funciones y espacios de circulación y visibilidad que estos objetos tuvieron en su contexto. La investigación ha logrado reunir y examinar un corpus heterogéneo de imágenes —ejecutadas en distintas técnicas y soportes, y procedentes de orígenes geográficos diversos— que conforma un panorama amplio y representativo de este tipo de objetos. Para ello, se han incorporado piezas inéditas o escasamente estudiadas, junto con la actualización y el enriquecimiento de la bibliografía existente con publicaciones tanto españolas como internacionales. Asimismo, se ha adoptado una perspectiva metodológica que articula distintas disciplinas: la historia del arte, la iconografía, la historia política, la numismática y los estudios sobre moda y joyería. En conjunto, este trabajo aporta una nueva mirada sobre la representación regia en la época de Carlos II al proponer una lectura integral y contextualizada del retrato en formato reducido, superando los enfoques previos y contribuyendo a su revalorización en el marco historiográfico actual.; [EN] This doctoral thesis analyzes the representation of King Charles II of Spain through smallformat portraiture during his reign (1665-1700). The study examines a wide range of objects— retraticos, miniatures, coins, medals, and other media—that share a common characteristic: the depiction of the royal image at a reduced scale, conceived to be portable, manipulable, and easily distributed, both in public and private spaces. This research also considers representations of Queen Mariana of Austria, the king’s mother, and his two wives, Marie Louise d’Orléans and Maria Anna of Neuburg. This work is based on a twofold observation: first, that until relatively recently, scholars have not paid much attention to the reign of Charles II, largely due to its traditional historical undervaluation; and second, that small-format portraits have remained little studied and, what is more, have been approached in a fragmented way. It is also evident that the incorporation of numismatics into art historical research on this period has generally been limited. This thesis therefore aims to fill this gap through a comprehensive, critical, and systematic analysis of small-format portraits, not only to highlight their historical significance but also to explore the visual strategies used to construct, represent, and disseminate the power of the Spanish monarchy in the late 17th century. Furthermore, as a secondary objective, the study closely investigates the uses and functions of these objects, along with their visibility and circulation within their historical setting. This research has compiled and studied a heterogeneous corpus of images—executed using different techniques and media and originating from diverse geographical contexts—that provides a broad and representative overview of this type of object. To achieve this, it has included unexamined or rarely studied works and updated and enriched the existing bibliography with both Spanish and international publications. Additionally, it has adopted a methodological approach that integrates multiple disciplines: art history, iconography, political history, numismatics, and studies on fashion and jewelry. In sum, this work offers a new perspective on royal representation during the time of Charles II by proposing a comprehensive and contextualized reading of small-format portraiture, moving beyond previous approaches and contributing to its revaluation within the current historiographical landscape. 2025-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/164934 [ES]Estudio sobre el trabajo pictórico de una serie de artistas, mayoritariamente europeos, en las dos últimas décadas del siglo XX. En esta selección se reconoce y describe un comportamiento de respuesta, tanto a la corriente artística imperante que les afecta, como al tránsito al siglo XXI después de un siglo plagado de ismos que acaba. Por medio del análisis de sus obras, desde diferentes criterios, se obtienen unas conclusiones que permiten pensar que los autores seleccionados adoptan una actitud de retirada, optan por un trabajo reflexivo y atemporal, alejado de la prisa imperante y de las reglas del mercado impuestas. Para ello utilizan herramientas extraídas del mundo de la abstracción pictórica alrededor de la contención, la fragilidad, la geometría y la futilidad como medio de expresión, y única posibilidad para la construcción de la imagen. Dicha actitud es individual y autónoma. No hay indicios ni voluntad de establecer un género ni un movimiento. Sus trabajos mantienen un pulso con la Historia del arte, mostrando ciertas deudas con las vanguardias experimentales del siglo XX.; [EN]A study of the pictorial work of a series of european artists in the last two decades of the 20th century, in which we recognize and describe their behavior in response both to the prevailing artistic trend that affects them and to the transition to the 21st century after a century filled by isms that is coming to an end. Through the analysis of their work using different criteria, conclusions are drawn that allow us to think that the selected authors adopt an attitude of withdrawal, opting for a reflexive and timeless work, far removed from the prevailing haste and the rules imposed by the market. To do so, they use concepts coming from the world of abstract painting that embrace containment, fragility, geometry and futility as a mean of expression, and the only possibilities for the construction of an image. This attitude is individual and autonomous. There are no indicies or desires to establish a genre or a movement. Their works stay in touch with the history of art, showing certain links with the experimental avant-gardes of the 20th century. 2025-03-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/163942 [ES]En esta tesis doctoral se aborda el papel de la Sección Femenina de Falange Española Tradicionalista y de las JONS como instrumento destinado al control y al encuadramiento de la mujer española durante el primer franquismo (1939-1945). Profundizando en el complejo y poliédrico entramado musical que esta organización articuló alrededor de las agrupaciones de Coros y Danzas, el objetivo de este trabajo consiste en analizar la configuración y transmisión de modelos de género a partir de su dimensión músicopopular. Metodológicamente asentada sobre fuentes documentales, bibliográficas, hemerográficas, legislativas y audiovisuales, en esta investigación se ha diseñado de manera específica un modelo analítico de carácter tridimensional, el cual ha sido aplicado sobre cuatro estudios de caso. La primera de sus categorías examina los procesos llevados a cabo para la estipulación y difusión de modelos identitarios a partir de la constitución de un repertorio específico. Estandarizado mediante iniciativas como la edición de cancioneros, se consolida a través de su utilización en las dinámicas de instrucción musical perfiladas por esta institución. Concretamente, la Falange femenina restringe las posibilidades musicales de la mujer española a campos como la música litúrgica, los himnos políticos y las canciones populares. Por su parte, la segunda categoría tiene que ver con el control ejercido sobre el ámbito performativo, transformando lo supuestamente tradicional en un espectáculo, fiscalizando la exhibición pública de su cuerpo en movimiento y circunscribiendo su agencia musical a un perfil eminentemente vocal y coreográfico. Por último, la tercera categoría se corresponde con la concreción de los ámbitos contextuales y programáticos en los que la performance de un corpus musical definido pudo tener lugar y ser institucionalmente tolerada: eventos litúrgicos, eventos políticos y festividades populares. Finalmente, este modelo tridimensional también ha sido utilizado para realizar un ejercicio comparativo entre las políticas músico-populares promovidas por el franquismo y por el Estado Novo durante un período tan convulso y particular como el ámbito temporal al que se circunscribe esta investigación. Constatando la existencia de paralelismos sistémicos y estructurales entre ambos regímenes, de objetivos musicales y extramusicales análogos, de plataformas y órganos con funciones y responsabilidades semejantes, la profundización en esta cuestión ha sido igualmente planteada desde una perspectiva de género.; [EN]This PhD dissertation addresses the role of the Sección Femenina de Falange Española Tradicionalista y de las JONS as an instrument designed for the control and organization of Spanish women during the primer franquismo (1939-1945). Delving into the complex and multifaceted musical structure that this organisation articulated around the groups of Choirs and Dances, the aim of this work is to analyse the configuration and transmission of gender models from its musical-popular dimension. Methodologically based on documentary, bibliographic, hemerographic, legislative and audiovisual sources, a threedimensional analytical model has been specifically developed in this research, which has been applied to four case studies. The first of its categories examines the processes carried out for the stipulation and dissemination of identity models based on the constitution of a specific repertoire. Standardised through initiatives such as the publication of songbooks, it is consolidated through its use in the dynamics of musical instruction outlined by this institution. Specifically, the Falange femenina restricts the musical possibilities of Spanish women to fields such as liturgical music, political hymns and popular songs. The second category is related to the control exercised over the performative sphere, transforming the supposedly traditional into a spectacle, controlling the public exhibition of her body in movement and circumscribing her musical agency to an eminently vocal and choreographic profile. Finally, the third category corresponds to the concretisation of the contextual and programmatic ambits in which the performance of a defined musical corpus could take place and be institutionally tolerated: liturgical events, political events and popular festivities. Finally, this three-dimensional model has also been used to carry out a comparative exercise between the musical-popular policies promoted by the Francoism and the Estado Novo during a period as convulsive and particular as the time frame to which this research is circumscribed. Noting the existence of systemic and structural parallels between the two regimes, of similar musical and extra-musical objectives, of platforms and bodies with similar functions and esponsibilities, the study of this question has also been approached from a gender perspective 2025-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/163799 [ES]El propósito de esta investigación es estudiar el discurso que se construye en torno a las tendencias estéticas del repertorio interpretado por las orquestas Filarmónica y Sinfónica de La Habana durante la década de los años veinte del siglo pasado. Estas orquestas, que rivalizaron en sus primeros años de existencia, expresan cómo se articulan diversas construcciones y representaciones de lo nacional en la música, a partir de los significados creados en torno a sus conciertos. Aunque es común referirse a dicha rivalidad, no se ha examinado en detalle cómo se desarrolló. Este estudio busca explorar cómo se manifestaron discursivamente estas luchas por el sentido en el ámbito intelectual y cultural, en un contexto donde las vanguardias y los sectores conservadores defendían visiones opuestas sobre la expresión musical nacional. En este empeño, los recortes de artículos y críticas de prensa general, recopilados en álbumes provenientes de los fondos personales e institucionales del Museo Nacional de la Música de La Habana, Cuba, se consideran textos comunicativos que tanto influyen como son influenciados por los procesos de creación de significado en torno a los conciertos y las orquestas. A su vez, estos conciertos constituyen las prácticas culturales que generan dichos procesos, donde se define la orientación estética del repertorio 2024-12-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/161213 [SPA]La presente tesis doctoral propone el estudio del repertorio de música española interpretado por la Schola Cantorum de Nueva York en el teatro Carnegie Hall entre 1918 y 1926 a partir de tres directrices fundamentales: las condicionantes que propiciaron su llegada a la costa este de los Estados Unidos, la identificación de las vías de acceso al mismo y su tipología. Desde esta perspectiva se ha indagado en las condicionantes que confluyeron desde finales del siglo XIX hasta los años treinta del XX catapultando el interés, en sectores de élite de ciudades como Nueva York, por la cultura y el arte hispano, fundamentalmente el español, fenómeno conocido como Spanish Craze. Su impacto fue significativo en la programación del teatro Carnegie Hall, uno de los epicentros culturales de la jet set de Manhattan. Si bien existía un contexto favorable, el análisis de acontecimientos puntuales que determinaron el rumbo de los primeros diecisiete años de historia de la Schola Cantorum de Nueva York, ha demostrado que la llegada de música española a los recitales de la sociedad coral en el mencionado teatro fue una consecuencia lógica del camino transitado previamente por la agrupación y que su director musical, Kurt Schindler, fue el principal artífice de dicho proceso. De esto se desprende que la principal vía de acceso al repertorio en cuestión fuesen los vínculos profesionales y personales que desarrolló el músico alemán con compositores españoles vinculados con el movimiento coral que desde la segunda mitad del siglo XIX comenzó a gestarse en zonas del norte y este de España, fundamentalmente del entorno del Orfeó Català y en menor medida de la Sociedad Coral de Bilbao y el Orfeón Donostiarra. Esto justifica que el sesenta y nueve por ciento de las obras españolas interpretadas por el coro de manera casi ininterrumpida a lo largo de ocho años fueran armonizaciones de canciones populares españolas, fundamentalmente catalanas y vascas; repertorio que en parte fue publicado en colecciones de la editorial Oliver Ditson Company. 2024-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/161212 [SPA]El objetivo principal de este trabajo será demostrar que la obra de Bergman supone una continua búsqueda de respuestas en torno al hombre y al cine, y que para hacer sus preguntas utiliza el primer plano como un recurso formal del cine especialmente apto para conocer al otro filmando su rostro. Queremos probar que para Bergman este conocimiento consiste en alcanzar la secreta intimidad del sujeto representado, algo que solo puede llevarse a cabo trascendiendo la imagen de su rostro mediante el primer plano. Esto implica que Bergman concibe el cine, en base a las propiedades específicas de sus imágenes, como una herramienta extraordinaria para llegar a la revelación. Para lograr alcanzar ese objetivo principal será necesario plantear objetivos específicos: profundizar en la naturaleza del cine para identificar las propiedades que lo diferencian de otras artes. Lo haremos por varias vías: indagando en el primer plano y en su relación con el montaje, abordando su carácter maquínico e indicial, comparándolo con la fotografía, y relacionando algunas de sus prácticas teatrales con algunas de sus prácticas cinematográficas. Analizar las estrategias cinematográficas que Bergman utiliza para llevar a cabo su propósito, atendiendo a dos grandes aspectos: los recursos estéticos dirigidos a lograr una representación poética de la realidad, y los recursos narrativos que le permiten contextualizar sus rostros en primer plano. Explicar los grandes temas recurrentes de la filmografía de Bergman (la vida, el amor, la muerte…)a la luz de sus estrategias estéticas y narrativas, señalando el papel desempeñado por el rostro en sus películas como lugar para esa «verdad» que adopta varias denominaciones (identidad, alma, o «chispa íntima de la vida», como el propio Bergman lo llama). Aplicar al rostro en primer plano las ideas sobre el umbral como elemento divisoriodel espacio. Analizar la filmografía de Bergman desde un enfoque antropológico vinculado a la tradición teórica de la fotogenia. A la luz de lo anterior, extraer la visión del hombre y del cine que Bergman presenta en sus películas para llegar a una explicación de su enigmática afirmación: «cine es rostro» 2024-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/160132 [ES] En el proceder de los trabajos que analizan diferentes medios de expresión en el con-texto de los estudios de la cultura española, es común enfrentarlos a través del análisis de medios indirectos, los cuales han motivado tendencias y mutaciones desde una segunda línea. Nos referimos a una metodología historiográfica que rastrea tales cambios a través del estudio de la prensa especializada y del cine como lugar de intercambio cultural y social, pudiendo ubicar esta tesis dentro de las líneas de investigación que van más allá del microcosmos cinematográfico. Un objeto de estudio tan específico como la revista Cinema Universitario (1955-1963), ha sido sometido a una contextualización política, social, cultural y cinematográfica a nivel internacional, nacional y local, por tanto, es necesario tener presente que el marco de esta investigación no se limita al estudio aislado de sus avatares durante un período determinado. Es decir, se atiende a las implicaciones de una revista cinematográfica, percibida como un objeto de mediación cultural, social y política, abordando su estudio ‒más allá de una perspectiva sincrónica‒ desde diferentes escenarios históricos. La teoría de los campos de Pierre Bourdieu coloca este objeto cul-tural en diálogo con otro tipo de realidades. El peso de la legitimación cultural del cine, habilitan a la publicación salmantina como parte implicada dentro de la configuración de una nueva crítica y de un nuevo cine en el Estado español. El papel jugado por las élites culturales y políticas durante la década de los años cin-cuenta impulsó el cineclubismo universitario español como uno de los catalizadores de las demandas realistas en torno al cine. En la fundación y actividades del Cineclub Uni-versitario del SEU de Salamanca, embrión de Cinema Universitario, se halla parte de la argamasa que sustentó las teorías e ideología de una revista que se erigió como uno de los más importantes focos disidentes dentro de la crítica y teoría cinematográficas. Su alcance, aunque escaso debido a una precaria economía y asfixiante vigilancia, traspasó las fronteras nacionales. El vaciado y análisis del archivo del Cineclub Universitario del SEU de Salamanca ha permitido desentrañar cuestiones fundacionales, relaciones institucionales y personales que situaron a Salamanca en la órbita del universo cinematográfico. Se presenta un estu-dio con una importante relevancia archivística, a la que hay que sumar la impagable co-laboración de Luciano González Egido, director de la revista con quien hemos podido conversar. [PT] No decurso dos trabalhos que analisam diferentes meios de expressão no contexto dos estudos culturais espanhóis, é comum confrontá-los através da análise de meios indirec-tos, que motivaram tendências e mutações a partir de uma segunda linha. Referimo-nos a uma metodologia historiográfica que rastreia essas mudanças através do estudo da im-prensa especializada e do cinema como lugar de intercâmbio cultural e social, situando assim esta tese nas linhas de investigação que vão para além do microcosmos cinemato-gráfico. Um objeto de estudo tão específico como a revista Cinema Universitario (1955-1963) foi sujeito a uma contextualização política, social, cultural e cinematográfica a ní-vel internacional, nacional e local, pelo que é necessário ter em conta que o enquadra-mento desta investigação não se limita ao estudo isolado das suas vicissitudes durante um determinado período. Ou seja, aborda as implicações de uma revista de cinema, entendida como um objeto de mediação cultural, social e política, abordando o seu estudo - para além de uma perspetiva sincrónica - a partir de diferentes cenários históricos. A teoria de campo de Pierre Bourdieu coloca este objeto cultural em diálogo com outros tipos de realidades. O peso da legitimação cultural do cinema permite que a publicação de Sala-manca seja parte implicada na configuração de uma nova crítica e de um novo cinema no Estado espanhol. O papel desempenhado pelas elites culturais e políticas durante os anos 50 impulsio-nou o cineclube universitário espanhol como um dos catalisadores das exigências realistas em torno do cinema. A fundação e as actividades do Cineclube Universitário do SEU de Salamanca, embrião de Cinema Universitario, fazem parte da argamassa que sustentou as teorias e a ideologia de uma revista que se tornou um dos mais importantes centros dissidentes de crítica e teoria cinematográficas. O seu alcance, embora limitado devido a uma economia precária e a uma vigilância asfixiante, ultrapassou as fronteiras nacionais. O esvaziamento e a análise do arquivo do Cineclube Universitário do SEU de Sala-manca permitiram desvendar as questões fundamentais, as relações institucionais e pes-soais que colocaram Salamanca na órbita do universo cinematográfico. Trata-se de um estudo com uma importante relevância arquivística, ao qual se deve acrescentar a inesti-mável contribuição de Luciano González Egido, diretor da revista, com quem pudemos conversar. [EN] In the course of the works that analyse different means of expression in the context of Spanish cultural studies, it is common to confront them through the analysis of indirect means, which have motivated trends and mutations from a second line. We refer to a historiographic methodology that traces such changes through the study of the specialised press and cinema as a place of cultural and social exchange, being able to place this thesis within the lines of research that go beyond the cinematographic microcosm. An object of study as specific as the magazine Cinema Universitario (1955-1963) has been subjected to a political, social, cultural and cinematographic contextualisation at an international, national and local level, therefore, it is necessary to bear in mind that the framework of this research is not limited to the isolated study of its vicissitudes during a specific period. That is to say, it addresses the implications of a film magazine, perceived as an object of cultural, social and political mediation, approaching its study - beyond a synchronic pers-pective - from different historical scenarios. Pierre Bourdieu's field theory places this cul-tural object in dialogue with other types of realities. The weight of the cultural legitimi-sation of cinema enables the Salamanca publication to be an implicated part of the confi-guration of a new criticism and a new cinema in Spain. The role played by the cultural and political elites during the 1950s gave impetus to the Spanish university film club as one of the catalysts of the realist demands surrounding cinema. In the foundation and activities of the University Film Club of the SEU of Sala-manca, the embryo of Cinema Universitario, is part of the mortar that sustained the theories and ideology of a magazine that became one of the most important dissident centres within film criticism and theory. Its reach, although limited due to a precarious economy and stifling surveillance, crossed national borders. The emptying and analysis of the archive of the University Film Club of the SEU of Salamanca has made it possible to unravel the foundational issues, institutional and per-sonal relationships that placed Salamanca in the orbit of the cinematographic universe. This is a study with an important archival relevance, to which we must add the invaluable collaboration of Luciano González Egido, director of the magazine, with whom we were able to talk. 2024-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/159909 [ES] La presente investigación analiza la dirección de arte y las particularidades iconográficas de la figura del licántropo en la filmografía protagonizada por Jacinto Molina, conocido artísticamente como Paul Naschy. En este trabajo intentaremos demostrar que la triple condición de actor, guionista y ocasionalmente director de Paul Naschy, ha contribuido a singularizar la iconografía del hombre lobo de la mayoría de las películas que ha protagonizado. En este mismo orden de cosas, una de la hipótesis que se van a defender en este trabajo es su condición de «actor como creador». La tesis doctoral traza en su primera parte una genealogía del mito del hombre lobo desde sus orígenes en la mitología, la religión y el folclore popular, pasando por su adopción por la literatura romántica y la llamada «novela gótica», hasta su adopción y popularización a través del cine de terror; primero en la producción fílmica de los estudios Universal Pictures y Hammer Productions (entre 1935 y 1965) y luego en el cine fanta-terrorífico español, a partir de 1967. En la segunda parte del trabajo analizamos en detalle la dirección artística y la evolución iconográfica y narrativa de la figura del hombre lobo en las trece películas, en las que Paul Naschy participó como intérprete, guionista y/o director desde 1968 hasta 2005. En nuestro trabajo se exploran las características estéticas, iconográficas y narrativas de dichas películas y el modus operandi de sus variopintos equipos de producción y realización demostrando que, pese a la precariedad y limitaciones con que fueron filmadas; y a su inevitable relación y dependencia de modelos desarrollados en el cine anglosajón (Universal Pictures y Hammer Productions, sobre todo ), Paul Naschy logró construir a lo largo de su extensa carrera un nuevo arquetipo de licántropo en el que incorpora elementos estéticos e iconográficos provenientes del folclore rural peninsular y de la historia de la pintura española. Tal eclecticismo —que muchas veces fue visto por la crítica como una mixtificación dislocada— permite valorar sus películas como sorprendentes precursoras de las estéticas cinematográficas de la posmodernidad. Palabras clave: autoría; dirección de arte; Paul Naschy; licántropo; folclore; género cinematográfico de terror 2024-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/159761 [ES]La presente tesis doctoral se va a centrar en la mencionada Cátedra "Francisco de Salinas" de la Universidad de Salamanca. Nuestra investigación pretende realizar un análisis del contexto y las circunstancias que la rodearon, de las redes culturales, intelectuales y humanas a través de las que nace y se articula, así como el impacto y la recepción de las actividades tanto de difusión como de formación musical. Dentro de este último propósito nos planteamos como principales focos de estudio la difusión de la música popular de tradición oral y la canción protesta, que principalmente tuvieron cabida a través de los conciertos con una importante presencia. Por otro lado, queremos prestar atención a la gran diversidad de perfiles de músicos que participaron en los mismos, que son resultado de la gran cantidad de eventos tanto conciertos como "Ciclos de Intérpretes Universitarios" programados. De esta manera, entre ellos encontramos desde jóvenes estudiantes, pasando por concertistas hombres y mujeres hasta españoles y extranjeros, de los que se derivan distintos comportamientos o maneras de recibir su música que nos aportan información sobre el pensamiento predominante en la sociedad del momento. Asimismo, uno de los aspectos que han sido fundamentales para la elección de nuestro tema es la presencia de las actividades de carácter pedagógico, representadas fundamentalmente por los cursos de formación musical y las conferencias. Esto se debe a que supusieron, aunque con un carácter más libre y esporádico, la recuperación de la enseñanza musical en la universidad salmantina, siendo el paso anterior a implantarse los estudios de Musicología en la misma en el año 1989. 2024-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/159584 [ES]Partiendo de los procesos de resignificación de la cultura popular y el folklore en España presento un estudio de la representación de modelos de género desde las reinterpretaciones de música tradicional desde los años 60 hasta la actualidad. Dado el contexto en el que se desarrolla esta resignificación, los modelos de mujer planteados responden al objetivo de construir y deconstruir modelos de género que en su origen suponen una forma de oposición a las políticas culturales franquistas y posteriormente toman el objetivo de contribuir a la agenda feminista. Este movimiento se podría considerar como revival folk ya que se fundamenta en el uso y puesta en valor de la música y la tradición con un objetivo social. Por tanto, el objetivo de esta investigación es analizar la construcción simbólica del revival folk y su contexto social, considerando tanto elementos musicales, sociales y los vínculos entre estas propuestas. Esta investigación tiene en cuenta la perspectiva de diferentes artistas enmarcadas dentro de este movimiento y cuya actividad artística se ha desarrollado en las diferentes etapas a examinar. Así, los proyectos artísticos desarrollan contenidos que buscan formular nuevos modelos de género y provocar una reflexión critica sobre los modelos vigentes de forma que esta actividad creativa tiene un impacto en la sociedad y al mismo tiempo refleja los cambios sociales de la época. En definitiva, esta tesis contribuye a la disciplina de la etnomusicología en tres aspectos: (1) el análisis desarrollo a lo largo de diferentes épocas de los conceptos cultura popular y folklore en España;(2) el estudio de las diferentes reproducciones de modelos de género en la música popular española;(3) la comprensión de los significados y universo conceptual tras las propuestas musicales del revival folk con perspectiva de género. 2023-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/158836 [ES] En la educación musical de los niños, la música culta occidental ha sido ampliamente analizada. Sin embargo, la mayor parte del repertorio de diferentes canciones tradicionales son casi desconocidas por esta audiencia a pesar del impacto que tienen en nuestra cultura. La globalización, la migración desde pueblos a las grandes ciudades y la pérdida del contexto en el que esta música ha sido concebida son factores que han dificultado aún más su transmisión. La presente investigación pretende dar solución a esta problemática pues se plantea con el fin de contribuir al paradigma actual en el campo de la Educación Obligatoria en España con relación a la implementación de la música tradicional como recurso didáctico para profundizar en los aspectos musicales y de la cultura vernácula y constatar cómo las nuevas tecnologías favorecen y allanan la labor docente en las aulas de música. En este sentido, pese a que la relación de la didáctica de la música y las tecnologías digitales ha sido muy fructífera y estrecha en las últimas décadas con la presencia de las TIC generalizada en cualquier contexto y entorno educativo, la aplicación de los desarrollos propios de las Humanidades Digitales ofrece un avance significativo y un horizonte de nuevas perspectivas en el ámbito de la Educación Musical con el objetivo claro e irrenunciable de hacer de esta una práctica más creativa que fomente la compresión profunda de esta expresión artística inmaterial e tan idiosincrática. Por lo tanto, a través de la conceptualización de una base de datos como recurso para profesores, esta investigación pretende examinar cómo la música popular de tradición oral contribuye a la consecución de las competencias y objetivos curriculares en las aulas de la enseñanza secundaria obligatoria y a garantizar la conservación del repertorio seleccionado como una práctica viva. [EN] In children's music education, Western classical music has been widely analyzed. However, most of the repertoire of different traditional songs are almost unknown to this audience despite the impact they have on our culture. Globalization, migration from villages to big cities and the loss of the context in which this music has been conceived are factors that have made its transmission even more difficult. This research aims to provide a solution to this problem, as it is proposed with the aim of contributing to the current paradigm in the field of compulsory education in Spain in relation to the implementation of traditional music as a didactic resource to deepen musical aspects and vernacular culture, and to confirm how new technologies favor and facilitate the teaching work in music classrooms. In this sense, although the relationship between music teaching and digital technologies has been very fruitful and close in recent decades with the widespread presence of ICT in any educational context and environment, the application of developments in the Digital Humanities offers a significant advance and a horizon of new perspectives in the field of Music Education with the clear and undeniable aim of making this a more creative practice that fosters the deep understanding of this immaterial and idiosyncratic artistic expression. Therefore, through the conceptualization of a database as a resource for teachers, this research aims to examine how popular music of oral tradition contributes to the achievement of curricular competences and objectives in compulsory secondary education classrooms and to ensure the preservation of the selected repertoire as a living practice. 2024-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/158290 [EN] This thesis explores the representation of gender models in traditional music reinterpretations from the 60’s up to the present, grounding in the shifting meanings of popular culture and folk. Women’s gender roles depicted in these musical practices respond to the aim of constructing and deconstructing gender roles due to the context where this re-signifying process takes place. In other words, my study case emerges as a cultural opposition to Francoist cultural policies, and subsequently, it contributes to the feminist agenda. Therefore, according to the existent literature, this movement could be labelled as revival folk, as it is based on the use and promotion of music and tradition as a social force. Specifically, the main purpose of this research is to analyse the symbolic constructions of the folk revival and its social context, taking into account musical and social aspects, and the ties between artistic practices. For this purpose, the research relies on the perspectives given by diverse artists belonging to this movement and whose artistic activities took place on the different periods examined. Thus, these artistic projects intend to raise alternative gender models and encourage critical reflections on current gender perspectives in such a way this creative activity transforms society while it reflects social changes of the time. Certainly, this doctoral thesis contributes to ethnomusicology in three main aspects: (1) analysing the development of the concepts of popular culture and folk in Spain through different historical periods; (2) examining different ways of constructing female gender roles in Spanish popular music; (3); advance towards the understanding of concealed meanings in the music projects framed in gendered revival folk. [ES] Partiendo de los procesos de resignificación de la cultura popular y el folklore en España presento un estudio de la representación de modelos de género desde las reinterpretaciones de música tradicional desde los años 60 hasta la actualidad. Dado el contexto en el que se desarrolla esta resignificación, los modelos de mujer planteados responden al objetivo de construir y deconstruir modelos de género que en su origen suponen una forma de oposición a las políticas culturales franquistas y posteriormente toman el objetivo de contribuir a la agenda feminista. Este movimiento se podría considerar como revival folk ya que se fundamenta en el uso y puesta en valor de la música y la tradición con un objetivo social. Por tanto, el objetivo de esta investigación es analizar la construcción simbólica del revival folk y su contexto social, considerando tanto elementos musicales, sociales y los vínculos entre estas propuestas. Esta investigación tiene en cuenta la perspectiva de diferentes artistas enmarcadas dentro de este movimiento y cuya actividad artística se ha desarrollado en las diferentes etapas a examinar. Así, los proyectos artísticos desarrollan contenidos que buscan formular nuevos modelos de género y provocar una reflexión critica sobre los modelos vigentes de forma que esta actividad creativa tiene un impacto en la sociedad y al mismo tiempo refleja los cambios sociales de la época. En definitiva, esta tesis contribuye a la disciplina de la etnomusicología en tres aspectos: (1) el análisis desarrollo a lo largo de diferentes épocas de los conceptos cultura popular y folklore en España;(2) el estudio de las diferentes reproducciones de modelos de género en la música popular española;(3) la comprensión de los significados y universo conceptual tras las propuestas musicales del revival folk con perspectiva de género. 2023-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/158246 [ES] El principal objetivo de esta tesis doctoral es conocer, cómo, cuándo y por qué la Sección Femenina de Falange Española Tradicionalista y las Juntas de Ofensiva Nacional Sindicalista se propuso, en plena guerra civil española (1936-1939), incluir dentro del plan educativo de la mujer los Coros y Danzas. Dadas las pocas fuentes directas disponibles, la metodología utilizada ha consistido principalmente en una búsqueda exhaustiva y sistemática de artículos digitalizados en hemerotecas de periódicos locales, en su día coordinados por la Delegación de Prensa y Propaganda de Falange. Ante la necesidad de educar a las organizaciones juveniles dentro del Nacional Sindicalismo, las camaradas de la Sección Femenina, Cándida Cadenas y Carmen Werner, descubrieron en un primer viaje de estudios a Alemania cómo el uso del folklore, las fiestas tradicionales, los cantos y bailes regionales eran unas herramientas pedagógicas excelentes para atraer y adoctrinar a la “masa” femenina. El interés de esta investigación radica en valorar una historia cuyo origen aún no ha sido examinado, poniendo en evidencia el protagonismo que tuvieron las mujeres de la Sección Femenina, y aportando nuevos datos a este universo poco estudiado de las mujeres españolas en la guerra civil y posguerra. 2023-01-01T00:00:00Z http://hdl.handle.net/10366/157992 [ES] El teatro con música de la primera mitad del siglo XVIII otorgó a las actrices-cantantes un lugar privilegiado en el contexto artístico-social de la época. Las novedades estilísticas demandadas por los géneros teatrales dieciochescos exigirían en las intérpretes un mayor grado de especialización vocal e interpretativa, que situaría a la mujer actriz en una posición privilegiada dentro del sistema de organización de las compañías teatrales. A comienzos de la centuria, este versátil colectivo ya había adoptado alguna de las innovaciones vocales procedentes de centros como Venecia, Florencia o Roma, sin por ello tener que renunciar a los elementos característicos de la tradición vocal hispánica. En las décadas sucesivas, este conjunto de intérpretes fue el encargado de actuar tanto en los teatros públicos madrileños, como en buena parte de las fiestas cortesanas cantadas, luciendo en ambos contextos sus habilidades para el canto, la declamación, así como, en algunos casos, para el baile. No resulta de extrañar, por lo tanto, que ya a finales de la década de 1730, una destacada generación de actrices-cantantes formara, para representar en el Teatro de la Cruz, la primera compañía de ópera española de la historia. Este hecho sin precedentes que supuso que un grupo exclusivamente de mujeres se reuniese para ejecutar una temporada de ópera, nos sirve para ilustrar la importancia que este colectivo poseyó en el contexto cultural de la época. El presente trabajo de investigación se adentra en el fascinante oficio de las actrices-cantantes de la primera mitad del siglo XVIII en España, abordando tanto su contribución al teatro y a la música, así como su papel en la construcción de la identidad de la mujer como sujeto histórico activo. La motivación de esta tesis doctoral es la de entender, a través de un análisis detenido de sus trayectorias artístico-profesionales, el contexto en el que se desenvolvieron, el repertorio que interpretaron, así como las múltiples facetas que integraban este complejo oficio. Para ello, este trabajo se articula en dos partes principales. La primera de ellas, relativa al contexto profesional de estas cómicas, estudia aspectos como el papel de la mujer dentro de las compañías profesionales y dentro de los géneros de teatro con música. Más concretamente, se ahonda en los puestos que ocupó dentro de las agrupaciones, las tipologías de personajes que interpretó, para finalmente tratar de comprender cómo se producía el aprendizaje del oficio teatral y su formación musical. Es decir, yendo de lo general a lo específico, abordamos cómo era el contexto profesional que envolvía a las protagonistas de este trabajo y su activa participación dentro de él. La segunda parte se centra tanto en el análisis del repertorio musical conservado, como en el estudio de siete perfiles concretos: Teresa de Robles, Paula de Olmedo, Juana de Orozco, Rosa Rodríguez, las dos «hermanas» Castro, y Catalina Pacheco. Todos ellos, muy diferentes entre sí, nos permiten profundizar en aspectos muy concretos de esta profesión, trazando una línea de la evolución que experimentó este colectivo a lo largo de las décadas. A través del estudio de estas siete vidas y trayectorias profesionales comprenderemos qué significaba ser una actriz-cantante en el cambio de siglo y de dinastía, qué suponía ser una autora de comedias, una graciosa, una cantante especializada, una segunda dama, una sobresaliente, o una actriz que asumía papeles de mujer vestida de hombre. El análisis de la labor y profesión de este conjunto de actrices-cantantes de la primera mitad del siglo XVIII no solo arroja luz sobre la evolución del teatro y de la música del momento, sino que también destaca la importancia del papel de la mujer como sujeto histórico activo. A través de los capítulos en los que se distribuye esta investigación, exploraremos la trayectoria de unas intérpretes que no solo desafiaron las normas establecidas culturalmente para su género, sino que también dejaron una huella perdurable en la historia teatral y musical de su tiempo. [IT] Il teatro con musica della prima metà del XVIII secolo ha conferito alle attrici-cantanti un posto privilegiato nel contesto artistico e sociale dell'epoca. Le novità stilistiche richieste dai generi teatrali settecenteschi esigeranno alle interpreti un maggior grado di specializzazione vocale ed interpretativa, che porrà la donna attrice in una posizione privilegiata all'interno del sistema organizzativo delle compagnie teatrali. All'inizio del secolo, questo versatile gruppo aveva già adottato alcune delle innovazioni vocali provenienti da centri come Venezia, Firenze e Roma, senza dover rinunciare agli elementi caratteristici della tradizione vocale spagnola. Nei decenni successivi, questo gruppo di interpreti fu incaricato di esibirsi sia nei teatri pubblici di Madrid, che in molte delle feste di corte canoramente celebrate, mostrando in entrambi i contesti le proprie abilità nel canto, nella recitazione e, in alcuni casi, nella danza. Non sorprende, quindi, che già alla fine degli anni '30 del Settecento, una straordinaria generazione di attrici-cantanti di spicco si unisse per formare, al fine di rappresentare al Teatro de la Cruz, la prima compagnia d'opera spagnola della storia. Questo evento senza precedenti, che ha visto un gruppo esclusivamente composto da donne riunirsi per eseguire una stagione d'opera, serve a illustrare l'importanza che questo gruppo rivestiva nel contesto culturale dell'epoca. Questo lavoro di ricerca si addentra nella affascinante professione delle attrici-cantanti della prima metà del XVIII secolo in Spagna, affrontando sia il loro contributo al teatro e alla musica, sia il loro ruolo nella costruzione dell'identità della donna come soggetto storico attivo. La motivazione di questa tesi di dottorato è quella di comprendere, attraverso un'analisi dettagliata delle loro carriere artistiche e professionali, il contesto in cui si svilupparono, il repertorio che eseguirono e le molteplici sfaccettature che costituirono questa complessa professione. A tal fine, il presente lavoro è suddiviso in due parti principali. La prima, relativa al contesto professionale di queste attrici, studia aspetti come il ruolo della donna all'interno delle compagnie professionali e all'interno dei generi teatrali musicali. In modo più specifico, si approfondiscono nelle posizioni occupate all'interno delle compagnie, i tipi di personaggi interpretati, per infine cercare di comprendere come avveniva l'apprendimento del mestiere teatrale e la loro formazione musicale. In altre parole, passando dal generale allo specifico, si affronta il contesto professionale che circondava i protagonisti di questo lavoro e la loro partecipazione al suo interno. La seconda parte si concentra sia sull'analisi del repertorio musicale conservato, sia sullo studio di sette profili specifici: Teresa de Robles, Paula de Olmedo, Juana de Orozco, Rosa Rodríguez, le due "sorelle" Castro, e Catalina Pacheco. Tutte molto diverse tra loro, ci permettono di approfondire aspetti molto specifici di questa professione, tracciando una linea dell'evoluzione vissuta da questo gruppo nel corso dei decenni. Attraverso lo studio di queste sette vite e carriere professionali, comprenderemo cosa significasse essere un'attrice-cantante tra due secoli, cosa comportasse essere una autora de comedias, una graciosa, una cantante specializzata, una segunda dama, una sobresaliente, oppure un'attrice che assumeva ruoli di donna vestita da uomo. L'analisi del lavoro e della professione di questo gruppo di attrici-cantanti della prima metà del XVIII secolo non solo getta luce sull'evoluzione del teatro e della musica dell'epoca, ma evidenzia anche l'importanza del ruolo della donna come soggetto storico attivo. Attraverso i capitoli in cui è suddivisa questa ricerca, esploreremo il percorso di interpreti che non solo sfidarono le norme culturalmente stabilite per il loro genere, ma lasciarono anche un'impronta duratura nella storia del teatro e della musica del loro tempo. 2023-01-01T00:00:00Z